A partir del motivo religioso de 'San Juan Bautista' destacan dos versiones pintadas por Tiziano
La competencia es dura estos días en el taller de restauración del Museo del Prado, pero incluso entre deslumbrantes rafaeles, goyasyvan der weydens, que reciben atenciones en distintos grados en esta suerte de Uvi del arte antiguo, brilla con discreción, apagado por siglos de olvidos, guerras y devastadores repintes, una pintura religiosa deTiziano (1489-1576).
El Guggenheim de Nueva York explora los mundos en blanco y negro del pintor malagueño. La muestra también pone en relación su obra con la fotografía y el cine.
El color no era necesario para Picasso
'Hombre con pipa', dibujo realizado por Pablo Picasso en París en 1923.
ANDREA AGUILAR Nueva York 5 OCT 2012 - 19:54 CET
Esencial, depurado y circular, el diseño del Museo Guggenheim de Nueva York invita al visitante a "entrar en el espíritu de su interior”, como explicó el autor del proyecto Frank Lloyd Wright en 1948 en The architectural forum. Hasta el 23 de enero este "espíritu interior” del que habló el arquitecto encuentra un singular eco en la muestra de la obra de Pablo Picasso que se expone en el museo. La misma idea de despojamiento e inmersión en la esencia, guía Picasso black and white, una exploración radicalmente nueva de la obra del artista español, comisariada por Carmen Giménez.
Dos esculturas en la rotonda principal, el bronce Mujer con vaso, de 1933, procedente del Museo Reina Sofía, y Mujer con los brazos abiertos, de 1961 dan la bienvenida a esta exposición, que abarca desde 1904 hasta 1971 y reúne 118 obras —sobre todo pintura, aunque también dibujos y escultura— procedentes de cerca de 30 museos y colecciones privadas. "El uso del blanco y negro en Picasso merece una consideración aparte. Sus trabajos en blanco y negro aparecen en casi cada década desde 1904, pero nunca tuvo un periodo blanco y negro y no está claro que sus numerosas obras en blanco y negro estuvieran cortadas por el mismo patrón, lo que hace imposible ordenarlas todas bajo una misma técnica, intención o simbolismo”, explica Carmen Giménez, en el texto del catálogo. Así, el recorrido de la exposición sigue un orden cronológico, desde el cuadro La planchadora, de 1904, hasta Tres figuras, de 1971, y muestra trabajos cubistas como El acordeonista (1911) y neoclásicos como Mujer en blanco (1923), su exploración del surrealismo y la incorporación de las formas redondas en la década de los treinta.
Despojado de los colores que debilitan, el pintor exploró con seguridad y maestría formas y estructuras. La fuerza de Picasso traspasa el filtro del color, y el efecto es como si el visitante se pusiera unas gafas de rayos X para contemplar las claves de la evolución de su obra.
El Guernica a menudo ha llevado a muchos a relacionar el uso del blanco y negro en Picasso con la muerte y el desastre. Pero como recuerda la comisaria Carmen Giménez esta visión resulta incompleta a la vista del conjunto de la producción del artista, y la idea de esta muestra surgió tras varias décadas trabajando en proyectos sobre Picasso, como la exposición de 1987 El siglo de Picasso, o la muestra El Picasso de los Picasso de 2003, en la que separó los cuadros en color de los trazados en blanco y negro, en el Museo Picasso de Málaga. "Muchos de sus cuadros más importantes los hizo en blanco y negro y se resistió a vender muchos de ellos”, explicó Giménez. "Picasso era un magnífico dibujante. Françoise Gillot recordaba una conversación con Picasso en la que habló de Matisse y de cómo sin color sus cuadros se caían. Para él el color no era necesario”.
La muestra, que viajará al Museo de Bellas Artes de Houston en febrero, también pone en relación de alguna manera el trabajo de Picasso con la fotografía y el cine, con estas formas modernas de arte del siglo XX, durante muchos años restringidas al blanco y negro. El fotógrafo Brassaï trabajó con el pintor y notó cómo, tras periodos de explosión
cromática, volvía al blanco y negro. La visión destilada de la nueva exposición, despojada de color, o más bien, restringida a solo dos —tres, si se suma la gama de grises que tantos pintores han señalado como el elemento clave del arte pictórico—, también tiene una cierta conexión con los hábitos de trabajo del artista que trabajaba de noche con la luz de candil. A esa luz, como Picasso le dijo a Brassaï, "cualquiera que sea la atmósfera se convierte en nuestra sustancia”.
Este sábado se hará finalmente efectiva la subida de 13 puntos del IVA para el sector cultural, que pasa del 8 al 21 por ciento, y que afecta a las entradas de teatros, cine y conciertos (los museos, exposiciones y biblotecas suben del 8 al 10, y los libros impresos se quedan en el 4). Aunque la decisión final de subir el precio o asimilar el incremento del impuesto depende de cada empresario y cada caso en particular, el encarecimiento final de la cultur parece inevitable.
Nueva York. (Efe) - Una de las versiones deEl grito, el popular cuadro del pintor noruego Edvard Munch, acaparará este miércoles todas las miradas en una venta de arte impresionista y moderno que s celebrará en la sede de Sotheby's en Nueva York.
Antoni Tàpies, ante una de sus obras en la reapertura de la sede de su fundación, en Barcelona
Antoni Tàpies,
uno de los grandes maestros de la vanguardia del arte del siglo XX,
falleció ayer en Barcelona a los 88 años, según un comunicado emitido
por su familia. El pintor catalán se encontraba delicado de salud desde
hace tiempo. Con Tàpies desparece uno de los grandes referentes
indiscutibles del arte contemporáneo mundial.
La familia real de Qatar ha pagado 250 millones de dólares (más de 191 millones de euros) por 'Los jugadores de cartas, cuadro que forma parte de una serie de pinturas clásicas de Paul Cezanne. La venta supone un nuevo récord en el mundo del arte y convierte al cuadro en el más caro de la historia.
CON MODALIDADES DE PINTURA, PINTURA RÁPIDA Y FOTOGRAFÍA, ENTRE OTRAS
Premios Ejército 2012
El Ministerio de Defensa convoca los Premios Ejército 2012 en su «50 edición» en las modalidades de Pintura General, Pintura Rápida, Fotografía, Miniaturas Militares, Enseñanza
Escolar e Investigación en Humanidades y Ciencias Sociales.
Podrán concurrir a los Premios Ejército 2012 autores, nacionales o extranjeros, cuyas obras y trabajos estén referidos o relacionados con cualquiera de las múltiples actividades del Ejército de Tierra Español. Para facilitar, en su caso, el conocimiento de sus actividades, los concursantes que lo deseen, podrán visitar las Unidades, centros u organismos del Ejército de Tierra que tengan relación con su trabajo, siempre y cuando sea posible de acuerdo con las actividades de las Unidades a visitar y las normas de seguridad en vigor. Para ello, deberán solicitarlo a las Oficinas de Comunicación Territoriales, cuyas direcciones pueden encontrarse en la página web del Ejército de Tierra.
Se considera una única categoría que constará de los siguientes premios: Un primer premio dotado con 7.000 euros, trofeo y diploma; y un segundo premio dotado con 5.000 euros, trofeo y diploma.
Las medidas de las obras deberán tener un mínimo de 50 centímetros y un máximo de 170 centímetros por cualquiera de sus lados. Deberán presentarse montadas en bastidores o soporte sólido y con un listoncillo o junquillo de anchura no superior a 5 centímetros y 1 centímetro de grosor. No serán admitidas las protegidas por cristal o cualquier otro elemento superpuesto que resulte peligroso para su integridad o transporte. La técnica y el estilo son Libre. Para la valoración de las obras se tendrá en cuenta la forma de plasmar la imagen del Ejército de Tierra, prestándose especial atención a la creatividad y originalidad, no sólo en la composición sino también en las técnicas y materiales utilizados.
Los autores podrán presentar como máximo una obra. Las obras que se presenten a concurso serán originales, inéditas y no presentadas a anteriores ediciones de Premios Ejército.
Las obras deberán tener entrada, en mano o por mensajería, entre el 9 y el 20 de abril de 2012 (ambos inclusive), en horario de nueve a trece horas, de lunes a viernes, en el Cuartel General del Ejército, Departamento de Comunicación del Ejército de Tierra, calle Prim, núm. 6, 28004 Madrid.
Pintura Rápida
El día 20 de mayo de 2012 se organizará en el Cuartel General del Ejército, calle Alcalá, número 51, de Madrid, el III Certamen de Pintura Rápida. Si las circunstancias meteorológicas o de índole superior impidiesen la celebración del certamen el día señalado se informará sobre las posibles variaciones a través de la página web del Ejército de Tierra.
Se establecen los siguientes premios:
– Un primer premio dotado con 2.500 euros, trofeo y diploma.
– Un segundo premio dotado con 1.500 euros, placa y diploma.
– Un premio juvenil dotado con placa y diploma.
– Un premio infantil dotado con placa y diploma.
Cada participante deberá ir provisto de todo el material que pueda necesitar para desarrollar su obra y de un caballete para la posterior exposición. A las categorías juvenil e infantil se les proporcionará diverso material de pintura. Los soportes deberán tener un mínimo de 50 cm y un máximo de 170 cm, por cualquiera de sus lados. Los bastidores deberán presentarse con un listoncillo de madera o junquillo de madera, en los cantos del lienzo, no superior a 5 cm en su lado más ancho y 1 centímetro de grosor.
La preinscripción se hará a través de la página web del Ejército de Tierra. El día del certamen se entregará a los artistas participantes, por duplicado, un boletín de inscripción y sellarán los soportes en la entrada del Cuartel General del Ejército en horario de 8:30 a 11:00 horas, excepto las categorías juvenil e infantil que podrán realizarlo durante toda la jornada. Los participantes darán por finalizado el concurso a las 16.00 horas y la entrega de las obras (sin firmar) se realizará desde las 16.00 horas hasta las 17.00 horas en el Cuartel General del Ejército donde quedarán expuestas y se procederá al fallo del Jurado. El fallo del Jurado se hará público entre las 19:00 y 20:00 horas en el mismo recinto del Cuartel General del Ejército.
Para poder participar en la categoría de pintura rápida juvenil, los participantes deberán tener edades comprendidas entre los 13 y los 17 años el día del concurso. Los participantes de la categoría de pintura rápida infantil deberán tener un máximo de 12 años el día del concurso.
Fotografía
Se establece una sola categoría de Serie, compuesta por 4 fotografías en color o blanco y negro, dotada con dos premios.
– Mejor Serie: un premio dotado con 3.000 euros, trofeo y diploma para la mejor serie de cuatro fotografías.
– Mejor fotografía individual: un premio dotado con 1.500 euros, trofeo y diploma a la mejor fotografía individual seleccionada de entre todas las series recibidas. La mejor fotografía individual no podrá formar parte de la mejor serie.
No se remitirá ninguna copia en papel. Todas las fotografías se remitirán en un CD que contendrá tres carpetas:
– Carpeta denominada «Baja resolución» que contendrá las cuatro (4) fotografías digitales que componen la serie con un tamaño máximo de alto y ancho de la imagen, dependiendo de la orientación de la misma, de 1.200 píxeles. Solo podrá ser entregada en formato JPEG.
– Carpeta denominada «Alta resolución», que contendrá las mismas cuatro (4) fotografías digitales que componen la serie con un tamaño mínimo de alto y ancho de la/ imagen, dependiendo de la orientación de la misma, de 3.500 píxeles. Solo podrá ser entregada en formato JPEG.
– Carpeta denominada «Datos personales», que contendrá el «Anexo A» de estas bases debidamente cumplimentado.
Tanto en el CD como en la carátula del mismo, deberán figurar el nombre del autor y el título de la serie. Los CD,s deberán tener entrada, en mano, por correo o mensajería, entre el 9 y el 20 de abril de 2012 (ambos inclusive), en horario de nueve a trece horas, de lunes a viernes, en el Cuartel General del Ejército, Departamento de Comunicación del Ejército de Tierra, calle Prim, núm. 6, 28004 Madrid. Cada autor podrá presentar una única serie de cuatro (4) fotografías.
El contenido de las imágenes no se debe alterar digitalmente. Sólo se permiten retoques conforme a los estándares aceptados actualmente en el sector. El Jurado es el árbitro final de estos estándares y se podrá solicitar el archivo original sin retoques, tal como fue registrado por la cámara. Los fotomontajes y las exposiciones múltiples quedarán excluidos del concurso. Las imágenes con bordes, fondos y otros efectos añadidos no se aceptarán. Las imágenes no deberán mostrar el nombre del fotógrafo, ni marcas de agua con copyright del autor.
Aquellas fotografías no premiadas que a criterio del Jurado destaquen por su calidad, se podrán seleccionar para su inclusión en el catálogo que se edita, difusión a través de cualquier medio y exhibición en la exposición que se organice en relación a los Premios Ejército. Las fotografías seleccionadas no están dotadas de ningún premio.
El mercado español del arte aún es tímido con respecto a las galerías online, pero la experiencia en países como Estados Unidos o Gran Bretaña demuestran que este tipo de empresas es factible, por dos razones fundamentales. La primera se basa en los creadores y la posibilidad de comenzar a promocionar sus obras rápidamente, clave importante para quienes comienzan en el sector. Si se piensa en artistas consagrados el beneficio radica principalmente en poder aparecer en cualquier país sin la necesidad de tener que realizar obligatoriamente exposiciones para darse a conocer al público que no sigue su trayectoria.
Por lo tanto, para los empresarios que se dedican a ser el puente entre los coleccionistas y los autores, abrir una ventana online para facilitar la labor de cada uno, puede ser tanto rentable como beneficiosa para todas las partes.
Además, no es necesario una gran inversión económica para activar este tipo de plataformas si se compara con los resultados que se obtienen y el nicho que aún queda por cubrir en nuestro país, debido a que solo unos pocos emprendedores han tenido la suficiente pericia como para arriesgarse a ser los primeros mecenas según marca la sociedad de este siglo.
Cada empresa es un mundo, pero teniendo en cuenta el esquema estadounidense que ha sido uno de los pioneros en impulsar el arte a través de Internet, las galerías online se convierte en coordinadoras, gestoras y promotoras de las obras.
Cada artista, que puede ser colaborador o socio, es coordinado por el personal de este tipo de empresas, y además les asesoran, generalmente por un precio mínimo o de manera gratuita. El resto del trabajo depende de la galería, por lo que se encargan de las cuestiones técnicas, fórmulas de presentación, software, controles de calidad y mantenimiento, infraestructura tecnológica, distribución, promoción y formas de pago.
Por lo tanto detrás de una galería digital hay una gran actividad para conseguir que todo el proceso se lleve a cabo. Aunque en la actualidad, la reticencia a digitalizar el arte sea latente por parte de los más conservadores del sector, lo cierto es que el futuro se encuentra en la red y su accesibilidad en cualquier momento. Por lo que si aún no ha tenido el impulso suficiente en todos lugares, es solo cuestión de tiempo y de toma de poder por parte de las nuevas generaciones, que se presentan con una mentalidad abierta ante las nuevas tecnologías y la web.
David Shrigley: 'El humor en el arte no es nada malo'
Lucía González | Madrid
Actualizado lunes 14/11/2011 11:35 horas
"La idea de que humor y seriedad son irreconciliables en el arte es un malentendido muy común. Lo opuesto de humorístico no es seriedad, es tristeza. No creo que el humor en el arte sea nada malo. Puedes ser serio y humorístico al mismo tiempo". Es el planteamiento del artista británico David Shrigley, autor de obras como un gato disecado con una pancarta en la que proclama 'Estoy muerto', una campanilla con un cartel que avisa de "no hacer sonar hasta que vuelva Jesús" y de numerosos dibujos, recopilados ahora en un libro, con los que ha popularizado una estética cargada de ironía camuflada en rasgos infantiles.
'Pero ¿qué coño estás haciendo?. El Gran Libro de David Shrigley' (Blackie Books) es una antología de ilustraciones y fotografías de las obras de este artista que se sirve de múltiples formatos. Pero son los dibujos, casi siempre acompañados de texto, los que llevan el peso.
Un peculiar estilo al que llegó a base de excluir del dibujo todos los elementos innecesarios para lanzar unos mensajes que navegan entre el absurdo y la ironía. "Son súper simples y sin sofisticación alguna porque es todo lo que necesito para expresar lo que busco", dice este creador, que cita entre sus artistas favoritos a Andy Warhol, Marcel Duchamp y Philip Guston.
"Supongo que trato de hacer algo que me resulte sorprendente, extraño o interesante en algún modo. Me suele gustar que tengan un punto divertido, pero no siempre", comenta vía 'email'. Y añade: "Supongo que muchas de mis obras hablan de cosas que son muy obvias, quizás demasiado obvias, para atraer la atención".
Es de la opinión de que hay que ser consciente de todo tipo de críticas: "Siempre puedes aprender algo. Incluso si todo lo que tienes que aprender es que la persona que la escribe es un idiota". Aunque nunca le ha gustado estar presente en una de sus exposiciones cuando hay gente observando su trabajo. Jamás ha querido expiar a los visitantes. "Lo odio. Prefiero estar ausente cuando la gente observa mis obras. Una vez vi a un artista del que yo era muy fan en una de mis exposiciones. Estuvo muchísimo tiempo mirando uno de mis trabajos. Pero no fui capaz de hablar con él por si acaso no le gustaban. Habría sido horrible", señala.
El año pasado presentó algunas de sus obras en una exposición individual dentro de la Feria de Arte Frieze de Londres. Y es cierto que, si no quiere escuchar en directo las opiniones, mejor no estar presente, porque los visitantes tendían a señalar, reír y comentar, con más o menos gracia, lo expuesto, gato disecado incluido. Allí sí se dejó ver, e incluso'tatuó' sus dibujos a algunos fans, como parte de una 'performance'.
Shrigley ha reescrito todos los textos en español para esta edición, que incluye una faja desplegable (un póster doblado abrazado al libro) con material inédito. En 2008 realizó una muestra de sus obras en España, en el Centro de Arte Santa Mónica, de Barcelona. "He hecho exposiciones en muchos países donde el inglés no es el primer idioma. Pero la gente siempre parece apreciar el trabajo, incluso cuando quizás no entienden todo el enunciado. Quizás no necesitamos entenderlo siempre todo. Me gusta que una parte de esto vaya más allá del entendimiento", señala.
Cuenta que realiza unos 30 ó 50 dibujos al día. "El 75% se va a la basura", aclara. Para buscar a sus musas se sirve de cierta mecánica: "Escribo una lista de cosas a dibujar, del tipo, 1) elefante, 2) puesto de telégrafo, 3) pelo creciendo... Después me siento y dibujo esas cosas o bien escribo sobre ellas".
'Degas y el desnudo’ en el Metropolitano de Boston
E. Degas, 'Jóvenes espartanos haciendo ejercicio' (1860–1862)
El Museo Metropolitano de Boston dedica una exposición de 165 obras a la temática del desnudo dentro de la obra de Edgar Degas (París, Francia, 1834-1917), la primera que se dedica a esta faceta de la obra del francés. Aunque la mayor parte de la obra expuesta es del propio Degas, también se incluyen una veintena de obras de otros maestros como Ingres o Picasso que ayudan a situar la visión de Degas en su contexto. También se ha hecho un esfuerzo por incluir explicaciones detalladas acerca de cómo es el trabajo del grabado, pastel o monotipo –técnicas que el artista dominaba a la perfección– en una guía multimedia que se puede ver en dispositivos móviles.
Lo primero que sorprende del tratamiento del desnudo en la obra de Degas es la variedad de enfoques: nada tienen que ver los desnudos de sus monotipos de burdeles como ‘El cliente serio’ con la inclusión de desnudos en sus primeros lienzos de corte histórico. En Degas la mujer puede ser prostituta, bailarina, bañista o desnudo académico (en realidad siempre la misma ‘mujer’ pero mirada de maneras divergentes). Destacan además la variedad de técnicas que el artista utilizó: litografías, monotipos, pastel, óleo…
También apreciamos una evolución en la técnica del artista. Sus primeros esfuerzos como pintor están dominados por las restricciones de la pintura academicista e histórica, como la de Ingres o su maestro Pierre Puvis de Chavannes, pero pronto evoluciona, absorbiendo lecciones de Goya o Delacroix (la ‘Muerte de Sardanápalo’ de este último, forma parte de la muestra). Quizás como desafío al academicismo francés, el joven Degas se interesa por una pintura que refleje una mayor espontaneidad, como reflejan ‘Jóvenes espartanos haciendo ejercicio’ (1860 – 1862) o ‘Escena de guerra de la Edad Media’ (1865), que huyen de las equilibradas composiciones del academicismo en busca de una mayor naturalidad.
Edgar Degas, ‘Secándose’ (1886)
A continuación, la trayectoria del artista cambia al ejecutar sus conocidos y ligeramente picantes ‘monotipos de burdeles’ como ‘El cliente serio’ (1879). En el fondo la técnica y la mirada es muy similar: desnudos en poses naturales, poco artificiosas, pero en un contexto distinto y menos aceptado al histórico o mitológico. Además, la técnica del monotipo, que involucraba la manipulación de tinta sobre cristal, era poco predecible, lo cual introduce una mayor libertad de movimientos en los trazos, algo que afecta a su producción posterior (después de todo, la formación de Degas es clásica). De ahí, Degas evolucionó a retratar escenas intimistas cotidianas en un estilo similar, buscando espontaneidad, variedad de poses y con trazos más libres que los de la pintura clásica.
De la técnica del monotipo el artista evoluciona a la del pastel, y de hecho hace pasteles sobre monotipos. En 1877 expone algunos de estos pasteles en la Exposición Impresionista, y lo hace otra vez en 1886 con pasteles más grandes que causan sensación y polémica como ‘Secándose’.
La exposición ‘Degas y el desnudo’ se podrá visitar en el Museo Metropolitano de Boston hasta el 5 de febrero de 2012. Y en la primavera de 2012 será el Museo de Orsay de Francia, institución que ha prestado unas 60 obras para la muestra, quien albergue la exposición.
Edgar Degas, ‘Escena de guerra en la Edad Media’ (1865)
Grafitis sin 'spray'
El arte callejero ya está lo suficientemente maduro como para deconstruirse
Irene Moreno Palmero | Madrid
Si hace pocos días un despistado borró un famoso Banksy de más de diez años de la emblemática fachada de la Fishponds Road de Bristol, no es de extrañar que muchos otros grafiteros, más o menos conocidos, vean desaparecer sus obras de las paredes de un día para otro. Ya sea por la acción de vecinos despistados o de alcaldes muy pulcros, el arte callejero tiende a la evaporación. Por eso muchos han desplegado buenas dosis de ingenio para reivindicar su arte olvidándose de los soportes y materiales que tradicionalmente se usan. El resultado, iniciativas de lo más originales: grafiti en billetes, señales, 'reverse graffiti', 'green graffiti'... Pero ¿eso sigue siendo graffiti?
Money, money
Cualquier espacio, por pequeño que sea, puede servir para convertirse en arte: por ejemplo, los billetes de un dólar. O de cinco euros, o los que sean. Basta con meter la mano en el bolsillo y comenzar a pintar.
La naturaleza puede ser un tema muy oportuno: Desde un 'tulip dollar', (un original tulipán incrustado en el billete) a un 'Moth dollar' (una bella mariposa con reflexión incluida) son dos ejemplos de lo quela holandesa Hanna Von Goeler hace y muestra en su webwww.hannavongoeler.com. La artista afirma que "dibujar y pintar sobre billetes le da poder para determinar el papel que tiene el dinero en la sociedad". Para ella es mucho más que "un simple dibujo en un insignificante billete de cinco dólares". Cada uno hace con su dinero lo que quiere.
Grafiti ecológico
La gracia está en el empleo del musgo y la hierba como únicos materiales de trabajo, que ponen la nota de color a espacios públicos abandonados embelleciendo el entorno con sus creaciones gráficas.
La británica Anna Garforth exhibe los trabajos de musgo callejero que realiza. Siguiendo los pasos del artista británico de land art, Andy Goldsworthy, esta londinense comenzó inspirándose en el colectivo denominado 'Guerrilla gardening' para después convertirse en una de las precursoras del 'green graffiti' y del 'Green Art'.
Su misión es animar a los grafiteros a prescindir del spray y sustituirlo por el musgo y la hierba. Su fórmula remite a una peculiar receta que se basa en escoger el musgo y añadirle yogur natural, o 355 mililitros de mantequilla, media cuchara de azúcar y bastante paciencia para esperar el tiempo que tarda en cubrir el grafiti.
¡Qué vivan los conductores cochinos!
Eso debe de pensar el estadounidense Scott Wade cada vez que se levanta. Wade utiliza las lunas sucias de los coches para inmortalizar su arte. Pinta pequeñas piezas que se denominan 'Reverse Graffiti' o grafitis inversos. No es el único que practica esta tendencia callejera: son muchos los 'don limpios' que se dedican mediante el grafiti a limpiar fachadas, señales o lunas de coche con su arte, como Alexandre Orion, el brasileño que 'adorna' los sucios túneles de su ciudad, São Paulo.
El artista tenía 88 años y estaba considerado como uno de los mejores pintores realistas de la actualidad
Muere el pintor Lucian Freud
EFE Autrorretrato de Freud
El parecido en el retrato. ¿No es éste el primer objetivo de este género, tan central para la pintura y sin embargo tan marginal, tan impenetrable para los avatares de su historia? Freud nunca relajó la exigencia del parecido en sus retratos, y sin embargo cuando se examinan de cerca se advierte en el trabajo de su pincel una insatisfacción creciente, una perplejidad que parece poner en cuestión el sentido, la sensatez incluso de un propósito estrictamente mimético.
No quiero que mis cuadros se parezcan a las personas retratadas», llegó a decir. No quiero que sean como ellas; quiero que las revelen.
Verdadero ser
La pintura como revelación. Como camino para llegar a una epifanía tan imperiosa como inesperada. ¿Cómo premonición, quiza? Como algo, en todo caso, que sólo con el paso del tiempo acaba por mostrarnos su verdadero ser.
Algo parecido puede decirse de su propia maduración como pintor, de la formación de su estilo inconfundible. Nacido en Berlín en 1922 en el seno de una familia de origen austriaco (era nieto de Sigmund Freud, el fundador del psicoanálisis), y a pesar de que llegó a Inglaterra en 1938 y nunca salió de Londres, la pintura de Freud parece haber ido revelando progresivamente su naturaleza esencialmente germánica, o, quizá, por decirlo con mayor precisión, vienesa.
Durero y Schiele
La atmósfera que se desprende de sus cuadros evoca tanto a Durero como a Schiele. Y sin embargo, en la realidad, su carrera pictórica hubiera sido inimaginable fuera de la Inglaterra de la segunda mitad del siglo XX. Su primer reconocimiento público como pintor se produjo en el Festival of Britain de 1951 y su recepción pública, su desarrollo ulterior están profundamente condicionados por su entorno inglés.
La pintura inglesa de las décadas centrales del siglo XX ocupa un papel tan marginal como esencial para la historia del arte moderno. Crece en el polo opuesto de la línea que nace en Nueva York y se desparrama por el continente europeo. Y, sin embargo, cuando en futuro se escriba la historia gobal del período, estoy convencido que será imposible narrarla sin esa componente británica. Y Lucian Freud ocupará en ella un papel central.
«Salvator Mundi», una obra perdida del pintor renacentista, se expondrá en Londres a finales de este año
El «nuevo» Da Vinci sale a la luz
AFP. El cuadro «Salvator Mundi», de Leonardo da Vinci
El óleo «Salvator Mundi» («Salvador del Mundo»), de Leonardo Da Vinci, descubierto recientemente en Nueva York, se expondrá en la National Gallery de Londres el próximo mes de noviembre, según informaron ayer fuentes de esta pinacoteca. El cuadro, convertido en las últimas décadas en un mito dentro del catálogo del artista renacentista, fue adquirido hace seis años por el consorcio privado neoyorquino RW Chandler. La pintura, de 60 centímetros, se registró por vez primera dentro de la colección del Rey Carlos I de Inglaterra, y recorrió un largo camino de herencias, ventas y pérdidas hasta la adquisición por parte del grupo estadounidense. Las dudas sobre la autenticidad del óleo hicieron que se encargara a Robert Simon, doctor en Historia del Arte en la Universidad de Columbia, en el mismo Nueva York, un estudio de la obra que permitiera certificar su autoría.
Después de cinco años de investigación, Simon aseguró que el cuadro fue pintado por Da Vinci. «Tras un amplio tratamiento para su conservación, el cuadro fue analizado por una serie de expertos internacionales y todos llegaron a la conclusión de que Salvator mundi es el original pintado por Leonardo da Vinci», dijo.
Idas y venidas
La peripecia del cuadro ha sido larga. La obra estaba perdida desde el siglo XVII hasta que en 1958 se adquirió por 45 libras; en aquel momento se pensaba que el autor de la obra era del discípulo deGiovanni Boltraffio. Hace unos siete años, la obra entró a subasta por 200 millones de dólares, precio récord para una obra de Da Vinci, pero como la autoría no estaba clara, la venta no se realizó. «Hoy esa cifra es pura especulación. El valor es incalculable y tampoco está a la venta», dijo Robert Simon.
Leonardo da Vinci habría pintado «Salvator mundi» entre 1490 y 1500, y su composición fue documentada varias veces a través de dos dibujos preparatorios hechos por el propio Da Vinci y más de 20 copias pintadas por sus discípulos, así como un grabado de 1650 realizado por el artista Wenceslao Hollar.
La National Gallery londinense ha confirmado ya la presencia del lienzo en la exposición que dedicará a Leonardo da Vinci como pintor en la Corte de Milán, en noviembre de este año: «Nos parece muy interesante incluir este descubrimiento en la exposición. Será la prueba de fuego para la obra, ya que se podrá comparar directamente con otros trabajos de Da Vinci universalmente conocidos», afirmó el comisario de la muestr, Luke Syson.
Hasta hace unos meses, la gran protagonista de la muestra era «La Virgen de las rocas»(1491-1508), cuadro que sería otra vez expuesto luego de pasar dieciocho meses en proceso de restauración en la National Gallery. Sin duda, el óleo será destronado por la obra recién hallada, donde se retrata a Cristo de medio cuerpo, con el brazo derecho levantado en señal de bendición, mientras la mano izquierda sostiene una esfera de cristal.
La exposición se asoma al esplendor que reinó entre finales del XIX y 1960
La tradición moderna aterriza en el Thyssen
14 Julio 11 - - R. S.
SEVILLA- Málaga, con la exposición «La tradición moderna en la Colección Carmen Thyssen. Monet, Picasso, Matisse, Miró», se asoma a uno de los escenarios más fascinantes de la historia de la pintura universal. En el hilván histórico que va desde finales del siglo XIX hasta los años 60 del siglo pasado se cosen un conjunto de manifestaciones artísticas que rompen todos los moldes anteriores y sientan las bases de lo que vendrá después. Los hemisferios aún desconocidos salen de las paletas de una pléyade de conquistadores del color, de las formas y de los volúmenes que marcan no una época, sino todas las épocas. En el decaer del siglo XIX los lienzos se llenan de luz en los pinceles de Claude Monet. Y tras esta ráfaga rutilante, vendrán las vanguardias, que encarnan artistas españoles como Pablo Picasso, Juan Gris o Joan Miró, presentes en la exposición. El surrealismo que van madurando Antoni Tàpies y Antonio Saura se da la mano con las primeras composiciones no figurativas, que se cuelan en España con el sello de la abstracción lírica, heredera de Kandinsky. Y con el arte normativo. Y con informalismo que va dejando atrás la huella onírica.
La exposición es una selección de las obras más contemporáneas de la Colección Carmen Thyssen-Bornemisza. El recorrido está estructurado en torno al arte español realizado entre 1890 y 1960, aunque también figuran algunos ejemplos relevantes del arte internacional. El objetivo que se persigue es establecer un diálogo entre las principales propuestas plásticas protagonizadas por artistas españoles y determinadas corrientes europeas y americanas que jugaron un papel fundamental en la configuración de la modernidad en nuestro país. Y todo ello gracias a la propia riqueza de los fondos de la Colección Carmen Thyssen.
Conocer a fondo
La exposición temporal permanecerá abierta en la pinacoteca malagueña hasta el 16 de octubre. Alrededor de ella, el Área Educativa del Museo tiene previsto organizar actividades didácticas, dirigidas a públicos de todas las edades con un interés en conocer más a fondo esta muestra. «Los segadores», de Pablo Ruiz Picasso; «La mujer sentada», de Juan Gris; «Conversación bajo los olivos», de Henri Matisse; «Bodegón con flores y peras», de Francisco Bores... Cada mirada aguarda un sobresalto. La revelación de la más brillante zancada del siglo.
La muestra la componen un total de sesenta obras que llegan a la capital malagueña bajo la batuta del comisario Guillermo Solana. Todos los detalles están disponibles en la web www.carmenthyssenmalaga.org.
Una isla en medio de uno de los mayores lagos del mundo será la nueva inspiración de escritores, artistas e investigadores. El paraíso natural fue adquirido a través de Internet por un neoyorquino.
Una isla deshabitada, nuevo paraíso de los artistas
Una isla deshabitada, nuevo paraíso de los artistas
10 Julio 11 - Nueva York - i. Blanco
En febrero de 2010, Rob Gorski tuvo la oportunidad de comprar una isla que salió a la venta en Internet, y no dejó pasar la oportunidad. Después de asegurar la preservación de la flora y fauna de un entorno completamente virgen, se hizo con la paradisíaca Rabbit Island, una superficie de tierra de 36 hectáreas en medio de Lake Superior, el mayor lago de agua dulce del mundo según su superficie.
Rabbit Island se encuentra a tres kilómetros al este de la península de Keweenaw, al norte de Michigan sobre una pequeña elevación de la piedra arenisca. Bosque y rocas conviven con animales salvajes en un ecosistema robusto que permanece en su estado natural. Con la preservación del paraje asegurada para el futuro, el siguiente paso fue el de idear un espacio donde los artistas e investigadores creativos pudieran encontrar inspiración en un entorno virgen. Las necesidades del proyecto En la actualidad el proyecto gira en torno a la construcción de una residencia ecológica para los futuros residentes que se queden allí durante varias jornadas trabajando, y el diseño de un estudio en el que poder trabajar. Ambas instalaciones se construirán con piedra y madera obtenida de la propia de la isla. De este modo, se podrán garantizar los ingresos suficientes con los que preservar el entorno. En el «paquete turístico» se incluye el transporte a la isla, que se realizará en un bote de segunda mano perteneciente a alguien de la localidad. Una vez en la isla, los residentes contarán con energía generada por paneles solares.Ante la creciente preocupación por el entorno y el medio ambiente, los creadores del proyecto han apuntado a «artistas plásticos, escritores, diseñadores, arquitectos, agricultores e investigadores creativos» como los virtuales visitantes de la isla, donde podrán encontrarse en un espacio único: es la naturaleza en su forma más pura, aislada de toda forma convencional de transporte.Primer inquilinoAndrew Ranville, graduado en Bellas Artes en Londres, será el principal artista que se establezca en esta residencia. Su misión es la de diseñar y construir sus estructuras e incorporarlas al paisaje de la isla. Además de su experiencia artística, se pondrán en práctica ideas provenientes de otras instalaciones similares en Europa y América.
Una obra, presuntamente pintada por Miguel Ángel y de la que se había perdido toda pista, ha sido localizada en una residencia de la Universidad de Oxford, según ha informado este lunes la BBC.
La obra, colgada en la pared de la residencia Campion Hall, representa una crucifixión y, hasta ahora, se atribuía a Marcello Venusti (1515-1579), un artista del círculo de Miguel Ángel Buonarotti (1475-1564).
Sin embargo un experto italiano, Antonio Forcellino, asegura que, mediante la técnica de infrarrojos ha descubierto que el verdadero autor del cuadro es Miguel Ángel Buonaroti.
La obra, que fue adquirida por la residencia en una subasta en 1930, ha sido enviada al Museo Ashmolean para su custodia. Su título es 'Crucifixión con la Virgen, San Juan y dos ángeles de duelo'.
'La maleta mexicana' de Robert Capa se expone por primera vez en Europa.
Una vez en España
'La maleta mexicana' de Capa. | AFP
Juan Manuel Belver|Arles (Francia)
Les Rencontres d’Arles Photographie 2011, que comenzaron el pasado 4 de julio, tienen como país invitado este año a México, a pesar del boicot gubernamental impulsado por el Eliseo contra el Año de México en Francia debido a un problema diplomático. En su 42ª edición, el más importante festival internacional de fotografía consagra ocho de sus 60 espacios expositores al octavo arte del país azteca, que se presenta a través de la amplia muestra historicista México: 'Fotografía y revolución'. Y hay también 'expos' individuales de algunos delos más aclamados fotógrafos mexicanos: desde la veterana Graciela Iturbide hasta el fotoperiodista Enrique Metínides, pasando por Maya Goded, Daniela Rossell o Dulce Ponzón.
¿Qué pinta en medio del capítulo mexicano un documentalista tan legendario como el húngaro Robert Capa (1913-1954)? Que se sepa, Capa, fundador junto a Cartier-Bresson y otros de la Agencia Magnum, jamás pisó tierras de Centroamérica. Sin embargo, una maleta con4.500 negativos de la Guerra CivilEspañola tomados por nuestro hombre junto a sus colegas de cámara Gerda Taro y David Chim Seymour, apareció en aquel país en 2008. Dicha colección, perdida en París en 1939, se ha dado en llamar 'La maleta mexicana' debido al lugar en que fue hallada y llega ahora por primera vez al Viejo Continente tras haber sido exhibida, el pasado invierno, en el International Center of Photography de Nueva York. En su visita al Centro, puede hospedar en unos de los varios hoteles en Nueva York y recorrer el resto de la ciudad.
Se trata, en realidad, de una serie de cajas que se exhiben, junto con los negativos y las impresiones de estos, en una muestra comisariada por Cynthia Young, que se puede ver hasta el 18 de septiembre en el Musée Départemental de l’Arles Antique y que se completa con la proyección, el pasado 5 de julio en el Théâtre Antique, deldocumental de Trisha Ziffen el que se cuenta el periplo de este tesoro del fotoperiodismo de mediados de siglo XX. Como se recordará, Capa se traslado a España con su novia Gerda y su amigo Chim al estallar la guerra en 1936 y pronto tomó partido por la causa de la República.
Desde ese lado de la contienda, Capa estuvo presente en buena parte del conflicto, siempre en primera línea, desde el asedio de Madrid hasta la retirada final en Cataluña, pasando por el frente de Córdoba, donde tomó, el 5 de septiembre de 1936, en el Cerro Muriano, su célebre foto 'Muerte de un miliciano'. Según las últimas investigaciones, la mayor parte del material que contiene la maleta pudo haber sido tomado en esa misma época, a 10 kilómetros del frente,en la localidad de Espejo, donde tenían en esas fechas las tropas republicanas su cuartel general. Al poco de hacer esas instantáneas, Gerda moriría en un accidente, al caer del coche en el que iba y ser arrollada por un tanque...
Las cámaras de las calles de San Francisco grabaron al ladrón llevando el cuadro en la mano.- AP
Las autoridades han recuperado intacta la obra creada por el artista malagueño Tête de Femme en 1965 que supuestamente tenía previsto vender el arrestado a un comprador que no ha sido identificado. El cuadro tenía un precio de venta al público en Weinstein Gallery, lugar donde tuvo lugar el robo, en la zona de Union Square, que superaba los 200.000 dólares.
El individuo detenido, Mark Lugo, de 30 años y residente en Nueva Jersey, estaba de visita en casa de unos amigos en el valle de Napa, en los alrededores de San Francisco, cuando los agentes procedieron a su captura y requisaron el dibujo, que se encontraba sin el marco.
Según la versión policial, Lugo salió de la galería de arte el martes por la tarde con el cuadro oculto por un periódico y fue filmado por las cámaras de seguridad de un establecimiento cercano antes de tomar un taxi y dirigirse al Hotel Palomar en el que se hospedaba desde el 4 de julio. Posteriormente, Lugo fue hasta un complejo de apartamentos en Napa, aunque las autoridades desestimaron que sus amigos estuvieran involucrados en el robo.
El detenido quedó preso bajo una fianza de 5 millones de dólares. El responsable de Weinstein Gallery aseguró que tras el incidente tiene previsto instalar cámaras de seguridad y contratar más personal para evitar este tipo de incidentes.
La obra gráfica del escultor Henry Moore se muestra por primera vez en España
uamero.wordpress.com
El ideario, temperamento y devociones de Moore, considerado como uno de los precursores de la escultura pública monumental, refleja esta recopilación procedente en su mayor parte de la Fundación Henry Moore, basada en litografías, aguafuertes y aguatintas fechadas entre 1951 y 1983, y que podrán verse hasta el 28 de agosto.
El esquematismo e incluso primitivismo de sus primeras composiciones se aprecia en figuras humanas, generalmente desnudos esbozados en trazos arcaicos como paso previo a la realización de esculturas, ha explicado a los periodistas el comisario de la exposición, José Fermín Serrano.
Al margen de una muestra escultórica celebrada en Madrid hace varias décadas, "En España no se ha vuelto a ver nada de Henry Moore, excepto piezas sueltas en alguna feria o galería, y mucho menos un repertorio de dibujos tan amplio y representativo de sus distintas etapas como este de Valladolid", ha manifestado Serrano.
Una serie dedicada al Cromlech de Stonehenge (monumento megalítico situado en las inmediaciones de la ciudad inglesa de Salisbury) delata, a juicio del comisario la estirpe rural de un artista que siempre se desenvolvió con normalidad y sin las estridencias propias de quien "se hizo multimillonario" con el arte.
Además de la figura humana, desnudos y otras posturas, Moore sucumbió a la tendencia de los escultores de representar sus manos, la herramienta principal de su trabajo, a través de una serie que comparte protagonismo con otros dibujos reveladores de su vida interior.
"Mucho tiempo tardó en tener una hija, después de numerosas dificultades por parte de su esposa", ha explicado el comisario para situar la presencia de varias estampas domésticas a ellas dedicadas: en un pupitre estudiando o en brazos de su madre dentro de emotivas maternidades.
Movilizado en la Primera Guerra Mundial (1914-1918), Henry Moore regresó herido del frente, en 1919 se colocó como maestro y dos años después cursó estudios en el Royal College Art of Art de Londres, lo que le permitió visitar periódicamente el British Museum , donde resultó cautivado por la escultura griega, pero también por formas y volúmenes de artes no occidentales como el africano, de Oceanía y especialmente el precolombino (maya y azteca).
Todo ello se aprecia en los trazos y temáticas de los dibujos de esta exposición organizada por el Ayuntamiento de Valladolid a través de la Fundación Municipal de Cultura, donde se aprecia con nitidez la evolución del artista desde el esquematismo hasta la abstracción y surrealismo que le procuró fama y dinero.
"Fue el primer escultor contemporáneo que se atrevió a hacer un agujero a la escultura", ha detallado Serrano acerca de la filiación vanguardista de un artista cuya primera obra gráfica recuerda, en cierto modo, "a los grabados clásicos de pintores como Goya, Rembrandt o Durero", según el comisario.
Henry Moore es conocido principalmente por la abstracción de sus obras en bronce y mármol, de gran tamaño y destinadas a espacios públicos o abiertos por encargo de grandes compañías, fundaciones, universidades e instituciones. EFE rjh
Desde el martes, el Museo del Prado abre sus puertas al paisaje y el paisajismo en una gran exposición organizada junto al Louvre y el Grand Palais, de París
El Museo del Prado analiza el nacimiento del género del paisaje en la pintura
Poseen las pinturas de paisaje la extraña condición de que, cuando se observan, parece que reconocemos lugares propios de la naturaleza, con sus accidentes característicos y un largo elenco de azares. Y no, entre ambas no existe esa identidad real, sino que se va a la naturaleza a reconocer paisajes vistos en la pintura, la miramos con intencionalidad artística o cultural, histórica o poética, incluso con encuadres propios de los artificios de las artes, ya sean diagonales, a vuelo de pájaro, con horizontes altos o bajos, a veces ocultos. Así, es la mirada la que descubre la emoción del paisajey le dota de significados muy distintos según quien observe o pinte.
Es la mirada, pero también son la palabra, la descripción, el apunte o la pintura las que descubren paisajes en la naturaleza. Y es que la naturaleza no sabe de aquellos, mientras que los paisajes ayudan a mirarla, a contemplarla, dotándola de valores morales, religiosos, literarios, filosóficos o emocionales que no son suyos, sino de quien mira o pinta esas imágenes. Es más, la naturaleza ha sido pintada en esa época como si fuera antigua, histórica, porque hay pinturas de paisajes que parecen propias de una antigüedad clásica, de otro tiempo, o de tiempos modernos o naturaleza sagrada y literaria.
Lo adecuado a la narración
De este modo se han pintado atardeceres antiguos o característicos delas luces del amanecer, incluso nocturnos o trágicos, los que se consideraba adecuados a la narración puesta en escena. Es decir, apropiados a las intenciones culturales y artísticas del pintor o el mecenas que encarga la obra, al tema representado, incluso cuando los pintores comenzaron, en la época fascinante que recorre esta exposición (1600-1650), a pintar al aire libre, del natural, sabiendo que se trataba de notas, de apuntes destinados a ser reconstruidos en el taller, reordenados en la pintura final, en el artificio del paisaje pintado con diferentes intenciones, emocionales o históricas, propias del recuerdo del viajero, o filosóficas; del descanso en villa de príncipes y prelados, y también religiosas, como si la naturaza pintada estuviese destinada a responder del drama o el misterio de lo sagrado o del placer del ocio y de la cultura, de la filosofía o la ciencia.
El paisaje comienzó a tener una progresiva autonomía a partir del Renacimiento
No en balde, de Poussin –presente aquí con obras inalcanzables y justamente elegidas como modelo canónico del ideal del paisaje clásico– se afirmaba que pintaba «con la mente», o que para entenderlo había que saber mirar como lo hacen los geómetras. Pintura moderna y clásica, pero de un clasicismo que no es arqueológico, sino propio de la memoria, filosófico, moral y científico, como si la naturaleza, como dijera Galileo, hablase la lengua de las matemáticas.Neoplatonismo y neoestoicismo patentes en tantas pinturas de paisaje en esta época, y que la exposición recorre con ejemplos inolvidables de Carracci, considerado con razones sobradas el iniciador a principios del XVII de esta tradición ideal del paisaje clasicista que en la Roma de los años treinta e inmediatamente posteriores encontraría su más perfecto y apasionante laboratorio de experiencias con los paisajes pintados, sabiendo de la tensión que el arte, la geografía y la Historiamantienen con la naturaleza.
Mucho más que un género menor
Considerada desde el Renacimiento un género menor como la naturaleza muerta, comienza a tener una progresiva autonomía desde su condición de escena de pinturas de Historia, mitológicas o religiosas –como eco simbólico que acentúa retóricamente la narración figurativa– a género independiente en el que las figuras se reducen de escala y de tamaño como si se tratase de elementos propios del paisaje pintado, intercambiables figuras y árboles, montañas y edificios, fuentes y animales, excusas para la pintura. Y los pintores tuvieron conciencia temprana de las oportunidades que permitía este género menor –espacio de libertad inesperada en el que pesaban menos las estrictas reglas de los géneros mayores–, nacido de los «lejos», como se decía en español de los cuadros de Historia o los religiosos. Y comenzaron a construir artificios en los que el paisaje se componía de motivos ideados, aunque aparentemente presentes en la realidad, con el fin de proporcionar incluso un aire antiguo y clásico, imagen del pensamiento –aunque también de las emociones– a la naturaleza, ayudados por aficionados y teóricos, por aristócratas y cortes (como Felipe IV y su espectacular programa de paisajes para el Buen Retiro o Francesco Barberini), y entre los primeros se encontraban nombres tan significativos como Giustiniani,Agucchi, Bellori, Malvasia o Malvezzi.
Los pintores tuvieron conciencia temprana de las oportunidades del género
Lo hizo de manera extraordinaria Claudio de Lorena, que dotó de color dorado a tantos de sus paisajes, en los que el capricho de los mismos alcanzó a la arquitectura, siguiendo en esto, como otros muchos, las intuiciones deAgostino Tassi y de Carracci, como asimismo hicieron Domenichino o Pietro da Cortona. Así, lo real de la naturaleza, de la ciudad o de la arquitectura era compuesto para alcanzar ideales antiguos, filosóficos, arcádicos, que sin ser nunca del todo filológicos (menos en el caso del espléndido Lemaire, coleccionista de erudiciones y luces), confrontaban en el espacio de la pintura lugares nuevos, paisajes ideales, dorados, trágicos, emocionales también –como ocurre en Salvator Rosa o Gaspar Dughet–, pero que solo existían en lo pintado, como enigmas o discursos teóricos, o expresaban el tiempo del pintar, tal como ejemplarmente hiciera Velázquez en su vista del jardín de Villa Medici en Roma (1629-1630). Compleja y maravillosa historia narrada ahora en El Prado con casi noventa pinturas y treinta dibujos.
La exposición Devorar París. Picasso 1900-1907' revela cómo el maestro del cubismo encontró un estilo propio
Picasso, un joven hambriento de pintura
Vista de la exposición del Museo Picasso de Barcelona.Manu Fernández
Pablo Picasso tenía 19 años cuando llegó por primera vez a París, en 1900. Fue con un par de amigos para ver su cuadro Últimos momentos, expuesto en el Pabellón español de la Exposición Universal. Durante aquel viaje, el pintor malagueño conoció a los artistas que trabajaban en la capital francesa y se empapó de las técnicas utilizadas por Toulouse-Lautrec o Vang Gogh.
Ese descubrimiento es el arranque del relato que cuenta la exposiciónDevorar París. Picasso 1900-1907, en el Museo Picasso de Barcelona. Comisariada por Marilyn McCully, la muestra rebate a quienes tachan al joven Picasso de imitador. Para demostrar que el autor del Guernica asumió los hallazgos de sus contemporáneos desde un punto de vista independiente, McCully ha emparejado piezas de Picasso con las de sus maestros.
La muestra rebate a quienes tachan al joven Picasso de imitador
La exposición, que presenta un total de 90 obras entre pinturas, esculturas, dibujos y grabados, sigue un orden cronológico. Los óleos pintados por un Picasso recién llegado a la ciudad de la luz levantan el telón de la muestra. Ahí aparece el impresionante Le Moulin de la Galette. "En ese momento empieza a experimentar con la técnica, con las pinceladas y los colores, que dejan de ser españoles para volverse más vivos y brillantes", observa la comisaria.
Uno de los artistas que interesaron al autor de Las seño-ritas de Avignon fue Toulouse-Lautrec, tal y como refleja el cartel que Picasso dibujó y que nunca se llegó a imprimir para publicitar el cabaret Jardin. Entonces como en la actualidad, para ganar dinero, muchos artistas hacían ilustraciones para revistas y, como se ve en las que han incluido en la exhibición, Picasso, Juan Gris y Xavier Gosé seguían el estilo del habitual del Moulin Rouge.
Una experiencia paralela
"Para él, la pintura podría ser escultura al mismo tiempo", cuenta la comisaria
"Fue algo más que una influencia. Lo de Van Gogh para Picasso fue una experiencia paralela, porque el holandés también fue un extranjero en París y pintó escenas variopintas de la ciudad", detalla McCully. Cuando Picasso llegó a París, la obra de Van Gogh ya comenzaba a tener adeptos, pero él se sintió reflejado en ese artista visionario. Por ello, la sala llamada La fama de Van Gogh en París reúne nueve óleos del pintor, entre las que destacan La colina de Montmartre y la cantera de piedra.
Avanzando en el itinerario, de las animadas escenas de la vida de París, Pablo Picasso comienza a empaparse de los colores de los pintores simbolistas franceses. Detalle que se observa en la pintura Casagemas en su ataúd (1901), en la que el artista utilizó tonos azules para reproducir la pérdida del que fue uno de sus mejores amigos de juventud.
El gran salto
En 1904 Picasso se trasladó definitivamente a París y se instaló en un taller del Bateau-Lavoir. Trabajó sin tregua para convertirse en uno de los referentes artísticos del momento, y después de siete años dio "el gran salto", como le gusta definirlo a Marilyn McCully.
Derain, Matisse, Cezánne y Van Gogh eran los grandes del momento, pero él también se sentía uno de ellos, y decidió pintar su Autorretrato con paleta, de 1906. En la sala dedicada a esta etapa se puede ver el Bañista de Cézanne junto el Desnudo peinándose de Picasso.Y también la sencilla pero interesante Muñeca, una escultura de madera sacada de la pata de una silla que parece delatar la influencia del arte tribal en el artista.
El director del museo, Pepe Serra, explicó que la muestra es "la culminación de un proceso que intenta revisar, contextualizar y ofrecer una mirada crítica sobre la obra picassiana". De hecho, el recorrido acaba con dos óleos sobre madera: Desnudo de pie y Desnudo de pie con los brazos levantados. "Con ellas se aleja de lo que hacían Matisse y los demás. Estas obras ya muestran que para Picasso, la pintura podría ser escultura al mismo tiempo", revela McCully.
Nuevo curso de pintura de paisaje de la Fundación Santa María de Albarracín
Foto: EUROPA PRESS
ALBARRACÍN (TERUEL), 4 Jul. (EUROPA PRESS) -
La Fundación Santa María de Albarracín acoge una nueva edición del Curso Superior de Pintura de Paisaje, uno de los habituales en los veranos de Albarracín, dirigido una vez más por José María Rueda, pintor y profesor titular de pintura de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid.
En declaraciones a Europa Press, el gerente de la Fundación Santa María, Antonio Jiménez, ha señalado que cada año "cuelgan del título de paisaje alguna otra cosa", en esta ocasión es el retrato. Así que "se trata de completar el paisaje con personas, no dejarlo vacío".
Los profesores han elegido la Plaza de Albarracín para las clases porque "siempre hay gente a la que pintar", otro grupo acudirá al barrio de San Juan.
Jiménez ha apuntado que este curso "es el gran clásico de la casa" ya que se han celebrado en unas 20 ocasiones "aunque con formatos diferentes". Primero fue un encuentro de pintores, a lo que después se añadió un curso y al final, se quedó sólo en eso. A juicio del gerente de la Fundación es "maravilloso" sobre todo porque, "este curso ha servido como embrión de otros muchos cursos".
La clave del éxito del curso de Pintura de Paisaje de Albarracín, al que cada año se inscriben decenas de alumnos puede residir en la belleza del entorno. Así, Jiménez ha indicado que "siempre han venido muchos pintores, ha sido motivo de inspiración para numerosísimos artistas".
Desde hoy y hasta el sábado, 9 de julio el curso incluirá clases teóricas, pero sobre todo prácticas que, darán como resultado una exposición.
Este año también se concederán las 'Becas Albarracín' entre los alumnos participantes que, podrán aportar una de las obras que hayan realizado estos días. El premio consistirá en una estancia de 15 días en Albarracín, para desarrollar su trabajo, y un complemento económico de 600 euros brutos.
Además, estos días se celebra en Albarracín el curso de teatro del Instituto Aragonés de la Juventud, también habrá un encuentro de jóvenes músicos de Aragón. En el mes de agosto, habrá un curso de cine y el encuentro de la Banda Sinfónica del Instituto Aragonés de la Juventud.
Con todo ello, el gerente de la Fundación Santa María, se ha mostrado contento porque "en un tiempo en el que la crisis se ceba, sobre todo con la cultura, parece que podemos continuar con nuestra actividad, así que es muy satisfactorio".
Picasso con Jaqueline bailando en el taller del artista-
Fotografía íntima, hiperrealismo al óleo o tesoros de civilizaciones milenarias son algunos de los planes para disfrutar la parte artística del verano en el territorio nacional o internacional.
EL PAIS- Madrid - 05/07/2011
Centros de Arte, Galerías y Museos donde resguardarse del calor veraniego y aprovechar alguna de las exposiciones que han programado para estos meses. Si viajas por Europa o más allá, aquí van algunas propuestas...
Picasso con Jaqueline bailando en el taller del artista-
La Gran Vía madrileña pintada por Antonio López-
París
Mayas: del amanecer al atardecer
Viaje a través del tiempo a la civilización más desarrollada de Centroamérica: los mayas. Su tradición, su cultura, su vestimenta, sus costumbres y sus creencias, se exhiben en piezas en el Museo de Quai Branly. La colección permanecerá abierta hasta el 2 de octubre.
De Botticelli a Barceló
Con sesenta dibujos fechados desde la Edad Media, Botticelli, Degas, Robert Barry y Miguel Barceló ofrecen un fascinante recorrido por el proceso de evolución del papel y su adaptación a las distintas necesidades expresivas del arte. La exposición estará hasta el próximo 5 de septiembre en el Museo Du Louvre.
Roma
Caravaggio y su obra cumbre al descubierto
En homenaje al IV centenario de la muerte de Michelangelo Merisi, Caravaggio, el Museo Nacional del Palacio de Venecia expone los resultados de un estudio hecho a los lienzos de la Capilla Contrarelli de la Iglesia de San Luis de los franceses. Hasta el 15 de octubre.
Bruselas
Horta en exhibición
En celebración al 150 aniversario del nacimiento de Víctor Horta (1861-1947), el Museo de Arte Antiguo, perteneciente a los Museos Reales de Bellas Artes de Bélgica, acoge una exposición especial sobre Horta, un arquitecto modernista. Los visitantes podrán conocer en in situ la reconstrucción de la fachada del demolido Hôtel Aubecq de Horta. Hasta el 9 de octubre.
Oslo
Noruega en la retrospectiva
Hasta el 11 de septiembre, el Museo Nacional de Arte, Arquitectura y Diseño mantendrá abierto al público la exposición dedicada a Erik Werenskiold (1855-1938), un fiel ilustrador de la austera vida rural noruega y de sus historias populares.
Londres
Una mirada a la obra de Miró
Este año, la cita obligada es en el Tate Modern. 'Miró: La escalera de escape' es la esperada exposición que se exhibirá hasta el 11 de septiembre. Es considerado el evento más grande celebrado hasta hoy en Europa desde la muerte del pintor catalán, hace 28 años. En la muestra se hace un recorrido por los inicios del pintor, su travesía surrealista y su etapa final. Destacan sus trágicos Lienzos Quemados y los cinco enormes trípticos.
Viena
De Monet a Picasso
Cuarenta nuevas pinturas de la colección de Rita y Herbert Batliner acaban de añadirse al patrimonio del Albertina Museum de Viena. Monet, Renoir, Cézanne, Matisse o Picasso se encuentran entre los artistas que recoge esta colección en exposición permanente.
Bienal de Venecia 2011
Y hasta el 27 de noviembre permanece abierta las 54ª Exposición Internacional de Arte. Ahí puede hacer un recorrido por el arte y cultura propia de cada país del mundo. Con motivo de esta celebración en distintas parte de la ciudad se han organizado cerca de 40 eventos artísticos.
New York
Hals y su retrato holandés
Este 26 de julio el Metropolitan Museum of Art estrena la exposición del pintor Frans Hals (1582-1666), quien junto a Rembrandt, retrataron la llegada de los holandeses a Nueva York. El museo neoyorquino, que posee las mejores colecciones de Hals en Norteamérica, exhibirá trece de sus pinturas.
Ai Weiwei en la ciudad que nunca duerme
Reviva la vida de Ai Weiwwi en New York en la década de 1980. Sus experiencias personales, pensamientos y actitudes plasmadas en las 227 fotografías instantáneas tomadas por el célebre artista chino. La muestra permanecerá en exposición hasta el próximo 14 de agosto de la sede de Asia Society.
México DF
Slim y su colección
Descubra el museo del hombre más rico del planeta, Carlos Slim. En el Soumaya se exponen las casi sesenta mil piezas artísticas de su inventario. Slim posee obras de cualquier artista imaginable, incluida una de las colecciones de esculturas de Rodin. El visitante es sorprendido con obras de Filippo Lippi, Van Gogh, El Greco y Miró.
Y si no planea salir de España y le apetece algo más que playa y sol, aquí están las exposiciones más sonadas de la península...
Madrid
Tesoros de Polonia en el Palacio Real
La Dama del Armiño, uno de los pocos retratos que pintó Leonardo Da Vinci, visita por primera vez España en una muestra que abarca cuatrocientos años de arte polaco importadas desde el Museo Nacional de Cracovia hasta el Palacio Real, pero sólo hasta el 4 de septiembre.
Antonio López en el Thyssen
Hasta el 24 de septiembre el hiperrealismo de Antonio López se exhibirá en el Museo Thyssen-Bornemisza, tras casi dos décadas desde su última retrospectiva. La muestra contiene óleos, grabados y esculturas escogidas por el propio autor.
Arte Soviético de vanguardia
Hasta el 18 de septiembre en el CaixaForum de Madrid se puede visitar una exposición sobre el arte soviético en el periodo de las vanguardias bajo el título de 'Construir la Revolución: Arte y Arquitectura en Rusia, 1915-1935'. Fotografías, dibujos, pinturas y maquetas.
Historia del paisaje en el Prado
Con el nombre de 'Roma: Naturaleza e ideal', el Museo del Prado abre las puertas de una exposición que muestra la evolución del paisaje en el arte italiano del siglo XVII. Programada hasta el 25 de septiembre.
Bilbao
Abstracción de mitad de siglo en el Guggenheim de Bilbao.
Una selección de las obras de artistas norteamericanos y españoles de arte abstracto durante las décadas de los cincuenta y los sesenta ocupará la sala principal delGuggenheim en Bilbao. Hasta enero de 2012.
León
Gritos en el MUSAC
17 artistas internacionales ofrecen distintos puntos de vista de este gesto primigenio en distintos terrenos y expresiones. Gritos de dolor, socorro o de clamor político que regeneran el clásico de Munch. Hasta enero de 2012, en el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León.
Valencia
Exposición gigante de Brasil
'Gigante por su propia naturaleza', así ha denominado el IVAM una colección hilvanada por el ritmo recorre el vasto territorio brasileño, que busca hacerse un hueco en el panorama del arte contemporáneo. Hasta mediados de julio.
Barcelona
Tras los rastros de Courbet
Hasta el 24 de julio se puede visitar la exposición titulada 'Realismo: la imprenta de Courbet' en el Museo Nacional de Arte de Cataluña. Otra cita más con el realismo descarnado del pintor francés François Courbet.
El origen de un genio
Los años que pasó Picasso en París, de 1900 a 1907, y el descubrimiento de la ciudad y sus artistas vienen desde el Museo Van Gogh de Ámsterdam con algunas obras de Van Gogh como propina. La exposición la acoge el Museo Picasso Barcelona.
Vitoria
Ángel Marcos, Rabo de Lagartija
Una muestra de fotografías del artista vallisoletano que transita de lo conceptual al todo, acompañada de diversas actividades durante los meses del verano. En el ARTIUMde Vitora hasta principios de septiembre.
Salamanca
Exposición fotográfica de Roland Fischer
La mayor exposición del fotógrafo alemán Robert Fischer recopila toda su obra desde 1980 hasta 2010. Treinta años de trayectoria en la que resaltan sus retratos realizados en piscinas de Los Ángeles o China. La exhibición permanecerá hasta el 23 de octubre en el centro de arte DA2 de la ciudad charra.
Alicante
San Peterburgo se traslada a Alicante
El Museo Estatal del Ermitage se ha afincado en Alicante a través de una de las exposiciones arqueológicas más importantes del mundo, que ayuda a conocer mejor la historia de Rusia. Hasta octubre en el Museo Arqueológico de Alicante.
¿En qué cree García-Alix?
'El paraíso de los creyentes' es la nueva creación de Alberto García-Alix. Una exposición de 66 fotografías que construyen un poema visual y que, hasta que se publiquen en formato libro y DVD, se pueden disfrutar en lo que resta de julio en el Centro Cultural Las Cigarreras de Alicante.
Málaga
Picasso fotografiado
La intimidad de Picasso en su taller o en instantáneas cotidianas a través de la cámara de David Douglas Duncan invaden el museo dedicado al autor en la capital malagueña hasta el 25 de septiembre en el museo que lleva su mismo nombre en la ciudad andaluza.
Cartagena
Neorrealismo entre música
Dentro de la programación del Festival La Mar de Músicas está programada una retrospectiva con fotografías del italiano Nino Migliori que congela en imágenes situaciones y costumbres humanas de la posguerra en Italia, país invitado en esta edición.
"Mis dibujos no son imágenes, sino una escritura privada", Franz Kafka.
Con todos ustedes, el dibujante Franz Kafka
El pensador.
Por:Winston Manrique Sabogal04/07/2011
Con las palabras-epígrafe de Franz Kafka (1883-1924) que abren este post-retrospectiva sobre sus dibujos, el escritor checo deja claro como veía, concebía y definía sus ilustraciones y su vertiente artística; aquella que lo acompañó desde niño, y por siempre, pero que dejó a un lado en beneficio de la literatura. Dibujos dispersos, algunos más o menos conocidos, pero que nunca habían sido reunidos y vistos uno tras otro, hasta ahora que se publica el libro Franz Kafka. Dibujos, editado en España por Sexto Piso. En Babelia, a través de su blog Papeles perdidos y EL PAÍS.com, ofrecemos un avance en primicia de esta novedad literaria, que llega hoy a las librerías. Una obra que brinda una doble lectura, cada dibujo va acompañado de un extracto de un texto literario o personal en el cual lo hizo el escritor o que encaja en algunos de sus escritos. El conjunto ilumina aún más el universo del gran autor checo. Una especie de retrospectiva artística de 40 ilustraciones del creador de obras como La metamorfosis y El proceso, uno de cuyos pasajes encaja en el siguiente dibujo titulado Dos que esperan:
El interés y la pasión de Kafka por el dibujo, y el arte en general, fue tal que con 24 años aún no sabía a qué quería dedicarse al crear imágenes como la que abre esta pieza titulada El pensador, y que al igual que sus escritos se prestan a varias interpretaciones, podríamos verla como un autorretrato. Otro registro de su trazo es el deibugo que sigue a continuación, Tres corredores:
Aunque en muchos casos se desconoce la técnica empleada, pluma de tinta o lápiz, se trata de un Kafka señalado como expresionista por su amigo y artista Fritz Feigl, o como un escrupuloso realista, según su amigo y albacea literario Max Brod, que siempre quiso publicar algo como este libro y no pudo, y al que debemos muchas de las obras de Kafka pese a su negativa de que vieran la luz. Incluso, el escritor ha sido emparentado con Kandinsky, o relacionado con otros artistas abstractos y algunos más por hacer ilustraciones como esta Mujer serpiente:
Lo cierto es que Brod siempre creyó en el valor artístico de ese kafka al que le encantaba el arte japonés, fantaseaba con obras de Ingres y le fascinaban artistas como Van Gogh. Además la vinculación de Kafka con el mundo artístico lo llevó a que dos artistas lo invitaran, infructuosamente, a posar como modelo desnudo. Kafka tuvo clases de dibujo en la escuela elemental pero fue en la universidad cuando descubrió el gusto por esta expresión. Sobre todo en los últimos años de la carrera de Derecho (1903-1905) cuando el aburrimiento lo llevaba a garabatear "acertijos" o "pintarrajos", como los llamaba él, en el margen de sus cuadernos. Esta época es la central de este libro-exposición; aunque también hay dibujos hechos en postales, cartas, cuadernos o blocs de notas y cuadernos a rayas.
"Observe el lector que no sólo la prosa de Kafka, sino también sus dibujos reciben las mas diversas interpretaciones", dice el texto de presentación de este libro editado por Sexto Piso.
Kafka era muy crítico con sus dibujos y, según Gustav Janouch, en 1922, dos años antes de su muerte, se refirió a ellos en los siguientes términos: "No son dibujos para mostrar a nadie. Tan solo son jeroglíficos muy personales y, por tanto, ilegibles. (...) Mis figuras carecen de las proporciones espaciales adecuadas. No tienen un verdadero horizonte"... "Los dibujos son rastros de una pasión antigua, anclada muy hondo".
También se recuerda su mirada más entusiasta y profunda de concepción del arte: "La pasión está en mí. Desearía ser capaz de dibujar. Quiero ver y aferrar lo visto. Esa es mi pasión".
O su mirada y anhelo de creador: "Intento cercar lo visto de una manera totalmente propia".
O su mirada más literaria y existencialista cuando se refiere a la serie de hombrecillos (7 dibujos conocidos como "las marionetas negras de hilos invisibles"), la cual se señala como variaciones de la inicial de su apellido, la K: "Vienen de la oscuridad para desvanecerse en la oscuridad".
O su mirada más filosófica, más platónica: "Todas las cosas del mundo humano son imágenes que han despertado a la vida".
Son cuarenta dibujos de Franz Kafka, cuarenta piezas con espejos reflectantes en los textos que los acompañan que crean un álbum de doble lectura de uno de los escritores fundamentales del siglo XX. El resultado no es comparable al de su creación literaria, pero es valioso conocer el resultado de un secreto en un hombre como él. El libro se cierra con la ficha-biografía de cada uno de los dibujos y su posible técnica, fecha y aparición. Todo ello gracias a que, como habría dicho el propio Kafka: "Y pese a la mejor de las voluntades... ha de ser la pluma quien, en mi mano, siga por el mal camino".
PD. Este sábado 9 de julio, Babelia publicará más dibujos de Kafka acompañados por un artículo de Max, ilustrador y autor de cómic y novela gráfica.
El Rijksmuseum de Ámsterdam confronta los autorretratos de ambos pintores
Rembrandt y Degas, cara a cara
ISABEL FERRER - Ámsterdam - 04/07/2011
El Rijksmuseum de Ámsterdam ha viajado al futuro para demostrar la influencia de Rembrandt sobre Edgar Degas. En un alarde estilístico, la sala nacional holandesa ha confrontado los rostros del maestro del Siglo de Oro, y del impresionista galo, para una muestra de título telegráfico: Rembrandt y Degas, dos artistas jóvenes, y también de carácter intimista. Una veintena escasa de autorretratos firmados por ambos, que pulveriza la distancia temporal hasta encontrar la mirada del maestro antiguo en los ojos del pintor moderno.
Rembrandt (1606-1669) dio literalmente la cara a lo largo de su biografía pictórica. Las ilusiones del inicio de su carrera, el triunfo de crítica y público y la bancarrota final, marcan sus famosos autorretratos. Son unos cuadros de diversos tamaños y técnicas (hay óleos y grabados) que, según los expertos, miran al espectador. Vital y gastador, el artista holandés llevó una vida desordenada comparada con Degas. El impresionista francés (1834-1917) era un hombre conservador, solitario y moderado, que ha pasado a la posteridad por sus cuadros de bailarinas. Pero esa visión no le hace del todo justicia.
La exposición pulveriza la distancia temporal entre los dos maestros
Aunque Hilaire-Germain-Edgar de Gas se estrenó, como Rembrandt, con obras de motivos históricos, se tenía por un realista. Desdeñó el conservadurismo de los críticos de arte de su época, evitando lo que consideraba excesos impresionistas. Nunca le atrajeron las salidas al exterior de sus compañeros para pintar puestas de sol. Sin embargo, sus propios experimentos posteriores con el color y las escenas de París, les hermanan.
La exposición del Rijksmuseum se remonta al Degas primerizo y algo ingenuo. Al artista, hijo de un banquero nacido en Italia, fascinado por otras luces en apariencia más sombrías: el famoso claroscuro de Rembrandt. También por las visiones de El Greco, que coleccionó. Durante una estancia en Roma que se prolongó tres años, Degas profundizó en la complejidad psicológica que exige la obra del holandés. Sin olvidar sus grabados. "Si el maestro del Siglo de Oro hubiera conocido la litografía, Dios sabe lo que hubiera hecho", es la frase atribuida al galo. Rembrandt elevó la técnica del grabador a la categoría de arte, y realizó algunos autorretratos sorprendentes por su expresividad a tamaño reducido. Doscientos años después, Degas aprovecharía la fotografía como soporte artístico. Es más, los últimos autorretratos de su vida fueron majestuosas instantáneas.
"Vimos un autorretrato de Degas, con esa mirada que te sigue y una posturarembrandtiana, y sentimos una pulsión similar. Luego el proyecto acabó cristalizando y pudimos reunir los autorretratos de juventud de ambos", asegura Jenny Reynaerts, conservadora del Rijksmuseum. La sala ha traído los cuadros de Degas del Metropolitan Museum de Nueva York, la National Gallery of Art de Washington y el Museo Getty de los Ángeles. Abierta en Holanda hasta el próximo 24 de octubre, la muestra viajará luego a Estados Unidos. Primero será instalada en noviembre en el Art Clark Institute, una colección privada de maestros antiguos e impresionistas de Massachusetts. En febrero, pasará por el Metropolitan de Nueva York.
Autorretrato de Rembrandt, de 1628-1629; copia hecha por Degas en 1857 de un retrato realizado por Rembrandt dos siglos antes; autorretrato de Degas, de 1855.-
Sotheby's de Londres vivió anoche una gran velada. De hecho, la subasta de arte contemporáneo ayer celebrada alcanzó un volumen de ventas nunca visto hasta ahora en la capital británica: 120,9 millones de euros, superando su anterior récord, 105 millones conseguidos en ebrero de 2008. La mayoría de las obras, 34, procedían de la Colección Duerckheim, la más importante de la Alemania de la posguerra.
La obra que alcanzó mayor precio fue Crouching Nude (1961), de Francis Bacon (1909-1992), vendida por 9,24 millones de euros y que nunca antes se había subastado. El segundo puesto fue para un cuadro del estadounidense Jean-Michel Basquiat (1960-1988), Untitled (1981), vendido por seis millones de euros.
Gran parte del lote Duerckheim está fechado en los años sesenta y setenta e incluye trabajos de Georg Baselitz, Gerhard Richter y Sigmar Polke. Las obras de este familia de la industria alemana que han pasado a nuevas manos alcanzaron los 67 millones de euros.
Además, cinco artistas superaron su récord en la venta de una de sus obras: Blinky Palermo, Sigmar Polke, Eugen Schönebeck, Markus Lüpertz y Georg Baselitz. Además, 29 obras superaron los 1,10 millones de euros.
La Asociación de 'Amigos del Patrimonio de Laredo' sigue con su particular cruzada por la recuperación del casco histórico laredano. Y con ese motivo, el colectivo ha convocado para este domingo un concurso de pintura en el que podrán participar todas las personas que lo deseen. La organización ha determinado 500, 400 y 300 euros para premiar los tres mejores trabajos. La cita arrancará a las 10.00 de la mañana.
La Colección Clark viaja al Musée des Impressionnismes Giverny
A partir del próximo 12 de julio, el Musée des Impressionnismes Giverny (Francia) acogerá la exposición The Clark`s collection, de Manet a Renoir, la segunda parada del tourinternacional de las obras maestras de la colección del Sterling & Francine Clark Art Institute que visitarán España en otoño gracias a la Fundación 'la Caixa'. En Barcelona permanecerá expuesta del 18 de noviembre a 12 de febrero de 2012.
Más de 70 pinturas de sus magníficos fondos de impresionismo francés podrán ser visitadas en Giverny hasta el 31 de octubre. Destacan creaciones de Monet, Pissarro, Sisley, Morisot, Manet, Degas, así como un extraordinario grupo de más de veinte pinturas de Renoir. Además, la exposición mostrará las obras anteriores de Corot y Millet, así como pinturas de artistas académicos como Gerome, Alma Tadema, y Bouguereau.
En cuanto a nuestro país, esta será la tercera vez en que obras del Sterling & Francine Clark Art Institute viajen a España, ya que en octubre de 2010 la institución estadounidense colaboró con el Museo del Prado en la primera exposición monográfica en España sobre la obra de Pierre-Auguste Renoir, Pasión por Renoir. Simultáneamente, también participaron en la exposición Picasso ante Degas del Museo Picasso de Barcelona, ambas con gran éxito de público.
Tras su paso por España, la colección continuará su viaje por Europa, Asia y América; en total, 10 ciudades podrán disfrutar de esta exposición que culminará en Pekín en febrero de 2014.
Acerca de The Clark
The Sterling & Francine Clark Art Institute es un prestigioso museo y centro de investigación sobre Historia del Arte situado en Williamstown (Massachusetts). The Clark es una de las únicas instituciones en el mundo con la doble misión de ser un museo abierto al público y un centro académico y de investigación en artes visuales.
El campus de The Clark incluye el museo original de 1955, diseñado por el arquitecto Daniel Perry; el centro de investigación Manton, ideado por Pietro Belluschi y sus colaboradores, que se completó en 1973; y el Stone Hill Center, inaugurado en 2008, y que fue diseñado por Tadao Ando, ganador del Premio Pritzker.
La colección permanente de The Clark es rica en arte del siglo XIX francés, con más de 30 cuadros de Renoir y pinturas firmadas por Monet, Degas, y Pizarro. Además, contiene excepcionales pinturas y esculturas europeas y americanas, una extensa colección de grabados y dibujos, plata inglesa y muestras tempranas de los inicios de la fotografía.
La entidad malagueña sumó el 20,5% de sus visitas de 2010 durante los dos meses de máxima afluencia turística en la provincia
La pinacoteca se prepara para mantener su actividad de lunes a domingo durante julio y agosto
LOS DATOS
16,5
por ciento ha aumentado el número de visitas al MPM durante los cinco primeros meses del año respecto a los datos de 2010.
71.036
personas acudieron al MPM en julio y agosto del año pasado.
74,3
por ciento de los visitantes estivales son ingleses, alemanes, franceses o italianos.
Los gestores públicos y privados han visto en esa fórmula el remedio de muchos de sus males. Quizá no se trate de la panacea, pero promete paliar parte de las estrecheces actuales. Dos palabras repetidas como un mantra: turismo cultural. Y si ese es el Sol que más calienta, en la provincia brilla sobre todo en julio y agosto. Un periodo que hasta hace no mucho representaba un páramo en la oferta cultural y que ahora centra los esfuerzos de casti todas las entidades del ramo. Ahí está el ejemplo del Museo Picasso Málaga (MPM).
La pinacoteca prepara una apuesta sin parangón en la ciudad: abrir de lunes a domingo durante la temporada alta veraniega. Y tiene motivos para afrontar ese esfuerzo, a la luz de las estadísticas de visitantes en 2010: nada menos que el 20,5% de la afluencia al Palacio de Buenavista se concentró en julio y agosto. En concreto, durante esos dos meses pasaron por el MPM 71.036 personas de las 345.742 que acudieron al espacio de la calle San Agustín a lo largo del año pasado.
Desde el museo malagueño explican los motivos de esta iniciativa: «Tras estudiar detenidamente la demanda cultural de quienes acuden en los meses estivales a la conurbanicación de Málaga, el MPM opta por ampliar en verano además de su oferta expositiva el número de días semanales».
«La apertura de los lunes de julio y agosto -prosiguen- es fruto de un análisis profundo del perfil del visitante del MPM y de la frecuencia de este visitante en el periodo estival (julio y agosto). Además, se ha analizado también el incremento de visitantes ocasionales que en ese período visita Málaga capital y que busca acercarse a los espacios culturales».
Suben las visitas este año
Los rectores del MPM aclaran que esta decisión de abrir también los lunes -en horario de 10.00 a 20.00 horas- pretende sumar argumentos al ritmo ascendente que experimenta la afluencia al museo en lo que va de año respecto al ejercicio anterior. No en vano, las visitas al museo durante los cinco primeros meses del curso se han incrementado un 16,5% en comparación al mismo periodo de 2010 (pasan de 135.968 a 158.461 personas, según las cuentas de la institución).
En relación con el perfil del visitante estival, el MPM cuenta con detalladas encuestas sobre los usuarios de sus instalaciones en julio y agosto. Esos informes determinan que el turista extranjero que visita la capital suele ofrecer motivaciones culturales. Y en este segmento destaca la presencia de ingleses, alemanes, franceses e italianos, que representan el 74,3% de la afluencia en este periodo.
Por su parte, los turistas nacionales representan el 16,7% de las visitas al MPM en temporada veraniega. En cuanto a las ciudades de procedencia, lideran el 'ranking' Madrid, Cádiz, Barcelona y Sevilla. La mirada al público local establece que el 9% de los que acceden al museo son malagueños, si bien desde la institución recuerdan que ese porcentaje varía a lo largo del año.
Por edades, son mayoría las personas de entre 31 y 50 años (el 36,8%) y las incluidas en la franja que va de los 59 a los 65 años (el 29,1% del total). Sin embargo, desde el MPM matizan que las estadísticas que manejan presentan «una curva ascendente de visitas durante los meses de verano» por parte de menores de 50 años.
Seis ciudades europeas, entre ellas Málaga, participan en un programa europeo de cooperación territorial para el Mediterráneo para crear Incubadoras para Empresas Culturales (ICE en inglés), que tiene como objetivo el fortalecimiento de las pymes en este sector.
Las demás ciudades participantes son Évora (Portugal), Potenza y Roma (Italia), La Valeta (Malta) y Atenas (Grecia), cuyos representantes asistirán el próximo miércoles en Málaga a una reunión en la que esta capital presentará el trabajo que ha completado hasta ahora.
Cada una de las ciudades socias deben desarrollar un área, y en el caso de Málaga se encarga de "asegurar o garantizar la sostenibilidad de estas incubadoras de empresas del ámbito cultural y creativo", ha explicado a Efe Paulino Cuevas, consultor de la firma Industrias Creativas & Co, que desarrolla el proyecto para la capital malagueña.
Málaga se centrará en el ámbito del turismo cultural, porque "el turista ya no quiere mirar, quiere participar de la experiencia", y el miércoles presentará al resto de ciudades "las claves del modelo que minimizan el riesgo de fracaso en este tipo de incubadoras".
Según Cuevas, se apostará por el sistema de "laboratorio viviente", que implica que distintas empresas "conviven en un mismo espacio y son complementarias", y en esta ciudad se pondrá en práctica en un edificio de la empresa municipal Promálaga con capacidad para casi una decena de iniciativas.
"Se trata de mostrar que existen otros modelos de negocio y la posibilidad de que los artistas vivan de su talento y de la creatividad como industria sostenible", ha añadido a Efe Cuevas.
La Conferencia de Naciones Unidas para el Comercio y el Desarrollo (UNCTAD) incluye dentro del concepto de industrias creativas las dedicadas a las artes plásticas; editoriales y medios impresos; el diseño; arquitectura, publicidad, turismo cultural y de ocio, y nuevos medios ycontenidos digitales.
También están incluidas las empresas audiovisuales; de artes escénicas; de expresiones culturales tradicionales, y las relacionadas con el patrimonio histórico.
De izquierda a derecha, Caneda, Solana, Moreno, Thyssen, De la Torre y López-Manzanares.:: Carlos Moret
LOS DATOS
Título. 'La tradición moderna en la Colección Carmen Thyssen. Monet, Picasso, Matisse, Miró'.
Fecha. Desde hoy hasta el 16 de octubre.
Fondos. 60 obras de la colección de Carmen Thyssen procedentes del Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid, del Museo Nacional de Arte de Cataluña y de obras nunca expuestas.
Comisario. Guillermo Solana. Comisario técnico: Juan Ángel López-Manzanares.
Horario. De martes a jueves, de 10.00 a 20.00 horas. Viernes y sábado, de 10.00 a 21.00 horas. Domingos, de 10.00 a 20.00 horas. Cerrado los lunes.
Precios. Visita de la colección permanente: 6 euros. Visita de la temporal: 4 euros. Combinada: 8 euros.
Hay obras que nunca se han expuesto; otras que la gente «ni se imagina» que ella pueda tener; y algunas que, aunque ya conocidas, ofrecen una visión «nueva e inédita» al compararlas con su compañera de pared. Carmen Thyssen enseña «la parte secreta» de su colección en la primera exposición temporal que cuelga del Museo Carmen Thyssen Málaga. Con 'La tradición moderna en la Colección Carmen Thyssen', el siglo XX entra por la puerta grande de la pinacoteca con «joyas» de Picasso, Monet, Matisse, Braque, Gris o Miró, entre muchos otros maestros de la pintura moderna y de vanguardia. «Estoy muy feliz de presentar esta maravilla», declaró ayer una sonriente baronesa.
'Interior al aire libre', de Ramon Casas, abre el recorrido por sesenta cuadros que explican la pintura española del XIX y del siglo pasado «entretejiéndola con las corrientes de la vanguardia internacional y sus diversos movimientos», señaló Guillermo Solana, comisario de la muestra y conservador jefe del Thyssen de Madrid. Poner a Claude Monet junto a Joaquín Sorolla, a Robert Delaunay junto a Juan Gris o a Joaquim Sunyer junto a Mourice Denis «contribuye a entender de otra manera el arte español del siglo XX».
Lo que se verá en Málaga hasta el 16 de octubre es el resultado de haber «saqueado» diversos depósitos de la colección. Del Thyssen de Madrid procede un tercio de la muestra, «piezas verdaderamente antológicas que gozan del estatus de obras maestras singulares». Cuenta Solana que esto ha supuesto «despojar» algunas de las salas madrileñas de su obra principal, un «indicio de lo que estamos dispuestos a sacrificar» por reforzar Málaga. Así ha ocurrido con el Monet tardío 'La casa entre las rosas', «que linda en el umbral de la abstracción». Aquí -como en Madrid- comparte pared con el cuadro de Sorolla 'Patio de la Casa Sorolla', «también un jardín íntimo».
Es uno de los muchos «diálogos entre la pintura española y los maestros internacionales» que propone el montaje, precisó la nueva directora de la pinacoteca, Lourdes Moreno, para quien «nunca una exposición había reunido a tantos maestros» en Andalucía. Y es que, como comentó Solana, «uno de los placeres» de la muestra ha sido «ir revelando y descubriendo afinidades entre artistas a veces no del mismo momento, coincidencias casi telepáticas entre unos y otros; un juego en el que ha participado la propia Tita».
Otro interesante 'debate' se entabla entre 'Los segadores' de Pablo Picasso y 'Marina. L'Estaque' de George Braque, «dos cuadros sorprendentes que pertenecen a una época en que aún no eran cubistas» y que son claros ejemplos del fauvismo, «ese movimiento de exaltación del color que le precedió». Junto a ambos, 'Conversaciones bajo los olivos', un Matisse tardío de cuando en Niza el autor «se vuelve más clásico, más prudente, más sabio».
Grandes joyas
También el Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC) se ha quedado temporalmente sin «sus grandes joyas». Desde Barcelona han viajado otro tercio de las obras que componen 'La tradición moderna' y que pasean por el «modernismo naturalista de Ramon Casas, el realismo de Rusiñol, la dimensión trágica y social de Nonell, lo decorativo de Anglada, lo trágico y decorativo de Mir, el noucentisme de Sunyer...».
En la disposición de los cuadros, estos dos últimos se yuxtaponen para hacer patente la evolución desde el «momento desgarrado» del último modernismo de Mir en 'El abismo' hasta la «concepción pastoral del paisaje» de Sunyer en 'Mediterráneo'. «La pintura catalana es la más avanzada e interesante que se hace en España entre 1880 y 1920», añadió Solana. En Málaga, además, los maestros catalanes se rodean de Emile Bernard, Maurice Denis y Paul Sérusier, entre otros.
Y más tesoros. En un segundo espacio de la sala de 300 metros cuadrados, destaca la «experimentación radical, precursora de la abstracción» de Delaunay en 'La gran Portuguesa'; un «hito de la vanguardia poscubista internacional» como es 'Mujer sentada' de Juan Gris y, un poco más allá, 'Pintura' de Miró y dos 'tàpies'.
Para el final se reserva lo nunca visto, obras que no han salido hasta ahora de los almacenes o de las residencias de la baronesa y «que dan cuenta de una evolución radicalmente moderna de las últimas décadas de la coleccionista». Se engloban aquí dos 'sauras' «muy agresivos, violentos y ásperos»; dos creaciones de Francisco Bores, «durante años el gran español de la escuela de París al nivel de Picasso», piezas inéditas de Perejaume y Cossío, una figura de Yves Klein y el 'Feny' de Victor Vasarely, «el gran impacto» que cierra el recorrido. Se comprueba así que «la colección de Tita no se queda en el siglo XIX» -época de los fondos permanentes de la pinacoteca malagueña- sino que avanza en el tiempo.
Ahora sí, el museo «está al 100% de sus posibilidades», como concluyó el alcalde de Málaga. Junto con la baronesa, Francisco de la Torre presidió una jornada de presentaciones en el museo, porque no solo se inauguraba su primera exposición temporal: era también la primera muestra con Lourdes Moreno como directora -«con ella me llevo de maravilla, hay amistad y respeto mutuo», dijo Carmen Thyssen- y el estreno de Damián Caneda como concejal de Cultura. Ayer se hizo la primera foto de todos juntos. Vendrán más.
«Me llevo muy bien con el trabajo últimamente, es un premio para mí»
Dieciocho años después, el maestro regresa con una exposición a Madrid, que inaugurarán los Reyes el día 27 en el Museo Thyssen. De las 130 obras, algunas llegarán de su taller, aún sin terminar
NATIVIDAD PULIDO / MADRID
Será, qué duda cabe, la exposición del verano.A nadie escapa el tirón popular y mediáticode Antonio López. Las colas en el Thyssenestán aseguradas del 28 de junio al 25 deseptiembre. La muestra, comisariada porGuillermo Solana, director del Thyssen, y MaríaLópez, hija del artista, supondrá el reencuentrodel maestro con el público en Madrid despuésde 18 años. En 1993 el Reina Sofía le dedicó unacompleta antológica. Ahora, el Thyssen reúne 130obras (pinturas, dibujos y esculturas). Aunque nofaltarán piezas de sus comienzos, ni algunas de susobras maestras, el acento se ha puesto en su trabajomás reciente. Nuestra cita con el artista es en suestudio. A sus 75 años está en plena forma, con milproyectos. Nos recibe en traje de faena, embutido en
un delantal con una obra de Patinir manchado de pintura. A los artistas, los periodistas, como las musas, los deben sorprender trabajando.
— ¿Por qué ha tardado tanto en reencontrarse con el público madrileño?
— Soy un pintor de muy pocas exposiciones. Produzco poco y no se puede dar el tostón a la gente pidiéndole obras de acá para allá. Lo principal se cumplió: que yo lo pinté y lo vendí.
— En esta ocasión se va a incidir en su obra más reciente...
— Sí, la obra última es casi el motivo de esta exposición. Y es lo que está creando problemas. Yo calculo muy mal el tiempo. Cuando me habló Guillermo (Solana) del proyecto, fijamos la fecha, me pareció que quedaba tiempo suficiente para acabar parte de las cosas que tenía en marcha, y va a ser que no. Hay dos opciones: mostrarlas inacabadas o no llevarlas. Ya veremos...
— La muestra comienza con unas cabezas griegas que está haciendo en la Facultad de Bellas Artes. Está más clásico que nunca...
— Amo el mundo antiguo de forma muy profunda, como Giacometti, como Bacon. Es casi inevitable: han ocurrido cosas maravillosas. Yo deseaba hacer copias de esas cabezas de Olimpia, como Rubens hizo copias de Tiziano, por el deseo de hacerlas. Hice dos hace diez años y estoy acabando otras dos. Parte de la belleza que tienen está en la copia.
— ¿Por qué volver al mundo antiguo?
— Un profesor me dijo que debía ir a copiar al Prado, cuando yo estudiaba Bellas Artes. No lo creí útil. Pero ha sido maravilloso hacer estas copias. Es una forma de penetrar en algo que admiras y trabajar sin la intención de crear nada.
— Había una cabeza clásica en casa de sus padres, que pintó en un cuadro.
— Sí. Pero mi conocimiento del mundo antiguo fue en el Museo de Reproducciones. Ahí descubrí la escultura. El amor a la escultura tan profundo que tengo fue un flechazo que surgió allí.
— ¿Es esta exposición una reivindicación del Antonio López escultor?
— En el primer año de Bellas Artes había una asignatura obligatoria: modelaje. Cuando toqué el barro y empecé a modelar me entusiasmó. Todo el curso dudé si hacer pintura o escultura. Me decanté por la pintura, pero nunca he abandonado la escultura. Me apasiona.
— Y, últimamente, escultura pública.
— El espacio público es un territorio que había perdido la escultura en el arte moderno. Tuve la suerte de compartir una escultura de los Reyes con Julio y Paco López Hernández. He hecho también la «Mujer de Coslada» y las cabezas de Atocha. Lo estoy viviendo con emoción.
— ¿Le gusta el nuevo emplazamiento de las cabezas de Atocha?
— Me gustaba el primero por el contacto con los trenes, esa relación con el viaje, aunque estuvieran acogotadas por el techo tan bajo. Pero también me gusta el actual. Están ya en la ciudad.
— Una estación muy especial para usted, que plasma en un lienzo. Fue lo primero que vio al llegar a Madrid.
— Tiene un valor sentimental especial.
— Esta exposición es una suerte de autobiografía, de diario sentimental. Veremos retratos de sus abuelos, de sus padres, de su tío Antonio...
— Fue una persona provindencial. Ese ejemplo y apoyo todavía dura, no se ha agotado. Está muerto desde hace años pero sigue siendo algo muy valioso.
— ¿Conserva esa «Venus de Milo» que dibujó su tío y que tenía colgada con chinchetas en la pensión de Madrid?
— No, está en el Museo López Torres de Tomelloso. La dibujó con 25 años en la Escuela de Bellas Artes. Lo sigo viendo muy especial: es como un día de primavera. No puede haber nada más hermoso que este dibujo.
— Hay un autorretrato en el que se pinta con su esposa. Es del 61 y estuvo oculto muchos años. Ahora ve la luz. ¿Nos cuenta la historia?
— No sé si lo vamos a colgar en la muestra. He encargado el bastidor esta mañana. Ninguna de las dos figuras está acabada. Mari más que yo. Comencé con la figura de Mari y después me incorporé yo con el esquema de los retratos de mis abuelos y mis padres. La figura de Mari me iba saliendo, pero la mía, entre el espejo, y varias cosas, me hice un lío, me cambié de posición dos o tres veces. Me cansé tanto, encontré tanta dificultad en la ejecución y estaba tan frustrado que le dije a Mari que pintara encima e hizo un paisaje, que tampoco le salió bien. Y ha estado así mucho tiempo.
— Se le resistió ese cuadro...
— Ese trozo de madera... se resiste. Y un día hablando con Mari le dije: «Voy a ir saltando la pintura a ver qué hay debajo». Y así han aparecido las dos figuras nuestras al cabo de 50 años.
— Creo que ha esbozado un nuevo autorretrato junto a Mari. ¿Es por la necesidad de acabar algo nunca acabó?
— Mari sigue teniendo para mí un significado enorme (se emociona al hablar de su esposa). Y, a pesar de los años, del deterioro físico, su alma sigue estando ahí. Cuando haces un seguimiento de una persona a lo largo del tiempo quieres continuarlo, representar qué ha pasado con ese rostro, con la mirada... Velázquez lo pudo hacer con Felipe IV.
— Quién le iba a decir que María, esa niña que nos mira fijamente en un maravilloso dibujo que estará en la muestra, acabaría siendo comisaria de una exposición suya...
— No lo quiero pensar mucho... María dejó su trabajo por echarnos una mano a todos en casa.
— Ese retrato, ¿le salió de un tirón?
— El dibujo no está muy acabado —sí la cabeza—, pero está hecho de un tirón. Las cabezas de los nietos también. Va a haber muchas en la muestra de mis cuatro nietos y también de algún niño más.
— Me cuentan que siente una fascinación muy especial por los niños.
— Cuando voy en el Metro y aparece una señora con un cochecito con un niño, al verlo, la vida se ilumina. Tienen un encanto irresistible.
— También aparecerán por esa autobiografía sentimental amigos. Algunos ya no están: Lucio, Amalia... Formaban una gran pandilla.
— Son amigos y personas a las que admiro. Siempre quise retratar a personas a las que admiraba, como Palazuelo, Tàpies, Delibes, Ferlosio...
— Y llegamos a Madrid. Guillermo Solana ha querido que sea uno de los puntos fuertes de la exposición.
— Estará muy presente.
— Está previsto que se exhiban las siete vistas de la Gran Vía, aún sin terminar, que conforman una sola jornada.
— Sí, el vuelo de la Gran Vía... El célebre cuadro de la Gran Vía, que pinté en la calle, entre los coches, lo viví con muchísima emoción, pero también con incomodidad. Me obligaba a madrugar mucho. Lo llevaba fatal. A veces llegaba allí y me volvía a casa. Era incapaz de ponerme a pintar. No podía superar la dificultad de coger el caballete, poner el cuadro en la isleta, coger la paleta y ponerme a trabajar entre los demás. Me costaba muchísimo.
— Pocos pintores tienen una obra con la que se les idetifique tanto. ¿Eso le agrada o le molesta?
— No son cosas que busque. En la duda, me llevé a mi amigo Enrique Gran un domingo al amanecer y me dijo: «Debes pintarlo. Esto es real como una enfermedad». Me hizo ver la trascendencia que tenía la escena. Decidí hacerlo. El contacto con la Gran Vía fue a lo grande, desde un espacio majestuoso. Después quise hacer una nueva Gran Vía, pero ya no en la calle. Pedí permiso en el hotel Capitol. Fui un par de veranos. Empecé otra desde una terraza. Y surgió la necesidad o el deseo de hacer un recorrido por la Gran Vía un día del año: desde que amanece, al comienzo, en el edificio Zurich, hasta la Plaza de España al atardecer. Elegí siete puntos. Es un vuelo. Una criatura va desplazándose a lo largo del día. Es el 1 de agosto.
— Con la fresca...
— (Se ríe). El calor y la soledad de agosto en Madrid crean algo espectral en la ciudad que me interesa.
— ¿Estarán en la muestra las siete escenas de la Gran Vía?
— Me está ayundando un pintor amigo a ver si es posible mostrarlas. En pintura no todo tiene que estar acabado. Uno de los inmensos atractivos de Velázquez es su relación de libertad con la pintura, como no la tuvo nadie. Y hay pinturas maravillosas de Velázquez inacabadas. La relación con la pintura tiene que llegar hasta donde llega de forma natural. Es como la relación amorosa. Debe cortarse cuando se acaba el interés. Días antes de la muestra veré. Quiero llevarlas.
— Y nosotros verlas... Dice su hija María que usted es anárquico y caótico, cuando todo el mundo piensa lo contrario: que es perfeccionista, metódico, minucioso hasta la saciedad, que retoca una y otra vez...— No soy caótico ni anárquico. Es maravilloso el sentimiento de libertad que tienes en todo el trabajo del cuadro.
— ¿Es un insatisfecho permanente?
— Yo estoy encantado (se ríe). Me llevo muy bien con el trabajo últimamente, ha sido un premio para mí.
— Como buen manchego, tendrá un membrillero en casa...
— Tengo el de la película y uno más.
— ¿Y los sigue pintando?
— Cada otoño, cuando los veo en el árbol, siento la tentación de empezar un cuadro, pero voy tan cargado de cosas... Estar junto a una criatura viva, callada, me causa placer, me enriquece.
— Hay una historia muy hermosa de una serie con flores que me gustaría que recordase...
— El primer año surgió de forma espontánea. Le regalaron un ramo de flores blancas a Mari los organizadores de un taller de pintura en Ávila al que voy. Cuando las vi en el hotel por la noche me parecieron preciosas, las coloqué en agua y las trajimos a Madrid. Pensé en lo bonito que sería dejar un recuerdo de esas flores. Las pinté en dos días. Y así ha ocurrido ya desde 2007. Este año Mari también tendrá sus flores blancas y yo iniciaré un nuevo cuadro. Acepto lo que salga. El trato conmigo mismo es ese.
— La figura humana había estado en un segundo plano hasta ahora.
— Sí. La escultura ha tirado de todo eso y ha pasado a la pintura. Ahora deseo hacer la figura humana sobre todas las cosas. Fuera interiores. Mi estado actual es la figura humana vestida, desnuda, amándose... ¡Ha quedado tan huérfana en mi pintura! Quiero recuperarla.
— No estará en la muestra el retrato de la Familia Real.
— No lo he podido retomar a causa de la exposición. Y quería emplearme a fondo. Hace un año o así, decidí traerlo a casa desde Patrimonio Nacional para trabajar en él. No he querido que el encargo pesara y le quitara frescura y calor a la realización de este cuadro. Lo empecé, lo abandoné... No con irresponsabilidad, sino con libertad. Quiero seguir trabajando en él con libertad, si me dejan y puedo.
— ¿En qué estado está el cuadro?
— Patrimonio dice que ya lo podría entregar. Pero noto que hay cosas que no están resueltas en ese cuadro: el Príncipe está excesivamente separado de la Reina. Quisiera llevarlo hasta el límite de lo que creo que puedo hacer. El Rey me decía al principio que los pintara como una familia española más, pero sabes que no es así. No quiero que sea un cuadro demasiado diferente. Velázquez lo hizo muy bien en sus retratos. Se nota que es el Rey pero no lo pinta diferente de como pinta otras cosas. Tras la exposición lo retomaré tranquilo. Quiero sentir el placer de volver al cuadro.
Paseamos con Antonio López por su estudio. Nos enseña una foto suya a los cinco meses, cuya postura está copiando para una escultura. También, la cabeza que está haciendo del nieto de Lucio Muñoz, una escultura de un hombre que ríe y el dibujo para una escultura de un hombre que camina con armadura para Albacete. «Es el primer trabajo que me encargan en mi tierra». Nos muestra con orgullo una pintura de su tío y nos propone un acertijo. «¿Sabéis que es esto?», nos pregunta mostrándonos un trozo de papel. Nos rendimos. «Es el anca más maravillosa de la Historia del Arte». Son las nalgas de «La Venus del Espejo», de Velázquez. Lo arrancó de una valla. Una vez más, Velázquez, siempre Velázquez.
La Fundación Sophia expondrá más de 120 obras de sus alumnos a partir de este lunes
Foto: EP/HERMESCOMUNICACION
PALMA DE MALLORCA, 12 Jun. (EUROPA PRESS) -
La Fundación Sophia acogerá, a partir de este lunes 13 de junio, la muestra de fin de curso de la Academia de Bellas Artes Renacimiento en la que se expondrán más de 120 obras de dibujo, pintura y fotografía que han sido realizadas por los propios alumnos.
La exposición, en la que participan todos los estudiantes que han cursado el nivel de adultos de este centro formativo artístico, se podrá contemplar en la sede de la Fundación -C/Jaime Ferrer, 3- hasta el día 23 de junio, entre los lunes y jueves de 18.00 a 22.00 horas.
Las obras han sido elaboradas aplicando las técnicas artísticas aprendidas, dando rienda suelta a la imaginación, plasmando en óleo, acrílico o acuarela diversas estampas del paisaje mallorquín o gracias a las salidas que han realizado, ha informado la Fundación Sophia en un comunicado.
Cada año los alumnos de Renacimiento preparan una muestra de sus primeros pasos en las distintas disciplinas que enseña este centro educativo, fruto del trabajo de este curso escolar en el que han depositado toda su dedicación y esfuerzo. La vivencia del arte, según afirma la directora de la Academia de Bellas Artes Renacimiento, Mónica Gutiérrez, ha generado un buen ambiente entre todos los estudiantes, "lo que se refleja en la expresión plasmada a través de la fotografía o de la pintura".
Uno de los objetivos de la academia es realizar exposiciones con el fin de incentivar y avalar la trayectoria artística de sus alumnos, realizando las muestras siempre en instituciones culturales, por lo que los estudiantes recibirán un diploma de participación. "Acudimos a espacios tales como la Fundación Sophia, que puedan dar un reconocimiento a esta trayectoria a través de su programa de mecenazgo para la promoción artística", indica Gutiérrez.
Además, la Academia Renacimiento ha habilitado en Facebook un álbum de las obras expuestas para que éstas puedan ser votadas. La obra que tenga más 'me gusta' hará a su autor gane una beca de la academia.
El centro estrenará el día 14 un montaje sobre el tránsito a la modernidad de la pintura europea durante la primera mitad del siglo XX.
La vanguardia entra en el Thyssen exposición temporal
04.06.11 -01:32-
ANTONIO JAVIER LÓPEZ ajlopez@diariosur.es | MÁLAGA.
Si el Museo Carmen Thyssen Málaga fuera un campo de fútbol, Verónica Castillo sería Xavi. O Xabi Alonso, depende de las filias y las fobias de cada cual. La jefa de Registro ocupa el espacio, sale al corte, ordena y manda con la tranquilidad aparente de quien disfruta con su trabajo. Hace que lo difícil parezca fácil. «¡Dejamos la 52 para luego, vamos a por la 43!», indica. Los números se corresponden con cajas de embalaje. De su interior sale un 'anglada', un 'braque', algún 'miró'... «¡El 'matisse' lo colocamos al fondo de la sala!», arregla sin perder una concentración que parece relajarle.
Es el segundo partido de este tipo que Castillo juega en apenas tres meses. El primero fue mucho peor. O más complejo. Se refería al centenar largo de obras que componen la colección permanente del Thyssen. Ahora, la jefa de Registro coordina el desembalaje de las 60 piezas incluidas en la primera exposición temporal organizada por el centro malagueño.
Así, 'La tradición moderna en la Colección Carmen Thyssen. Monet, Picasso, Matisse, Miró' pondrá en uso la tercera planta del palacio de Villalón con un montaje que representa la continuación natural -desde el punto de vista cronológico- de los fondos centrales del museo malagueño, basados en la pintura del XIX.
Ahora, la vanguardia entra en el Thyssen de la mano de algunos de los autores más notables de la pintura española y europea de la primera mitad del siglo XX. Y un poco más allá, porque la exhibición alcanza el año 1960 en las dataciones de las obras.
Desde el MNAC
Piezas que ayer terminaban de salir de sus respectivas cajas. Catorce de ellas han salido del Museo Nacional de Arte de Cataluña (MNAC), donde han permanecido en depósito, como explicaba el conservador del Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid Juan Alberto Soler, que también estuvo en la recepción de los fondos del Museo Carmen Thyssen.
Sigue el baile de operarios, cajas rodantes y focos cegadores. Uno de los técnicos se dirige a Verónica Castillo. Algo no cuadra en uno de los marcos. La jefa de Registro se acerca, toma una brocha y, con lentitud milimétrica, retira un leve, levísimo, resto de algo parecido al polvo. Arreglado.
Sobre un tablero reposa 'La casa entre las flores' (1925) de Monet. En el espacio contiguo, obras de Lam, Torres García, Miró... al lado Delaunay, Braque, Gris... también Cossío, Palencia o Bores... y a la vuelta de la esquina, dos 'sauras', un 'feito' y Vasarely... La nómina impresiona. Los grandes en el terreno de juego del Thyssen malagueño. Y en medio de todo Verónica Castillo pone orden, calma y sentido. Como Xavi en una final.
LA EXPOSICIÓN
Título. 'La tradición moderna en la Colección Carmen Thyssen. Monet, Picasso, Matisse, Miró'.
Fechas Del 14 de junio al 16 de octubre.
Horario De martes a jueves, de 10.00 a 20.00 horas. Viernes y sábados, de 10.00 a 21.00 horas. Domingos, de 10.00 a 20.00 horas.
EL DATO
60
obras datadas entre 1890 y 1960 componen el catálogo de la primera exposición temporal que ocupará la tercera planta del palacio de Villalón.
Uno de los especialistas supervisaba ayer en el Thyssen el estado de los cuadros. :: ÁLVARO CABRERA
Pinturas que juegan con el lenguaje visual de la medicina
Tania Blanco retrata a un ojo en una de sus pinturas acrílicas
La artista valenciana Tania Blanco aplica a sus obras el lenguaje visual de laboratorios y clínicas.
Explora la imagen común, entre artificial y redentora, de la ciencia.
"La medicina representa resguardo, sosiego y protección. Por otro lado también significa inquietud, temor e incertidumbre".
HELENA CELDRÁN. 13.06.2011 - 08.14h
"El entorno médico, quirúrgico, químico y tecnológico se ha incorporado en nuestras sociedades. Convivimos con ello cada vez con más naturalidad y aceptación".
Entre los motivos, escenas de laboratorio que rozan el surrealismo: el diagrama científico de un ojo que por dentro es mecánico, deformados maniquíes de acupuntura, el perfil de una chica que muestra en su cabeza un riñón...
En el universo inmaculado y preciso de Tania Blanco(Valencia, 1978) los protagonistas son las inyecciones, los alvéolos, las muestras, las batas blancas y las visiones microscópicas de los laboratorios y los hospitales.
Los tonos médicos de sus pintura acrílicas oscilan entre el azul y el blanco, salpicados por los tonos de microorganismos y tejidos de colores. Los trucos estéticos y la técnica sin duda le deben algo a la abstracción de Kandinsky, a la maquinaria humana de Chirico o al brillo de Dalí.
El último proyecto de esta artista española residente en París esSleep-Drunk Vademecum (Vademécum dormido-ebrio). "Es uncatálogo visual que resulta de la 'ebriedad emocional' que produce la falta de sueño. Busco recrear instantes de eseestado febril o de desconciertopara llevar a la reflexión".
La visión artificial y redentora de la ciencia
Se vende como un avance milagroso, es un oráculo, un factor decisivo para que un ser humano viva o muera. Blanco también ahonda en este aspecto sobre la visión artificial y redentora de la ciencia, que nos afecta al relacionarnos con nuestro cuerpo.
Acaba de mostrar su trabajo en la galería sevillana Alarcón Criado y en noviembre expondrá en Le Centquatre, un centro de arte contemporáneo de París. La artista habla con 20minutos.essobre la atmósfera clínica de su obra, un modo de jugar con el lenguaje visual de la medicina.
La atmósfera clínica sugiere protección, pero también temor¿Qué esSleep-Drunk Vademecum?Un proyecto entre lo pictórico y la instalación, una serie de pinturas de formato redondo que crece orgánicamente. El título evoca un catálogo visual que resulta de la 'ebriedad emocional' que produce la falta de sueño. Busco recrear instantes de ese estado de desconcierto o febrilidad paraprovocar reflexiones.
Instrumental médico, modelos de anatomía, células, laboratorios... ¿Cómo ve Tania Blanco al ser humano?
Vive condicionado por la cultura en la que habita, yo sólo reflejo cosas que ya forman parte de nuestra cotidianeidad. También se flitran experencias personales que pueden ser extrapolables a mucha gente.
¿Qué le sugiere la atmósfera clínica?Puede representar resguardo, sosiego y protección, y por otro lado inquietud, temor e incertidumbre. Así que resulta una sensación muy contradictoria, con oscuridades en su significado. Paradójicamente, en lo visual se caracteriza por la claridad, la precisión y la nitidez.¿Qué comunican las imágenes deSleep-Drunk Vademecum?El entorno médico, quirúrgico, químico y tecnológico se ha incorporado en nuestras sociedades y convivimos con ello cada vez con más naturalidad y aceptación. Por eso surge y evoluciona una conciencia que reflexiona y se enfrenta a ese universo artificial, en apariencia redentor, que incide sobre nuestra manera de percibir el cuerpo, en su dimensión física y psicológica.
Se trata de una lámina expuesta solo una vez al público y que data de finales de 1504
Subastan un «excepcional» dibujo de Miguel Ángel
EFE. Imagen del dibujo de Miguel Ángel que saldrá a subasta
EFE / LONDRES
La casa Christie's ofrecerá al mejor postor un excepcional dibujo raramente contemplado del pintor y escultor renacentista Miguel Ángel Burnarroti (1475-1564) en una subasta que se celebrará el próximo 5 de julio en Londres sobre "Viejos Maestros y Pinturas británicas".
Creado en un momento clave en la carrera del prolífico artista, este estudio preparatorio es una de las 24 láminas relacionadas con el prestigioso encargo de realizar el fresco "La Batalla de Cascina" y la última que permanece en manos privadas. El citado encargo, inconcluso, obligó a Miguel Ángel a competir de forma directa con su gran rival Leonardo da Vinci, a quien se encargó pintar "La Batalla de Cascina" en la pared de enfrente de la recién construida Sala del Gran Consiglio en el Palazzo della Signoria, en Florencia.
La lámina en cuestión, que muestra un torso masculino, se ha expuesto al público tan sólo una vez antes de la exposición sobre dibujos del artista celebrada en la Albertina, Viena, el pasado año. La citada casa de subastas estima que ese estudio preparatorio se venda por una cantidad entre 3,4 y 5,7 millones de euros.
Puntos álgidos del Renacimiento
El director y responsable internacional de la mencionada puja en Christie's, Benjamin Peronnet, indicó que ese trabajo "guarda relación con uno de los puntos álgidos del Renacimiento: los encargos para la Sala del Gran Consejo en Florencia". Peronnet agregó que la obra "ofrece un vínculo excepcionalmente raro y directo con una de las mayores obras maestras de Occidente que jamás han existido, y nos ofrece adentrarnos en la mente de un genio en lo más alto de sus capacidades, cuando plasmaba libremente sus pensamientos sobre el papel".
"Nos ilusiona mucho ofrecer este trabajo en una subasta por primera vez, y poder mostrar un dibujo raramente visto de Miguel Ángel al público en Hong Kong, Nueva York y Londres", apuntó este responsable en un comunicado emitido en la capital británica. La lámina, uno de esos estudios preparatorios para "La Batalla de Cascina", data probablemente de finales del año 1504, poco después de que el artista hubiera comenzado a centrarse en sus trabajos para llevar a cabo dicho encargo. Del otoño de 1504 hasta primeros de marzo de 1505, Miguel Ángel trabajó en ese fresco aunque los estudios para el fresco quedaron pronto divididos y perdidos.
La muestra temporal de obras de nuestra pinacoteca, la más vista en toda la historia del museo ruso
«El Prado en el Ermitage» bate marcas en San Petersburgo
AP. Una imagen de la muestra
La exposición «El Prado en el Hermitage» ha sido, con 630.000 visitantes, la muestra temporal más vista en la historia de ese museo ruso, según informó hoy la pinacoteca española en un comunicado. La muestra, que se clausuró el pasado domingo tras permanecer tres meses abierta, es la más importante de pintura que nunca ha salido del museo español.
Más de sesenta obras maestras firmadas por Velázquez, Tiziano, Mengs, Goya, El Greco, Rubens, Rafael o Zurbarán y pertenecientes al Museo del Prado viajaron a San Petersburgo para ser admiradas en el Hermitage.
Una muestra organizada en el marco del Año Dual España-Rusia 2011 y como parte del acuerdo de colaboración firmado entre el Hermitage y el Prado que incluye además la apertura el próximo 8 de noviembre en Madrid de la exposición «El Hermitage en el Prado».
Una exposición que ocupará todas las salas de exposiciones temporales de la ampliación del Prado y que, durante cuatro meses, mostrará obras procedentes del Hermitage desde el siglo V a.C. hasta el siglo XX, con piezas de arqueología, artes decorativas, pintura, escultura y dibujo
PHotoEspaña '11, el festival del millón de rostros
Una de las obras que pueden verse en 'Face Contact', en el Teatro Fernán Gómez de Madrid
En 70 exposiciones con casi 400 creadores, repasa dos milenios de retratos
El certamen se abre en su 14 edición a todo tipo de lenguajes plásticos en el entorno de la foto
El retrato es el desafío temático y la espina dorsal de PHotoEspaña 2011, la gran cita internacional de la fotografía en España que arranca oficialmente este miércoles. La reina Sofía inaugura la décima cuarta edición de un certamen que se ha ganado a pulso su puesto de privilegio en calendario internacional. Esta edición propone un repaso de dos milenios de un género primordial como el retrato, lo que convierte a PHE '11 en el festival del millón de rostros. Es un extenso e intenso paseo por la representación del yo y el otro y en todas sus formulaciones que va desde las tablillas romano-egipcias de El Fayum a vídeo-retratos digitales de alta definición sin desdeñar ninguna posibilidad expresiva. Unas propuestas heterogéneas en la que maestros consagrados y creadores emergentes comparten espacio.
En total son casi setenta exposiciones con 370 creadores de 55 nacionalidades y más de 60 actividades las que conforman el programa de PHotoEspaña, que se extenderá hasta el 24 de julio bajo el título 'Interfaces. Retrato y comunicación'. Un festival que estrena comisario general en la persona de Gerardo Mosquera, responsable de un programa heteróclito en el que la fotografía contrasta su capacidad creadora y comunicativa con el vídeo, la pintura y otros lenguajes. Y es que esta edición de PHE es quizá las más abierta de su historia y con mayor presencia de disciplinas "que tienen la fotografía como base de la imagen". Así lo resume Mosquera que estará tres años frente de un certamen que apuesta por abordar la fotografía "más como base de la imagen contemporánea" que como un género autónomo.
Es también una cita decididamente internacional con especial atención a un continente como Asia hacia el que se ha desplazado en los últimos años el foco de la creación mundial. También se fija en el este de Europa, otra de las regiones con más potencial creativo en los últimos años. Junto a Madrid, son también sedes de PHE '11 las ciudades de Lisboa, Cuenca y Alcalá de Henares.
Del Egipto romano a Paparazzo
En el extenso y variado programa cabe de todo, desde la 'protofotografía' de los 'pasaportes hacia el mas allá' de El Fayum, tablillas para momias pintadas hace 2.000 años en el Egipto romanizado, a la revisión del fenómeno 'paparazzi', pasando por la evolución de la fotografía de estudio entre el siglo XIX y la mitad del XX, la emergencia de documentalismo social, el papel de los aficionados, el tratamiento de la foto en las web y el uso de la webcam, la fotoperformance o la fotografía de calidad escultórica.
El emblema de esta edición dedicada al retrato es la gran muestra colectiva 'Face Contact' que acoge el Teatro Fernán Gómez (Plaza de Colón). Comisariada por el propio Gerardo Mosquera, recoge el trabajo de 31 artistas de intereses, formación e intenciones más que variadas cuya labor tiene al retrato como elemento de identificación y comunicación. La muestra cubre un extenso periodo, de finales de los años sesenta a la actualidad, lo que da cabida a la fotografía más clásica junto a la más rompedora. Hay trabajos en red junto a los de Hans-Peter Feldmann, Shilpa Gupta, Mona Hatoum o Cristina Lucas.
Los temas y registros indagan en toda las posibilidades, desde una investigación sociológica sobre la inmigración latina en Estados Unidos y las chillonas puestas de largo de las adolescentes mexicanas a la galería de 'pornorretratos en los que se muestran rostros, solo rostros, de hombre y mujeres en pleno éxtasis sexual.
Hou Hanru es el comisario de la otra gran muestra colectiva de PHE '11, 'El poder de la duda', que acoge el Museo Colecciones ICO (Zorrilla, 3). Reúne a un colectivo de artistas de áreas emergentes que agotan las posibilidades expresivas de la foto aliada con todo tipo de lenguajes del dibujo al vídeo, pasado por la escultura o le manifiesto. Su denominador común es el afán por cuestionar los "modelos únicos" y plantear alternativas.
Caras
Otro de los platos fuertes del programa es la triple muestras '1.000 caras / 0 caras/ 1 rostro' que reúne en las salas de la Comunidad de Madrid (Alcalá, 31) la serie 'Los mil rostros' de Cindy Sherman (EE UU, 1954), otra serie de retratos monumentales de Thomas Ruff (Alemania, 1958) y descubre a un pionero de la fotografía y sus juego especulares, el mexicano Frank Moreno Collado. Con producción de la Fundación Telefónica, reúne más de un centenar de imágenes que cuestionan los fundamentos de la identidad, la representación y la comunicación en nuestra sociedad contemporánea.
La serie más extensa es la de Cindy Sherman, que forma parte de su exhaustiva investigación sobre las identidades y los poderes de representación que comenzó a mediados de los setena del siglo pasado. Desde entonces, esta fotógrafa se ha convertido en su único modelo, adoptando mediante disfraces, escenificaciones y maquillajes toda suerte de identidades prestadas que constituyen un panoplia de la realidad sociológica estadounidense.
Era obvia la presencia en el PHE '11 del retrato de esta fotógrafa de las mil caras, que lleva décadas apropiándose de rostros y apariencias ajenas. Su intención no es hurtar identidades, sino describir por imitación estereotipos y patrones, lo que concede a su trabajo una vena humorística y una ambigüedad que invita a discernir la falsead o la autenticidad de la propuesta.
En sus 'Retratos' de gran formato Thomas Ruff despersonaliza al máximo a los sujetos para igualarlos en apariencia. A fuerza de repetir pose, encuadre e iluminación, sus retratados parecen un único modelo, una propuesta que contrasta radicalmente con al ambiciones de Sherman.
Junto a estos grandes del género, se incluyen las minúsculas fotos del mexicano Frank Montero Collado, seminarista católico, pionero también del protestantismo, misionero metodista, cantante de ópera, periodista y divulgador del espiritismo y que se fotografió entre 1855 y 1925, legándonos 23 diminutos autorretratos que han llegado a nosotros de milagro. Sus fotos, adquiridas en el saldo en un mercadillo, relatan una sucinta autobiografía de alguien que, como Sherman un siglo más tarde, se retrató a sí mismo disfrazado y en las situaciones más divertidas.
El Círculo de Bellas Artes (Alcalá, 42) y la tienda Loewe (Gran Via, 8) acogerán la muestra 'Ron Galella. Paparazzo Extraordinaire', antológica con más de cien imágenes del "paparazzo" más famoso y controvertido del siglo XX. Exhibe las fotos que Ron Galella (Nueva York, 1931) publicó en Harper's Bazaar, Vogue, Vanity Fair, People, Rolling Stones, The New Yorker.
Galella es un profesional incansable que se dedicó durante tres décadas a fotografíar a los famosos en momentos de su vida privada, jugándose el tipo y pagando con su integridad su atrevimiento, como le ocurrió con Marlon Brando.
Llega a España una de las cuatro mujeres de Da Vinci
Efe
Efe | Madrid
Actualizado lunes 30/05/201119:42 horas
La pintura 'La Dama del Armiño' de Leonardo da Vinci ha viajdo hasta el Palacio Real para participar en la exposición 'Polonia, Tesoros y Colecciones Artísticas', organizada por Patrimonio Nacional, que se podrá visitar a partir del 3 de junio.
Esta obra es uno de los cuatro retratos de mujeres que realizó el artista italiano y es propiedad de la Princes Czartoryski Foundation de Cracovia (Polonia).
El óleo sobre tabla pintado en torno a 1490 representa a Cecilia Gallerani, una bella joven de 17 años amante de Ludovico Sforza 'El Moro', a quien Leonardo pintó con peinado y vestimenta "alla spagnola".
Cecilia porta en sus brazos un pequeño armiño, emblema que encierra una alusión a Ludovico El Moro, conocido con el sobrenombre de "ermellino" por haber recibido en 1488 la Orden del Armiño que le concedió Don Fernando I de Aragón, Rey de Nápoles.
La exposición, que podrá contemplarse en el Palacio Real de Madrid, incluye más de 190 obras entre pintura, escultura, mobiliario, tapices, artes decorativas y suntuarias, monedas y medallas, libros y documentos. Entre ellas se encuentran óleos de Lucas Cranach y Rembrandt, tapices de Bruselas o armaduras de Alemania e Italia.
La pintura 'La Dama del Armiño' de Leonardo da Vinci ha viajdo hasta el Palacio Real para participar en la exposición 'Polonia, Tesoros y Colecciones Artísticas', organizada por Patrimonio Nacional, que se podrá visitar a partir del 3 de junio.
Esta obra es uno de los cuatro retratos de mujeres que realizó el artista italiano y es propiedad de la Princes Czartoryski Foundation de Cracovia (Polonia).
El óleo sobre tabla pintado en torno a 1490 representa a Cecilia Gallerani, una bella joven de 17 años amante de Ludovico Sforza 'El Moro', a quien Leonardo pintó con peinado y vestimenta "alla spagnola".
Cecilia porta en sus brazos un pequeño armiño, emblema que encierra una alusión a Ludovico El Moro, conocido con el sobrenombre de "ermellino" por haber recibido en 1488 la Orden del Armiño que le concedió Don Fernando I de Aragón, Rey de Nápoles.
La exposición, que podrá contemplarse en el Palacio Real de Madrid, incluye más de 190 obras entre pintura, escultura, mobiliario, tapices, artes decorativas y suntuarias, monedas y medallas, libros y documentos. Entre ellas se encuentran óleos de Lucas Cranach y Rembrandt, tapices de Bruselas o armaduras de Alemania e Italia.
"SWAB demuestra que con 200 euros se puede comprar arte interesante"
Joaquín Díez-Cascón
Vis MOLINA | Publicado el 26/05/2011
Hablamos con el presidente e impulsor de SWAB, la Feria de Arte Contemporáneo de Barcelona, que hoy inaugura su cuarta edición.
Se confiesa envenenado por el coleccionismo desde que, siendo todavía un niño, visitaba el barcelonés Mercado de Los Encantes con algún dinerillo que había logrado reunir. La cosa no daba para mucho, a lo sumo podía comprar el catálogo de algún artista de renombre, pero eso fue suficiente para que germinara en su interior la que ha sido y es la afición de su vida, su gran pasión. Luego probó suerte con la pintura, que "abandoné porque era malísimo”, y más tarde con el dibujo, "que no se me da tan mal”, hasta el punto de valorar la posibilidad de matricularse en Bellas Artes al acabar su estudios en el colegio. Pero finalmente fue Arquitectura la carrera elegida y el arte se quedó como un inseparable compañero de vida. A él y a su difusión se está dedicando con fiereza desde que decidió, en 2007, impulsar la feria SWAB.
PREGUNTA.- ¿De dónde sale este nombre tan curioso?
RESPUESTA.- "Swap" es intercambio en inglés, un concepto que representa muy bien la intención de este encuentro entre galeristas, comisarios y coleccionistas para establecer un diálogo en el marco del arte contemporáneo. Nosotros cambiamos la P final por la B de Barcelona, para identificar el evento con la ciudad.
P.- ¿Y cómo se gestó esta iniciativa?
R.- Mi afición por el coleccionismo me ha hecho viajar mucho, visitando ferias y galerías por distintos lugares del mundo. Muy a menudo en el extranjero me comentaban lo chocante que les parecía el hecho de que Barcelona no tuviera una feria de Arte Contemporáneo. Con el tiempo yo me incliné hacia el coleccionismo de arte emergente y eso me hizo ser consciente de la carencia de mi ciudad en este sentido, ya que en mis viajes descubría artistas a los que era imposible acceder desde aquí.
P.- De modo que se puso manos a la obra...
R.- Sí, en 2006 decidí, con el apoyo de los galeristas Leo Koenig de Nueva York, Fred Mann de Londres y Marta Moriarty de Madrid, intentar organizar una feria en Barcelona, y empezamos a contactar con galeristas extranjeros y nacionales para sondear su interés en participar en este encuentro. La respuesta fue tan positiva que el proyecto arrancó y en 2007 celebramos nuestra primera edición con un formato más pequeño y familiar que el actual. Tuvo lugar en las Drassanes y participaron un total de 32 galerías nacionales y extranjeras.
P.- La cosa ha ido creciendo...
R.- Sí, poco a poco hemos ido consiguiendo ayudas del Ayuntamiento de Barcelona y de la Generalitat, y el número de galerías participantes aumenta en cada edición. Este año son ya cincuenta en total, de las cuales veinte son nacionales y treinta extranjeras, de trece países diferentes. Y ahora ya es frecuente que galerías de todo el mundo se pongan en contacto con nosotros, por su propia iniciativa, para participar en este encuentro. De los 6.000 visitantes que tuvimos en 2007 hemos pasado a los 13.000 del pasado año. Y en la edición actual hay además varias actividades complementarias como Swab Stairs, Swab Kids, Swab Chill Out o Swab Lounge.
P.- ¿Qué va a encontrarse el visitante?
R.- Obras frescas y modernas, muy bien seleccionadas, de artistas jóvenes y emergentes, a precios realmente asequibles. Aquí se muestran todas las disciplinas, desde la escultura a la pintura o el dibujo, y desde la instalación a la fotografía o el arte conceptual.
P.- ¿El objetivo es animar a iniciarse en el coleccionismo?
R.- Por supuesto. A menudo se identifica al coleccionista con una persona de cierta edad y de alto poder adquisitivo. Esta feria demuestra que con un presupuesto modesto (sólo doscientos euros, el precio de la obra más económica) pueden adquirirse piezas muy interesantes.
P.- Algún artista que le haya sorprendido gratamente y que vayamos a ver en SWAB 2011
R.- Nebojsa Despotovic, de la galería Arte Boccanera de Trento, y Aaron Johnson, de la galería Mito de Barcelona. Éste último va a dar mucho que hablar ya que el MoMA le ha comprado un par de obras para su colección.
P.- ¿Por qué debería alguien aficionarse al arte?
R.- Porque el arte y la cultura son inherentes al ser humano, son necesidades espirituales de nuestra alma que podemos satisfacer a través de algo tan gratificante como la contemplación de una escultura o una pintura.
P- ¿Qué le ha aportado a usted el coleccionismo?
R.- Conocimiento, estudio, amistad con gente muy interesante, mucha satisfacción y algún que otro disgusto. Ahora vivo esta pasión con mayor serenidad pero ha habido momentos en los que el ansia de poseer ciertas obras me ha envenenado.
P.- ¿El gusto cambia con el tiempo?
R.- Desde luego. Yo empecé por coleccionar arte catalán contemporáneo, luego fui evolucionando hacia arte nacional moderno y ahora mi ojo está puesto en los jóvenes artistas emergentes de todo el mundo. Nunca me he planteado mi colección como una forma de inversión sino como una manera de vivir, vendiendo para seguir comprando y reflejando en mis adquisiciones mi trayectoria vital. Entiendo la colección como algo muy vivo, que acompaña al coleccionista en los distintos momentos de su existencia.
P.- Y, ¿reconocer la calidad en una obra de arte es muy difícil?
R.- Es algo muy obvio cuando se ha visto y analizado mucho. La técnica ha de estar presente siempre, ha de verse el trabajo que hay detrás de cada pieza. Y eso enseguida se aprecia cuando uno está acostumbrado a mirar con interés.
Botero, protagonista de una puja de arte latinoamericano en Nueva York
Obra 'Una familia', de Fernando Botero.
Efe | Nueva York
Actualizado jueves 26/05/201102:35 horas
La obra 'Una familia', del colombiano Fernando Botero (1932), se ha vendido esta noche por 1,39 millones de dólares (unos 986.000 euros) en una subasta de arte latinoamericano que celebró la casa de subastas Sotheby's en Nueva York.
Según un experto de la casa de subastas, este lienzo que Botero pintó en 1972 es una de las obras más importantes de la venta de arte latinoamericano que se ha celebrado esta noche y en la que este artista tiene un protagonismo especial.
Este lienzo forma parte de una serie de familias que el artista inició en la década de los sesenta y que ha retomado a lo largo de su carrera, añadió el responsable de Sotheby's.
La pintura, valorada entre 1 y 1,5 millones de dólares (entre 790.000 euros y 1,06 millones de euros), plasma una escena moderna, en la que el padre aparece sentado, mientras que la madre está de pié y los niños apoyados sobre ellos.
En la misma venta, un lienzo del mexicano Rufino Tamayo (1899-1991) fue otro de los que superó el millón de dólares, ya que 'Mujer jugando con su hijo' (1946) se vendió por un precio de martillo de 1,37 millones de dólares (unos 970.000 euros), dentro de la estimación inicial, de entre 1 y 1,5 millones.
Además, la obra titulada 'Morfología del deseo (Morfología psicológica Nº 37), del chileno Roberto Matta (1911-2002) tiene nuevo dueño por 902.500 dólares (unos 640.000 euros), mientras que el paisaje de la ciudad española de Toledo, titulado 'The old Hamlet', del mexicano Diego Rivera (1886-1957) se adjudicó por 992.500 dólares (más de 703.000 euros).
También destacaron los altos precios alcanzados por otras obras de Botero, uno de los artistas latinoamericanos preferidos por los coleccionistas y un habitual de las subastas de arte latinoamericano de Nueva York.
En la puja, un comprador pagó 1,17 millones de dólares (829.000 euros) por su monumental escultura en bronce 'Hombre a Caballo' (1992), que mide dos metros y medio de alto.
La figura, tan pesada que la casa de subastas no la pudo subir a las plantas superiores de su sede en Manhattan y la tuvo que exhibir en la entrada, se vendió dentro de su precio estimado, de entre 800.000 y 1,2 millones de dólares.
La malagueña reivindica en su tesis el valor del baile como fuente de inspiración del pintor a lo largo de toda su trayectoria
La bailaora Dolores Vargas descubre nuevas lecturas de la obra del artista
Lo pintó en 1907, pero quienes lo vieron se llevaron las manos a la cabeza. 'Las señoritas de Avignon' volvieron entonces al estudio. Hasta que años después, ya en la década de los 20, Picasso lo vendió al diseñador Jacques Doucet. A su muerte, la obra pasó al Museo de Arte Moderno de Nueva York, donde hoy se conserva. Allí comenzó su despegue. Hasta el punto de que hoy se considera la precursora del arte moderno.
Pero, ¿esas señoritas son solo prostitutas de Burdeos en un burdel? La bailaora malagueña Dolores Vargas veía algo más que unas mujeres con el busto descubierto. Después de nueve años de investigación, ha llegado a la conclusión de que el genio universal se inspira en Matahari para recrear esas posturas. Como prueba, Vargas recuerda una de los relatos publicados sobre la presentación de la artista en París: «Dos mujeres abren las cortinas, otras dos aparecen semidesnudas con velo...». «Prácticamente, la crónica de aquel estreno puede ser una interpretación de la obra de Picasso. Cuando Matahari sale a escena es como una visión de las señoritas de Avignon», recuerda la investigadora malagueña, para quien «hay muchas conexiones que no son fruto de la casualidad». Por ejemplo, las máscaras que algunas de esas mujeres llevan y que Vargas ha identificado como máscaras que se utilizaban para las danzas rituales africanas. Es solo una de las diversas reinterpretaciones que la bailaora ha hecho de la obra de Picasso en su tesis doctoral. La defendía el pasado 29 de abril ante un tribunal que la calificaba con sobresaliente cum laude.
Apuntes de cuadernos
Bajo el título 'Picasso: Iconografías del baile', Dolores Vargas reivindica los orígenes malagueños del pintor y una pasión por la danza que dejó ver en su obra durante toda su vida. Desde aquellas balarinas que dibujaba en los márgenes de sus cuadernos en su juventud hasta ese 'Desnudo bailando' que realizó poco antes de su muerte, en 1972. Siempre estuvo ahí. Aunque, más que la danza en sí, lo que inspira al creador es «la energía del baile», su «sentimiento». «Picasso fue muy pasional. Necesitaba sentir todo lo que pintaba, y en sus cuadros siempre» , apunta Dolores Vargas con conocimiento de causa. Ella misma lleva casi veinte años dando clases de baile. Sabe de lo que habla. Quizás esa sensibilidad le ha ayudado a descubrir esas nuevas lecturas en la producción picassiana. Es un aliado. Pero nunca pensó que Picasso pudiera estar tan arraigado a la danza hasta que se topó en clase con el cuadro 'La danza', de 1925. A partir de ahí empezó a tirar del hilo y a descubrir conexiones, también con otros artistas y obras de todas las épocas. Porque, según Vargas, «Picasso bebe de todo, pero cuando pasa por sus manos el resultado parece una obra original».
Y ha analizado muchas obras del malagueño la ya doctora en Historia del Arte. En estos nueve años, se ha pateado desde archivos hasta museos como el Picasso de Málaga, a los de Barcelona y París, además de la Fundación-Casa Natal, donde comenzó su andadura. Entonces empezó a darse cuenta de que la relación del genio con la danza no se ceñía exclusivamente a los diseños para los ballets rusos o sus relaciones sentimentales con bailarinas.
Desde pequeño
«Es algo que le ha interesado siempre, desde pequeño», considera Dolores Vargas, que insiste en reivindicar los orígenes malagueños del artista. Como advierte, no se fue a los diez años para no volver. Incide en que regresó en su juventud y se empapó de las fiestas, del espectáculo y, por supuesto, de sus bailes. Del folclore de su tierra natal, pero también de las influencias del cancán o de la danza oriental. Con ella precisamente enlaza Vargas la influencia de bailarinas como Matahari o la propia Anita Delgado, paisana sobre la que ha encontrado indicios de que pudiera haberse encontrado con el malagueño.
Pero además encuentra Dolores Vargas numerosas coincidencias entre las obras picassianas y las de otros artistas. Entre ellas, no solo las del arte clásico, sino también las de autores tan dispares Edvard Munch ('El baile de vida'), Dominique Ingres ('El baño turco') o incluso Julio Romero de Torres.
Sin olvidar las fotografías y postales que incluso Picasso coleccionaba. Por ejemplo, la de la Bella Chelita. Aunque también otra Bella, la Otero, dejó huella en su obra. La prueba es su característico collar. Se puede ver en 'Mujer con collar'.
Y no podía faltar en la tesis un capítulo dedicado a las compañeras sentimentales de Picasso. «De una manera u otra las retrata bailando», sostiene Vargas, entendiendo aquí el baile como ese ritmo, según la historiadora, «principio específico de la danza» y «nota característica de las obras de Picasso». «Nunca pinta nada inerte, el ritmo siempre está vibrante en todas las obras, sea el tema que sea», constata Vargas, que reúne en su trabajo cerca de 700 piezas del genio malagueño, entre dibujos, óleos y cerámicas, en las que la danza es protagonista. Ahora solo le falta publicarlo. Para ella sería el mejor final a este trabajo.
Dolores Vargas observa coincidencias entre las posturas de Matahari y las de 'Las señoritas de Avignon'. :: ANTONIO SALAS
También establece comparaciones con otros artistas como Julio Romero de Torres. :: ANTONIO SALAS
Dos autorretratos del artista superan los 25 millones de dólares en una subasta en Nueva York
Andy Warhol se confirma como la estrella del mercado del arte contemporáneo
Autorretrato (de récord) de Andy Warhol
Un autorretrato de Andy Warhol (1928-1987) se ha vendido por 38,4 millones de dólares en una puja de Christie's
en Nueva York, con lo que se convirtió en el autorretrato de este
artista más caro jamás vendido en una subasta. El cuadro, elaborado en
1964 sobre fotografías con diferentes variaciones de azul y que está
considerado como el primero que realizó el padre del Pop Art,
fue la obra más cara de esta puja, en la que también destacaron otro
autorretrato de ese artista adjudicado por 27,5 millones de dólares y un
lienzo del expresionista abstracto Mark Rothko (1903-1970) que alcanzó los 33,6 millones.
La pieza que batió el récord (el autorretrato más caro del artista hasta ahora era de 32,56 millones de dólares) es «uno de los trabajos más icónicos de Warhol»,
según el responsable de arte de posguerra y contemporáneo de la casa de
subastas, Koji Inoue. En el lienzo, que se vendió por encima de lo
estimado (entre 20 y 30 millones), los tonos azules contrastan con el
cabello claro de Warhol y con las oscuras gafas de sol que luce el
artista, que aparece en cuatro poses diferentes, todas ellas con un
rostro inexpresivo.
Respecto al otro autorretrato, es uno de los últimos que hizo el icono del arte pop antes de morir,
y su comprador pagó por él 27,5 millones de dólares. Este gigantesco
lienzo, de tres metros de ancho y tres de alto, fue elaborado en rojo y
negro en 1986, y en él su autor aparece mirando de frente a su público,
de nuevo con un rostro inexpresivo.
Los otros protagonistas
Además del arte pop de Warhol, el expresionismo abstracto cobró protagonismo en la puja con un trabajo de Rothko, «Untitled No. 17»
(1961), que se adjudicó por un precio de martillo de 33,6 millones de
dólares, con lo que fue una de las obras más caras de la puja, que
alcanzó un total de 301,6 millones de dólares. «Es una pieza que estaba
por descubrir, ya que su dueño la adquirió directamente del artista en
1965 y desde entonces estaba en una colección privada», puntualizó el
experto de la casa de subastas sobre esta pintura en tonos rosados y
amarillo.
Por otro lado, el tríptico «Three Studies for Self Portrait» (1974) del británico Francis Bacon
(1912-1992), un lienzo en el que el autor se reflejó a sí mismo con un
rostro distorsionado y oscuro, se vendió por 25,2 millones de dólares.
En el apartado de escultura, destacó la enorme figura -de siete metros
de altura- «Untitled Lamp/Bear» (2005-2006), una obra del suizo Urs Fischer
(1973) que se vendió por 6,8 millones de dólares. Esta pieza, elaborada
en bronce pintado de amarillo, representa a un oso de peluche
abandonado bajo una lámpara y está basada en los recuerdos de infancia
del autor.
En la misma subasta se adjudicó, además, un boceto del artista pop estadounidense Roy Lichtenstein (1923-1997), «Drawing for Kiss V»
(1963) por 2 millones de dólares. No fue una de las obras más caras de
la puja, pero sí una de las que tienen una historia más llamativa detrás
de ella, puesto que el que había sido su propietario hasta ahora ganó
el cuadro por 10 dólares en un sorteo en 1965.
Las subastas de arte contemporáneo continúan hoy en Nueva York
con una puja organizada por Phillips de Pury, que ofrecerá «Liz número
5» (1963), un retrato de la actriz Elizabeth Taylor (1932-2011)
realizado también por Warhol y por el que esperan obtener entre 20 y 30
millones de dólares.
La pinacoteca madrileña expondrá en la Queensland Art Gallery de Brisbane, Australia, 'Retrato de España', una selección de más de 100 obras
El Prado en las Antípodas
Cristo con la cruz a cuestas MUSEO DEL PRADO | 11-05-2011 Tiziano. Óleo sobre lienzo, 67 x 77 cm.
El museo del Prado
amplía su relato al otro lado del mundo, en Australia. Por primera vez,
una selección de 80 pinturas y 22 estampas de Goya viajará a las
Antípodas en la exposición Retrato de España. Obras maestras del Prado.
"Es la colección más importante que ha entrado en Australia. Estamos en
deuda con el Prado", ha dicho esta mañana Tony Ellwood, director de la Queensland Art Gallery de Brisbane, institución que albergará la muestra desde el 21 de julio hasta el 4 de noviembre de 2012.
Los embajadores seleccionados por Javier Portús, jefe de Conservación
de Pintura Española hasta 1700 del Prado, son el reflejo de que "la
pintura española no es un fenómeno endógeno, sino dialogante con las
tradiciones que llegaban del resto de Europa". Por eso, acompañan a
Goya, Velázquez, El Greco o Ribera, artistas extranjeros como Tiziano,
Mengs o Rubens.
El retrato de España que el Prado ha propuesto a
los australianos se divide en tres grandes etapas que dan cuenta,
cronológicamente, de la integración de la pintura española del siglo XIX
en la tradición pictórica que se remonta al XVI. Cada período tiene
unos temas propios. Así, la primera parte, se enmarca entre 1550 y 1770,
el Antiguo Régimen y el Siglo de Oro representado por la religión en
convivencia con la mitología y el retrato de la sociedad civil a través
de los bodegones de Hiepes, entre otros.
El último cuarto del
XVIII y la primera mitad del XIX se concibe como un mundo cambiante en
el que se integra la obra gráfica de Goya con sus estampas que pasaron
de Los caprichos esperanzados en los avances de La Ilustración, al pesimismo y sarcasmo de Los desastres de la guerra y Los disparates. En la última parte de la exposición, Los umbrales de la España moderna la pintura española se mira a sí misma gracias a la consolidación de la escuela española de pintura.
El desembarco del Prado en Brisbane forma parte del programa Prado Internacional
que con sus gestiones diplomáticas ha llevado el arte español hasta
China o Japón, y en estos momentos, se disfruta en San Petersburgo
gracias al denominado año dual Rusia-España, por el que la pinacoteca española alberga la obra del Ermitage y al revés.
Acaba de aterrizar en el museo londinense, uno de los templos del arte contemporáneo mundial, al frente del cual sustituye al español Vicente Todolí
Chris Dercon: «El Reina Sofía está en el top 5 de museos más innovadores e influyentes»
IGNACIO GIL. Chris Dercon, ayer en el Reina Sofía
NATIVIDAD PULIDO / MADRID
El
belga Chris Dercon ha dirigido museos como el Boijmans Van Beuningen de
Rotterdam y el Haus der Kunst de Munich. Ayer charlamos con él en el
Reina Sofía antes de la presentación de la retrospectiva de Yayoi
Kusama, que el museo español ha organizado junto a la Tate Modern. De
Todolí, su predecesor, solo tiene buenas palabras: «Ha hecho muchas
contribuciones importantes, como la exposición de Miró que puede verse
ahora, que está teniendo un gran éxito; su gran interés por
Iberoamérica... Vicente tiene un gran instinto para el arte. Vamos a
trabajar juntos en una muestra de Richard Hamilton».
Cuando
se le pregunta cuál es su proyecto en la Tate Modern, dice que no cree
«en un director-autor como los que solía haber en otros museos. Los
tiempos han cambiado. El mundo del arte no ha implosionado, sino que ha
explotado hacia el exterior. El director de un museo tiene que ser como
un planificador urbanístico o un rector de universidad. Su contribución
es lograr el bienestar de visitantes, comisarios y artistas». Apunta
Dercon que «el público ya no diferencia entre una colección permanente y
una temporal. Esto nos hace plantearnos: ¿Qué es una colección?
Tratamos de responder a estas preguntas del público, ya no solo sobre
arte, sino sobre sexualidad, África, Oriente Medio... Admiro a
Borja-Villel y a Todolí, porque son un ejemplo de personas proactivas
que se enfrentan a las cosas antes de que sucedan».
En
2012, en la programación del Londres Olímpico, la Tate Modern dedicará
una muestra a Damien Hirst. ¿No cree que ha perdido influencia? «Hirst
es un artista fascinante, no solo por ser provocativo, sino porque habla
de muchísimas historias: de Londres, de política, de la relación
arte-dinero... En la exposición de Hirst vamos a defender a un artista
no solo original sino también influyente a lo largo de la Historia». En
la Sala de Turbinas de la Tate Modern se exhiben cientos de millones de
pipas de Ai Weiwei, perseguido por el régimen chino, y actualmente en
paradero desconocido. «Estoy muy preocupado por su salud —comenta Chris
Dercon—. Hemos trabajado estrechamente con él y tenemos derecho a
preguntarle al Gobierno chino dónde está y cómo se encuentra. Al no
tener respuesta, podemos preguntarnos y preguntarle a China dónde quiere
estar en diez años y cómo pretende relacionarse con el resto del mundo,
cada vez más democrático».
«No mayores, sino mejores»
Los
arquitectos suizos Herzog & De Meuron, autores de la Tate Modern,
también ampliarán el museo. El presupuesto ronda los 325 millones de
euros. Hoy tiene en torno a 4 millones de visitantes al año. «Se
inauguró en 2000 y dio un nuevo rostro a Londres —advierte Dercon—. Con
la ampliación queremos ofrecer un nuevo lugar. El público ha crecido
enormemente, los visitantes quieren aprender continuamente. Los museos
se convierten en un lugar de ocio, al que se vuelve una y otra vez. La
Tate Modern se inauguró en una central eléctrica y dio nueva energía a
Londres y a Inglaterra. Con el nuevo edificio entra un nuevo concepto:
el cristal, un cristal mágico que adquiere distintos aspectos por el día
y por la noche. Queremos no tanto aumentar los visitantes sino dar a
los usuarios una experiencia diferente. No solo queremos ser más grandes
sino mejores».
«Tenemos derecho a preguntarle al Gobierno chino dónde está Ai Weiwei»
¿Está el Reina Sofía en la Primera División de la Liga de los
museos? «No solo está en la Primera División de la Liga sino que muchas
de las ideas de Borja-Villel sobre exposiciones, la revisión y
reinterpretación de la colección, su programa de películas... son un
ejemplo para el resto de los museos contemporáneos. El Reina Sofía no
solo está en el top 5 de los museos más innovadores e influyentes, sino
en el top 3 de los museos que intentan redefinir el concepto
museístico». Conoce bien el arte español contemporáneo. Cita a Juan
Muñoz, con quien trabajó en los 80; a Miralda y Muntadas, «artistas
influyentes más allá de España». También a Cristina Iglesias: «Me
encantaría que hiciese una intervención "in situ” en la Tate». Y a
Portabella, «una de las figuras principales del arte actual. Siento que
no le dieran el Príncipe de Asturias»; a Juan Herreros, «un arquitecto
fundamental... Gracias a mi trabajo en el MACBA, soy un privilegiado por
conocer el arte contemporáneo español y me gustaría exponer más obras
de estos artistas en la Tate».
A
Borja-Villel se le achaca ser demasiado minoritario en su programación.
¿Apuesta usted por grandes nombres? «En los museos hay que combinar
grandes nombres con artistas más minoritarios; encontrar un equilibrio.
En la Tate combinamos artistas reconocidos como Kusama y Miró con otros
pequeños. Los artistas reconocidos no se entienden sin los pequeños.
Sería interesante exponer a un artista muy reconocido de forma muy
minoritaria».
Los metros cuadrados de los «stands» marcarán el número de artistas que habrá en él
ARCO'12: se fomentará que las galerías apuesten por un artista
N. PULIDO / MADRID
Hace poco más de dos meses que ARCO'11 cerró sus puertas y ya tenemos noticias de ARCO'12. Primero supimos que los Países Bajos será el invitado de honor de la feria el próximo año.
Esta mañana ha tenido lugar la presentación en el Instituto Europeo de
Diseño de Madrid. El acto contó con la presencia del embajador de los
Países Bajos en España, Peter van Wulfften Palthe; el presidente
ejecutivo y el director general de Ifema, Luis Eduardo Cortés y Fermín
Lucas, respectivamente; y el director de ARCO, Carlos Urroz. El número
de galerías holandesas en la próxima edición de ARCO rondará la docena.
También habrá en la feria un pabellón holandés, que contará con un comisario español y el apoyo de la Fundación Mondrian. En él tendrá cabida la parte no comercial (mesas redondas, encuentros, proyecciones, publicaciones...)
Los responsables de ARCO aprovecharon el acto para adelantar algunas de las novedades de la 31 edición de la feria, que se celebrará del 15 al 19 de febrero de 2012.
La principal es que se quiere potenciar la presencia de un artista en
los «stands» de las distintas galerías. Hasta ahora no eran muchas las
que destacaban a un artista sobre el resto de su nómina. Pero, a partir
del próximo año, «se valorará muy positivamente —comenta Urroz—.
Queremos que sea una feria de descubrimientos.
Lo que funciona es la presentación fuerte de un artista en la feria y
pretendemos sistematizarlo. Las galerías podrán hacerlo o no, pero las que lo hagan tendrán nuestro apoyo en la difusión de ese artista».
La
segunda novedad se refiere a la superficie de los «stands». Hasta
ahora, se diferenciaba el programa general (había un mínimo establecido
de 60 metros cuadrados) y ARCO40 («stands» de 40 metros cuadrados para
un máximo de tres artistas). A partir de 2012 ambos se unificarán en un único programa.
El número de metros cuadrados que se elija (a partir 40) estará
estrechamente ligado al número de artistas que estarán presentes en cada
«stand». Así, en uno de 40 metros cuadrados podrán exponer hasta 4
artistas; entre 50 y 60 metros cuadrados, 5 artistas; y el resto, un
número ilimitado. Se mantendrán los proyectos dedicados a galerías
iberoamericanas y jóvenes galerías europeas, puestos en marcha este año.
El 'Cascanueces' de John Chamberlain se vende por 4,78 millones de dólares
Chatarra de oro
Efe / Sotheby's
Efe | Nueva York Actualizado martes 10/05/201109:21 horas
Una de las esculturas de metal prensado del artista estadounidense John Chamberlain (1927) lideró con un precio récord de 4,78 millones de dólares la puja que celebró este lunes Sotheby's en su sede de Nueva York y en la que la casa de subastas recaudó un total de 54,80 millones de dólares.
La pieza 'Nutcracker' (Cascanueces), elaborada en 1958, es según los expertos de la casa de subastas "un raro y temprano ejemplo del tipo de obras por las que el artista se hizo conocido en los años 60" y supone el precio más alto jamás pagado en una puja por una obra de este autor.
'Nutcracker', que se adjudicó por cuatro veces más de calculado inicialmente (entre 1,2 y 1,8 millones de dólares), es una pieza elaborada con pedazos de metal, algunos pertenecientes a piezas de coches, que luce diversos colores como azul o granate, además de los tonos propios del metal oxidado.
Las obras del expresionista abstracto Willem de Kooning (1904-1997) también cautivaron en esta velada a los compradores, de forma que un lienzo de este autor, titulado 'Event in a Barn' (1947), fue el segundo más caro de la puja con un precio de martillo de 4,56 millones de dólares.
Además de ésa, otras obras firmadas por De Kooning, con sus furiosas pinceladas características, se adjudicaron con precios superiores al millón de dólares, como 'Forest of Zogbaum' (1958), por 2,65 millones, o 'Woman in a landscape' (1965-66), por 1,08 millones.
En la misma puja se alcanzó otro récord para una obra de Michael Goldberg (1924-2007), gracias a su óleo '2 Whale Square', un trabajo perteneciente al expresionismo abstracto que se vendió por 230.500 dólares.
Todas las piezas de la puja de Sotheby's, la primera de arte contemporáneo de la temporada de primavera, formaban parte de la colección del marchante y galerista neoyorquino Allan Stone, en la que tenían un protagonismo particular las obras del artista californiano Wayne Thiebaud (1920), autor de 20 de las 30 obras ofrecidas en la puja.
Thiebaud y Stone tenían una relación especial, ya que el galerista fue el primero en ofrecerle una exposición en solitario en Nueva York, algo que "marcó un hito en las carreras de ambos", según explicó un portavoz de Sotheby's.
Entre los lienzos de este autor, asociado con el arte pop debido a sus cuadros de vivos colores que representan golosinas, pasteles y otros elementos de la cultura popular, los que alcanzaron un precio más alto fueron "Pies" (1961), vendido por cuatro millones y "Four Pinball Machines (Study)" (1962), con un precio de 3,44 millones.
Sotheby's se reserva para su puja del martes las piezas más caras, como 'Sixteen Jackies' (1964) de Andy Warhol (1928-1987), por el que la casa de subastas espera obtener entre 20 y 30 millones de dólares, o la icónica escultura de porcelana 'Pantera Rosa' (1988) del artista estadounidense Jeff Koons (1955), con un precio de partida también de 20 millones.
Por su parte, su competidora Christie's pondrá a la venta el miércoles, 11 de mayo, uno de los últimos autorretratos que realizó Andy Warhol, con el que espera recaudar entre 30 y 40 millones de dólares, así como uno de los primeros, al que se le atribuye un precio de entre 20 y 30 millones de dólares.
Warhol también será la estrella de la puja de arte moderno que celebre el jueves la compañía Phillips de Pury, que ofrecerá 'Liz número 5' (1963), un retrato de la actriz Elizabeth Taylor (1932-2011) por el que esperan obtener entre 20 y 30 millones de dólares.
El acto de investidura será el próximo 27 de octubre.- El Museo Thyssen acogerá desde el 28 de junio una gran retrospectiva del pintor y escultor de Tomelloso
Antonio López, 'honoris causa' por la Universidad de Navarra
Gran Vía (1974-81), de Antonio López, que podrá verse en la exposición del Museo Thyssen.
MANUEL MORALES - Madrid - 09/05/2011
El pintor Antonio López (Tomelloso, 1936) sigue acumulando reconocimientos a su obra. Hoy la Universidad de Navarra ha anunciado la concesión del doctorado honoris causa al artista, premio Príncipe de Asturias de las Artes en 1985 y premio Velázquez de las Artes Plásticas en 2006. El acto de investidura será el 27 de octubre. Este doctoradohonoris causa llega a poco más de mes y medio de que el Museo Thyssen inaugure, el 27 de junio, una gran retrospectiva con 140 obras -cuadros, dibujos y esculturas-, que se prevé será una de las grandes exposiciones del año en Madrid.
Sobre esta muestra, López señaló recientemente,en una conferencia en la Universidad Carlos III de Getafe (Madrid), que abarcará sobre todo su obra desde 1993 hasta la actualidad. La gran muestra que se prepara en el Thyssen, que la pinacoteca describe como "una mirada del propio autor sobre su obra", tiene al manchego muy ocupado, volcado en diversos cuadros para llegar a tiempo.
El Thyssen ha explicado hoy en una nota de prensa que en la exposición del autor de Madrid desde Capitán Haya no habrá "un orden cronológico", sino que "el recorrido va hacia adelante y hacia atrás". Allí estarán, por ejemplo, las vistas de Madrid, "incluidas las más recientes de la Gran Vía", junto a cuadros de Tomelloso, pinturas y dibujos de frutales y retratos de parejas. La exposición viajará después, en una versión algo más reducida, al Museo de Bellas Artes de Bilbao, donde podrá contemplarse del 10 de octubre al 22 de enero de 2012.
López inició su vocación de la mano de su tío, el también pintor Antonio López Torres. Con 14 años ingresó en la Escuela de Bellas Artes de Madrid. En 1955 inició un viaje por Italia para empaparse del arte renacentista. A su vuelta decidió que su camino pictórico recorrería el realismo. Hoy es uno de los pintores españoles más cotizados en los mercados del arte en todo el mundo. Desde 2006 imparte en la Universidad de Navarra un taller de Pintura Figurativa.
Una exposición en el Ateneo de Madrid resume la trayectoria de un artista que empezó con el cómic en los años setenta y ahora trabaja con ordenadores y madera
El caos coherente de Ceesepe
TOMMASO KOCH - Madrid - 06/05/2011
Su recorrido profesional abarca desde el cómic hasta la madera. Su vida se reparte entre Madrid y París. Y su carrera comenzó en la época de la movida madrileña y llega hasta hoy. Se podría decir que el cambio es el pan de cada día del artista Carlos Sánchez Pérez, conocido como Ceesepe. La trayectoria del creador madrileño, que empezó con unos tebeos crepusculares en los años 70 y que el pasado abril recibió del Consejo de Ministros la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, protagoniza una exposición que se inauguró el pasado viernes en el Ateneo de Madrid. Se podrá visitar hasta el próximo 27 de mayo.
"Dibujos, pinturas, serigrafías, impresiones digitales". Al otro lado del teléfono Ceesepe enumera los distintos tipos de obras que estarán en la exposición. También estarán los personajes y las situaciones surrealistas que pueblan algunas de sus creaciones. "A veces añado imágenes que se me ocurren sobre la marcha. Es cierto que algunas figuras que represento tienen un punto literario de misterio, pero también tengo trabajos muy geométricos".
Jacobo Fitz, de Espacio Valverde, que se ha encargado de la organización de la exposición, la resume con un concepto muy gráfico: "Es como entrar en la mente del artista. Es un ambiente muy saturado, no es la típica muestra con un cuadro cada mil kilómetros". Tal vez sea esa la única manera para exponer la trayectoria de Sánchez Pérez, artista "autodidacta", según sus propias palabras. "Experimento mucho, aprendo trabajando. Avanzo por etapas. En dos o tres años me doy cuenta de que una técnica la tengo muy vista y paso a la siguiente", asegura Ceesepe.
Un caos aparente e impulsivo que sin embargo cuenta con cierta coherencia interna. "Selecciono las imágenes que me fascinan, no intento mandar mensajes con mi arte. Una cosa me lleva a la otra, un trabajo anterior complementa el siguiente", sostiene el creador madrileño. Así, por ejemplo, el aprendizaje de un viaje a Bali le ha venido bien para la fase actual de su carrera. "Descubrí con unos artesanos locales cómo modelar la madera. Ahora hago relieves y cajas", cuenta Ceesepe.
También se dedica a otro ámbito que poco tiene que ver con el primero: "Estoy trabajando con el ordenador. Te permite hacer de todo con las imágenes: estirarlas, darles luz". El avance irrefrenable de la evolución artística de Ceesepe solo parece tener una regla: no prevé vuelta atrás. Sería difícil ya que se le "olvidan" las cosas y ahora reconoce que sería "incapaz" de volver a dibujar historietas.
Tampoco tienen vuelta los cambios experimentados por su ciudad respecto a la época de la movida, de la que Ceesepe se convirtió en un símbolo. "Se vive mejor, aunque habito en el centro y a veces es un caos", afirma el artista, que se dice seguro de que él ha cambiado más que Madrid. "La vida del ser humano es una putada. Cuando tu cabeza está bien, el cuerpo está hecho polvo. Y cuando la mente es una chota, el físico funciona. Aunque creo que estoy entrando en la edad perfecta", tercia, con sus 52 años.
El artista, que vivió en Río de Janeiro, Nueva York y Buenos Aires, entre otras ciudades, ahora se sube cada dos por tres a un avión rumbo a París ("cuatro veces en los últimos dos meses"). Aún así, se ha cansado de viajar, ya sea porque prefería el tren o porque "ahora todo es igual. Vas a Pekín y parece el paseo dela Castellana". Sin embargo considera que la posibilidad de alcanzar cada rincón del planeta por un dinero al fin y al cabo asequible es "una de las cosas que hay que agradecerle al siglo en el que vivimos".
Estable e ilusionado, el artista madrileño desvelaba el viernes su entusiasmo por la exposición que protagoniza pero también su miedo por las previsiones de lluvia. Finalmente tuvo suerte y hubo sol. El enésimo cambio, aunque había de esperárselo: con Ceesepe, siempre están a la vuelta de la esquina.
El pintor y escultor falleció el sábado y los funerales tendrán lugar este lunes
Muere el artista malagueño Antonio Jiménez a los 66 años
El artista Antonio Jiménez, en su estudio. :: F. González
08.05.11 -19:00-
RAFAEL CORTÉS | MÁLAGA
El pintor y escultor malagueño Antonio Jiménez falleció ayer sábado a los 66 años a consecuencia de una enfermedad pulmonar, según confirmaron fuentes de su entorno familiar. El funeral para despedir al artista, gran maestro de la experimentación pictórica, tendrá lugar este lunes a las 10 de la mañana en el Parque Cementerio de San Gabriel.
Para Jiménez la pintura era "un veneno que llevo dentro", tal y como recordaba habitualmente, por lo que siempre se mantuvo activo en este ámbito. Antonio Jiménez, nacido en Málaga en 1945, evolucionó desde el realismo de sus inicios hacia el impresionismo y luego, al expresionismo, donde se convirtió en uno de los grandes artistas a nivel internacional. No en vano, expuso sus obras en países como Canadá, Estados Unidos, Italia, Bélgica, Holanda, Portugal y Alemania, entre otros. Una intensa actividad creativa que se prolongó durante décadas, impulsada desde su estudio de la Calzada de la Trinidad. Una obra la suya de gran calidez y color, que se acercó al mundo de la materia de la mano del mármol, el papel, la tierra y los aceites.
Regreso en 1998
Tras pasar gran parte de la década de los noventa mostrando su arte en distintas galerías españolas y de todo el mundo, en 1998 regresó a su tierra para protagonizar la muestra 'Eterna y nueva forma' en la sala de arte de la Universidad de la plaza de la Merced. Posteriormente, protagonizaría sendas exposiciones en el Palacio Episcopal (2002) y en el Centro de Exposiciones de Benalmádena (2007), con las que recuperó su contacto creativo con la ciudad que le vio nacer y a la que siempre estuvo muy unido.
El pintor de Tomelloso dice que el inacabado cuadro de la familia real no estará listo para la retrospectiva del Thyssen de junio.- El artista dio ayer una conferencia-entrevista en la Universidad Carlos III
Antonio López: "Mi vocación ha salido bien, parece"
El pintor Antonio López, ayer en la Universidad Carlos III de Getafe (Madrid).- GORJA LEJARCEGI
MANUEL MORALES - Madrid - 29/04/2011
El pintor Antonio López (Tomelloso, 1936) está estos días trabajando en muchas obras. Faltan solo dos meses para que se inaugure en el Museo Thyssen de Madrid una gran retrospectiva de su obra. "Todo va a llegar por los pelos", dice. Al artista no le gusta hablar de la que será una de las grandes exposiciones del año en la capital. Destaca que se verá, sobre todo, su producción "desde 1993 hasta aquí". Sin embargo, lo que no colgará de ninguna pared del museo será el famoso e inacabado retrato de la familia real, un encargo que recibió en 1993 y del que ha hecho "muchísimos cambios, porque ha habido un salto en el tiempo desde que lo empecé".
López habló ayer en la Universidad Carlos III, en Getafe (Madrid) -en la cátedra Bancaja de este centro- de su vida, obra y del arte, sobre todo del español, que se ha caracterizado, en su opinión, por "el respeto a representar las cosas más cotidianas tal y como son". "El artista español, y yo también, por su sensibilidad no es barroco, sino exaltado", sentenció. López recordó en su charla los inicios: "Todo empezó de la mano de mi tío", el también pintor Antonio López Torres, que convenció a los padres del entonces aprendiz de 14 años para que estudiara en la Escuela de Bellas Artes, en Madrid. Hoy, con 75 años, sigue "descubriendo cosas" y al echar la vista atrás afirma con evidente satisfacción: "Mi vocación por la pintura ha salido bien, parece".
A López no le gustan las etiquetas cuando le preguntan por su estilo. Él se escapa: "Nos apañamos como podemos, el nombre es lo de menos", pero al final no le molesta lo de "hiperrealismo, que está muy bien".
El autor de obras como Madrid desde capitán Haya, ante un auditorio joven, sobre todo alumnos de Bellas Artes, comenzó su conferencia-entrevista con timidez, con la mirada baja y tamborileando sobre la mesa ante la cascada de alabanzas de la presentación, pero con las preguntas se apasionó y era un torrente difícil de cortar. A los que quieran vivir de la pintura les dijo que "lo tienen tan difícil como siempre; ahora hay muchas ayudas pero también muchas más vocaciones". En cualquier caso, para ser un artista su receta se compone "de fuerza, salud, suerte y talento".
El arte moderno
Mientras dos pantallas proyectaban sus primeras obras el artista mostraba la sonrisa de la nostalgia. "Conocí el arte moderno por los libros, porque no estaba a mi alcance y lo que veía en el Prado era antiguo, se quedaba muy atrás". Un joven López se recorrió Italia a finales de los cincuenta para conocer el arte del Renacimiento. "Pero como yo era un ignorante, me decepcionó, sin embargo me sirvió para descubrir al gran arte español que estaba allí, Velázquez, Zurbarán, Ribera..."
Después llegó la etapa en la que, cuando reinaba la abstracción, él consolidó su estilo realista. "Éramos un grupo de pintores que decidimos decir las cosas con un lenguaje diferente, pero en aquella época los abstractos y los realistas estábamos más cerca que ahora, más conectados". Así, su amigo el pintor Lucio Muñoz, entonces bromeaba con las obras del manchego: "Está bien lo que pintas, pero quién va a comprar un cuarto de baño", en alusión a cuadros como Lavabo y espejo, pero López le respondía que hacía ese "realismo áspero" porque necesitaba purificarse. El creador de La alacena sostiene que llegó al realismo "de la mano del surrealismo, pero también de la abstracción, del dadaísmo" y que todo ello le sirvió para "llegar a hacer expresivo un cenicero, por ejemplo".
Muchas han sido sus fuentes. "Estábamos hechizados por Picasso" y por un abanico que abarca desde "las pinturas de Altamira, el auriga de Delfos, la pintura prerrenacentista o Chirico".
La Gran Vía
De sus conocidísimos cuadros sobre la Gran Vía madrileña, López arrancó las risas de los asistentes cuando explicó que entroncan con la tradición del artista español, "que por respeto se entrega a algo aunque no le guste, como me pasa a mí con Madrid, que no me gusta". Y de la Gran Vía, al ladito, a la Puerta del Sol, donde plantó su caballete el pasado verano para atrapar su luz. Es una zona en la que vivió de joven y compraba los materiales. La plaza emblema de Madrid "es un sitio feo, pero tiene algo que me conmueve, en definitiva es un retrato del español colectivo".
También rememoró su experiencia en el cine, cuando trabajó con Víctor Erice para rodar El sol del membrillo, la obra que contaba el proceso de creación de un cuadro. "Mereció la pena, pero lo pasamos tan mal, fue tan duro, que es una película que no puedo volver a ver".
Y por último, en esta época de crisis global, ¿qué papel le queda al arte?, le preguntaron. "El que ha tenido siempre. Ser testigo de los acontecimientos, contar la verdad". A pesar de todo lo que él contó durante dos horas y media de conferencia y preguntas, López descarta escribir unas memorias de todo lo que ha vivido: "Ni se me pasa por la cabeza".
Una experta española de la Tate de Londres escribe un opúsculo sobre Miró
4-04-2011 / 12:50 h
Londres, 14 abr (EFE).- Iria Candela, historiadora del arte que trabaja como comisaria adjunta en la Tate Modern, ha escrito un opúsculo sobre Joan Miró con motivo de la retrospectiva que le dedica la galería londinense bajo el título de "La Escalera de la Evasión".
En su guía, de 77 páginas y con numerosas ilustraciones en color (editorial Tate Publishing), la joven experta española explica con concisión y claridad las raíces y la evolución continua de la obra del gran artista catalán y universal.
Analiza la influencia que ejercieron sobre el recién llegado a París las vanguardias europeas, su contacto con el surrealismo y, muchos años después, con el expresionismo abstracto norteamericano o la caligrafía japonesa, que conoció directamente en 1966 con motivo de una retrospectiva del Museo de Arte Moderno de Tokio.
Pero además de estudiar su afán experimentador, que duró hasta su muerte en 1983, Candela se ocupa, en paralelo a la exposición de la Tate, del compromiso político de Miró a raíz de la guerra civil española con su participación en el pabellón de la República en la Exposición Universal de París de 1937.
Junto a otras obras emblemáticas exhibidas en el hoy famoso pabellón, construido por los arquitectos Josep Lluís Sert y Luis Lacasa, como el "Guernica", de Picasso, o la "Fuente de Mercurio", de Alexander Calder, Miró creó un mural de cinco metros titulado "El Segador", figura que aludía directamente a "Els Segadors", el himno de Cataluña.
Miró diseñó también un sello de propaganda de un franco con el objetivo de recaudar dinero para la causa republicana en el que aparecía un campesino de perfil levantando el puño con la leyenda en francés "Aidez l'Espagne" (Ayudad a España).
A diferencia de Picasso, fallecido en 1973, Miró (1893-1983) sobrevivió en ocho años al dictador Francisco Franco, cuyo régimen le obligó a un exilio interno en Mallorca aunque no pudo impedir su reconocimiento internacional como uno de los grandes artistas del siglo XX. EFE
La asociación cultural insiste en que el proyecto en la plaza de calle Camas “de conciliación y no de imposición”
El Mercado de las Artes libera dos tercios de su superficie para uso ciudadano
Así sería el exterior del Mercado de las Artes. / Sur
14.04.11 - 13:44 -
REGINA SOTORRÍO | MÁLAGA
Defienden que hay sitio para todos: para los vecinos y para los artistas. La Asociación Cultural Mercado de las Artes presentará esta tarde a los ciudadanos un "proyecto de conciliación y no de imposición” para crear un centro de producción artística en el mercado provisional de Atarazanas. Para ello, rebajan sus pretensiones y tienden la mano a las propuestas ciudadanas, tras las protestas de la Asociación de Vecinos Centro Antiguo de Málaga.
Así, el contenedor cultural pasaría ahora a tener un tercio de su superficie original, algo más de 800 metros cuadrados. Este recorte dejaría libre más de 3.000 metros cuadrados para plaza, tal y como explicó el portavoz de la asociación, Martín Moniche. Mantiene que sería un "espacio vivo, donde se crea y genera arte” y un foco de atracción ante "la incipiente fuga de talentos”. "No queremos seguir siendo la Málaga de la que se fue Picasso”, reivindicó Moniche.
Con una plata baja y entreplanta, el Mercado de las Artes albergaría estudios para los artistas, talleres para todas las edades, una sala de usos múltiples, una sala audiovisual y una tienda donde los creadores venderían sus propuestas. "Serviría para el lanzamiento y la proyección de artistas malagueños de cualquier edad”, apuntó Moniche.
Están convencidos de que el centro cultural "revitalizaría” el entorno y el comercio de la zona, "asfixiado desde hace tiempo”. Además, incorporaría una nota verde en pleno centro de la ciudad con dos jardines verticales en dos de las fachadas del edificio.
La estructura, "de alta resitencia”, fue diseñada para acoger los puestos de Atarazanas durante su reforma. Una vez cumplida su misión, la idea era trasladarla a Huelin para iniciar la reforma de su mercado, pero era costoso. El Ayuntamiento planteó entonces desmontar la estructura -"flexible, articulable, con movilidad y sostenible”- y almacenarlo, "lo que costaría cerca de 800.000 euros”, en palabras del arquitecto de la instalación, Eduardo Rojas, que desde el principio apoya el uso cultural del edificio. Pues bien, según los promotores de la iniciativa, el coste del reciclaje del edificio como Mercado de las Artes rondaría esa cantidad.
El proyecto, que aún no ha recibido el visto bueno del Ayuntamiento, se dará a conocer hoy en el cine Albéniz a las 19.30 horas con la participación de Javier Ojeda y otros artistas invitados.
Metro acoge talleres de fotografía y pintura para artistas con discapacidad intelectual en Nuevos Ministerios
MADRID, 12 Abr. (EUROPA PRESS) -
Metro de Madrid se transformará durante los días 12 y 13 en un inmenso taller donde personas con discapacidad intelectual podrán demostrar sus habilidades en diferentes disciplinas, como dibujo, fotografía, pintura y collage, según ha informado el Gobierno regional en un comunicado.
El consejero de Transportes e Infraestructuras, José Ignacio Echeverría, ha presentado este martes 'Trazos singulares', una iniciativa que forma parte de la Obra Social de la Fundación Claves de Arte.
Los participantes de estos talleres son algunos de los artistas que formarán parte también de la exposición, que se podrá ver simultáneamente en la misma estación de Nuevos Ministerios hasta el 15 de mayo.
La temática de los talleres, que se celebrarán en horario de 10 a 13 horas, es Metro. Se trata de la misma temática que ha inspirado las 60 obras que conforman la exposición, en la que 30 artistas han dado a conocer sus diferentes puntos sobre este medio de transporte que muchos
de ellos también utilizan.
En su línea de colaboración con diferentes entidades sociales, deportivas o culturales, Metro de Madrid ha querido colaborar con la
Fundación Claves de Arte con el objetivo de apoyar, en esta ocasión, a
personas con discapacidad intelectual, a través de los talleres y brindando la oportunidad de que muestren sus trabajos en una estación por la que diariamente pasan miles de viajeros.
La Fundación Claves de Arte es una fundación privada y sus principales áreas de actuación son la académica, la investigación (impartiendo seminarios y programas relacionados con el sector cultural) y la Obra Social que realiza el proyecto "Grand Tour. Arte y Movilidad para personas con capacidades diferentes" en colaboración con la Fundación Movilidad y Madrid Movilidad para la integración de personas con discapacidad intelectual a través del arte.
Los beneficiarios de este proyecto son los usuarios de los Centros Ocupacionales de la Comunidad de Madrid y cualquier organización pública o privada cuyos usuarios tengan inquietudes artísticas.
Metro de Madrid como referente cultural Metro de Madrid que se ha convertido ya en una referente cultural con las diversas exposiciones y eventos que habitualmente desarrolla en la red.
"Como ya he dicho muchas veces, el Metro de Madrid es algo más que un medio de transporte", ha explicado el consejero, "es un espacio singular de la ciudad que forma parte de nuestras vidas".
Entre las actividades culturales y de ocio que ha venido acogiendo
Metro de Madrid en los últimos años, Echeverría ha destacado las exposiciones permanentes de la red, como las de Ópera y Chamberí; las numerosas exposiciones temporales, entre ellas las que acoge la sala Expometro en la estación de Retiro o la celebración de festivales de música como "Creadoras".
ACCESO AL TRASPORTE PÚBLICO
Por otro lado, el consejero también ha recordado el importante esfuerzo que se ha venido realizando para garantizar el acceso al transporte público a todos los ciudadanos sin excepción, que ha sido reconocido por asociaciones como la ONCE o CERMI.
"Con este acto, Metro quiere abrirse también a las personas que se
ven afectadas por discapacidades intelectuales, porque Metro tiene
vocación de dar cabida a todos", ha señalado Echeverría. Al respecto, el consejero ha celebrado que el modo elegido haya sido el arte, "porque es uno de esos medios en los que es posible poner de relieve las capacidades de las personas, por encima de cualquier posible limitación".
Por ello, ha animado a todos los ciudadanos, y no sólo a los viajeros, a visitar esta exposición "porque seguro que les va sorprender". "El arte no entiende de diferencias, ni conoce barreras sino todo lo contrario, promueve la integración y la autonomía de las personas", ha afirmado, indicando que a través de esta expresión artística todos podemos conocer mejor las capacidades, el talento y lo mucho que estos madrileños pueden aportar a nuestra sociedad".
Muerte de Yamagata Masakage, la bandera del fuego.
12/04/2011
Fue de la mano de Akira Kurosawa, a principios de los años cincuenta, que el espectador occidental descubrió la importancia del cine japonés. La culpa la tuvo Rashomon, película con la que obtuvo el León de Oro en Venecia y el Oscar a la mejor película en lengua extranjera, y en la que desplegaba una insólita narrativa multióptica al contar el mismo suceso (el asesinato de un samurái) desde los diversos puntos de vista de varios implicados y testigos. Desde aquel éxito, las creaciones del maestro Kurosawa, de quien se celebró el año pasado el centenario de su nacimiento, están firmemente apegadas a la cultura clásica occidental.
La exposición que tiene lugar en el Museo ABC de Dibujo e Ilustración acoge hasta el 12 de junio los dibujos creados por el autor nipón para el rodaje sus seis últimos largometrajes -Kagemusha, la sombra del guerrero (1980), Ran (1985), Los sueños de Akira Kurosawa (1990), Rapsodia en agosto(1991), Madadayo (1993)- y de un proyecto de largometraje que nunca llegó a rodar, El mar que nos mira (2002).
Las obras plásticas expuestas forman parte de los storyboard que dibujó Kurosawa para los filmes, pero también recogen los bocetos de personajes que diseñó para el departamento de vestuario, así como los carteles originales de las películas. La muestra gráfica va acompañada de la proyección de fragmentos de sus películas, en los que se puede apreciar la fidelidad que, como hiciera también Alfred Hitchcock, guarda la composición y el tiro de la cámara de las escenas rodadas con las imágenes que previamente había imaginado y dibujado el cineasta.
La plasticidad, la tensión pictórica, la eminente calidad formal del cine de Kurosawa, considerado el "Emperador” del cine japonés, salta a la vista en la exposición, cuyos dibujos para los diversos storyboardno son meros bocetos o viñetas en formato de cómic, sino auténticas piezas de arte, de extremo preciosismo, vivos colores (realizados en lápiz, acuarela, pastel y tinta) que reconstruyen minuciosamente el ambiente y los detalles del filme. No era una práctica habitual de Kurosawa la realización de storyboardspara sus filmes, pero durante los años setenta, ante la dificultad de involucrar a ninguna productora japonesa para financiar sus proyectos, se vio en la necesidad de diseñar unos elaborados dibujos, plasmando en ellos todo el imaginario de sus películas, para poder convencer a inversores. De hecho, Francis F. Coppola y George Lucas, grandes admiradores de la obra del japonés, produjeron la obra maestra Kagemusha, la sombra del guerrero. "La idea de no llevar Kagemusha al cine se me volvió intolerable. Pensé que aunque no pudiese trasladar las imágenes a la pantalla, al menos quería que la gente las viera. Así que decidí dibujarlas”.
El arte de Kurosawa, que estudió Bellas Artes en la Academia Dushuka de Tokio (y cuya primera vocación, antes de descubrir el cine, fue la pintura), se vio fuertemente influido por los impresionistas, los fauvistas y los postimpresionistas. No en vano, muchos de los dibujos realizados para el filme Los sueños de Kurosawa son interpretaciones de populares obras de Van Gogh y Chagall, si bien junto a la tradición pictórica oriental también es deudor de pintores expresionistas como Oskar Kokoschka, Chaim Soutine y Emile Nolde.
Muerte de Yamagata Masakage, la bandera del fuego. Lápiz, acuarela y pastel sobre papel de dibujo, para la película Kagemusha, la sombra del guerrero.
Noche en el cuartel del ejército de Takeda. Lápiz, acuarela y pastel sobre papel bond, para la películaKagemusha, la sombra del guerrero.
Torreón del primer castillo: Lady Kaede salta sobre Jiro. Lápiz, acuarela y pastel sobre papel de dibujo, para la película Ran.
Cuervos. Paisaje en Auvers. Lápiz, acuarela, pastel y lápices de colores sobre papel de dibujo, para la película Los sueños de Akira Kurosawa
El museo exhibe 17 importantes cuadros del pintor, la mayoría inéditos en Barcelona. La muestra confronta al francés con Martí Alsina y sus seguidores catalanes.
Courbet marca el camino del realismo catalán en el MNAC
El desesperado' (1844), de Gustave Courbet. RICARD CUGAT
NATÀLIA FARRÉ BARCELONA
La tela Autorretrato, también conocida como Courbet con el perro negro (1842), fue la primera obra de Gustave Courbet que se expuso en España. Ocurrió en 1917, en el Palau de Belles Arts de Barcelona, en el marco de una exposición de pintura francesa organizada por el Ayuntamiento a instancias de los artistas catalanes que querían ayudar a sus homólogos franceses cuyo país estaba en guerra. Ahora, casi un siglo después, la tela vuelve a la ciudad y lo hace para abrir la muestra de lienzos más completa, en cuanto a calidad, del padre del realismo realizada nunca en el país: Realismo(s). La huella de Courbet, hasta el 10 de julio en el Museu Nacional d'Art de Catalunya (MNAC).
Junto con la tela ya vista llegan 16 obras más de Courbet (1819-1877), todas inéditas en Barcelona a excepción de la emblemática El sueño, que ya se expuso en La Pedrera en el 2004. El resto -El desesperado, La hilandera dormida, El hombre de la pipa y El hombre herido, entre otras- se muestran por primera vez. Pero Courbet no viene solo. Lo hace acompañado de otros realistas franceses, como Carolus-Duran, Corot y Millet; y de maestros españoles del siglo XVII, como Velázquez, Murillo y Ribera. También de Rembrandt y de Tàpies. Y, como no podía ser de otra manera, de los realistas catalanes con Ramon Martí Alsina a la cabeza, seguido por Benet Mercadé, Antoni Caba, Simó Gómez y Pere Borrell. En total la exposición, una producción propia, reúne 80 piezas, entre pinturas, dibujos, fotografías y grabados.
Pero, ¿qué discurso se estructura alrededor de esta variedad de autores? El eje vertebral de la muestra «es el realismo en Catalunya contextualizado con las obras de los realistas franceses», según Cristina Mendoza, subdirectora del MNAC y una de las comisarias de la muestra. A su vez también incorpora una mirada hacia atrás porque los pintores realistas «se inspiraron en las paletas austeras del tenebrismo», continúa. Y otra hacia delante porque «el realismo aún pervive», concluye. De esta manera, la exposición se cierra con un espacio de síntesis donde tres de los protagonistas -Courbet, Martí Alsina y Ribera- dialogan con Tàpies.
EL DESCUBRIMIENTO / Pero entre Courbet con el perro negro y el pintor matérico, el recorrido permite evidenciar que en Catalunya se dio el único foco realista de España. Y que su introductor y más prolífico representante fue Ramon Martí Alsina del que se exhiben 17 telas. Fue el máximo exponente del realismo y el más conocido pero no el único, y quizá tampoco el mejor. Uno de los grandes desconocidos es Simó Gómez, «un pintor excelente cuya factura es la que mejor sintetiza la influencia de Velázquez en los realistas -según Mendoza- y que la exposición ayudará a descubrir».
Y, como los periodos y movimientos artísticos no son compartimientos estancos, ni tienen unas fronteras claras, también figuran en la exposición artistas como Marià Fortuny y Ramon Casas. que «evidentemente no eran realistas pero que tienen obras que dialogan perfectamente con el movimiento», explica Mendoza. Así, en la misma sala de El sueño se exhibe un desnudo de Fortuny. Y en una misma pared cuelgan Velázquez, Carolus-Duran y Casas. El francés era un devoto del sevillano y Casas con 15 años fue a París a estudiar en el taller de Carolus-Duran , y sus piezas de esa época, como la expuesta, son deudoras del realismo.
XIX Concurso Nacional de Fotografía Ciudad de Córdoba. Premio Mezquita 2011
Artes Plásticas - Convocatorias de Premios - Consurso Nacional de Fotografía Ciudad de Córdoba. Premio Mezquita
Para residentes en España. Dotación económica de 4.500 euros y trofeo. Las colecciones finalistas recibirán un premio de 1.500 euros y Diploma. Descargue las bases (PDF) para más información
Organiza: Ayuntamiento de Córdoba. Delegación de Cultura.
Un recorrido en 10 pasos por la 14ª edición de PhotoEspaña, que programará 68 exposiciones en junio y julio en 61 sedes de la capital y otras ciudades
Madrid en mil retratos
S. M. Beatriz Luthas de Limchin, primera reina del Carnaval de la colonia chino-panameña.- C. ENDARA
ISABEL LAFONT- Madrid - 06/04/2011
El final de la temporada artística madrileña estará marcado por el mayor festival de fotografía que se celebra en España. El 1 de junio se inaugurará la 14ª edición de PhotoEspaña y, hasta el 24 de julio, podrán visitarse las 68 exposiciones que incluye su programa en 61 museos, galerías, centros de arte y salas de exposiciones. Madrid concentrará el grueso de la actividad, pero Lisboa, Cuenca y Alcalá de Henares también serán sedes del festival. El programa, que ha sido comisariado por el crítico cubano Gerardo Mosquera, se puede consultar en la página web www.phe.es. El tema de este año, Interfaces. Retrato y comunicación, invita a una reflexión que se puede resumir en las propuestas siguientes.
S. M. Beatriz Luthas de Limchin, primera reina del Carnaval de la colonia chino-panameña. - CARLOS ENDARA
Cindy Sherman. Sin título (ABCDE). - CINDY SHERMAN
- La tesis del comisario. La exposición colectiva del centro Fernán Gómez, Face contact, profundizará en el tema del festival mediante la obra de 31 artistas que han usado el retrato como base de su trabajo.
- El misterio de la identidad. El mexicano Frank Montero Collado, un fotógrafo desconocido que teatralizó su vida y la retrató, compartirá espacio en la Sala Alcalá 31 con dos auténticas estrellas, Cindy Sherman y Thomas Ruff, en 1.000 caras / 0 caras / 1 rostro, una exposición que explora la identidad como tema.
- El cronista panameño. Casa de América expondrá una primicia, Un mundo feliz. Panamá en ojos de Carlos Endara, un testimonio del cambio del siglo XIX al XX en el país centroamericano que por primera vez se expone fuera del mismo.
- El rostro de la antigüedad. El Museo Arqueológico Nacional se incorpora como sede a PhotoEspaña con una exposición que unirá 13 retratos de Fayum nunca vistos en España con la obra contemporánea del albanés Adrian Paci.
- El rey de los paparazzi. El Círculo de Bellas Artes y la sala Loewe acogerán las imágenes de Ron Galella, cuyo trabajo le costó míticas demandas por parte de Jackie Kennedy e incluso la agresión física de Marlon Brando.
- Nueva nave en Matadero. El centro cultural de Arganzuela inaugurará una de sus naves, la 16, con una película de Susana da Sousa Dias sobre la dictadura de Salazar. Matadero albergará también una videoinstalación de Carlos Rodríguez-Mendes y los retratos que la micropoetisa Ajo realizó a los espectadores que pasaron entre 1998 y 2004 por la taquilla, que ella regentaba, del teatro Alfil.
- El encanto de la burguesía. CaixaForum presentará la primera gran exposición de Jacques Henri Lartigue, cronista de la burguesía francesa del siglo XX.
- Sentimentalismo decimonónico. La Fundación Lázaro Galdiano reunirá 120 cartes de visite, un formato fotográfico popular en el siglo XIX, de la colección del escritor Pedro Antonio de Alarcón.
- Talleres con los maestros. Entre el 22 y el 25 de junio se desarrollará el programa Campus PHE Grandes Maestros, con talleres de Ernesto Bazán, Javier Vallhonrat, Ouka Lele y Oliverio Toscani.
- Encuentros para la refle-xión. La crítica de arte Estrella de Diego dirigirá el programa de conferencias y mesas redondas que organizará entre el 2 y el 4 de junio el Ministerio de Cultura. Soledad Puértolas, Christine de Naeyer, Concha Casajús, Cabello / Carceller o Joan Fontcuberta, entre otros, debatirán sobre el tema Caras: el rostro de la fotografía.
La obra Virgen del Rosario del pintor Juan de Valdés Leal es la pieza favorita de la colección que se expone desde este lunes en el Centro Cultural Cajasol de Sevilla y que compone su subasta de primavera, un conjunto valorado en más de 1,7 millones de euros.
Un total de 739 lotes de pintura, escultura y joyas se expone hasta el 14 de abril, fecha en la que se celebrará la subasta en la que los amantes del arte podrán pujar por unas piezas valoradas en su conjunto en 1.780.000 euros, con precios "para todos los bolsillos", según ha explicado la presidenta de Arte, Información y Gestión, Rosa Santos.
Una muestra con piezas que van desde el barroco siglo XVII hasta el arte contemporáneo del siglo XX, donde destaca la portada del discoHijos del agobio del grupo sevillano Triana, para quien Máximo Moreno creó un gouache sobre papel en 1975.
La colección recoge el lienzo de Juan de Valdés Virgen del Rosario con Niño, por recoger "la cara más amable" de un pintor considerado triste y dramático y que reúne grandes pinceladas de dinamismo y belleza que la caracterizaban para protagonizar la portada del catálogo, ha expresado la directora de AIG, Carmen Aranguren.
Esta pieza restaurada que data de 1670 y que contiene al dorso lo que podría ser la firma del propio autor, se habría concebido para un oratorio particular, además de ser la pieza más cara que se subastará con un precio de salida de 210.000 euros.
La 'Feria' de Manuel García Rodríguez
El cuadro titulado Feria de Sevilla de Manuel García Rodríguez de 1906, es otra de las principales obras de la colección que muestra larepresentación más realista de las que se conocen de esta fiesta y que es todo "un documento histórico a la venta y un orgullo para nosotros al poder ofrecerlo en primavera", ha señalado Aranguren.
Dentro de la sección de pintura antigua destaca un apostolado napolitano del siglo XVII que sale a puja con un precio de 60.000 euros de gran importancia para la directora de AIG por la dificultad que tiene el reunir los retratos de los doce apóstoles.
En la sección de arte moderno, la obra de Antonio Clavé, Pez, valorada en 45.000 euros, junto a los "Hijos del agobio" de Máximo Moreno de 8.000 euros, protagonizan este apartado.
Asimismo, la colección reúne un amable bodegón de melocotones de la pintora sevilla Carmen Laffón, un grabado de Miró valorado en 11.000 euros y joyas entre las que destaca una navaja grabada de Pérez Villalba y un conjunto de gargantilla y pendientes con diamantes valorados en 35.000 y 25.000 euros, respectivamente.
Los primeros años de creación del pintor José de Ribera han estado siempre rodeados por el misterio y el desconocimiento. Ahora, una exposición en el Museo del Prado intenta arrojar un poco de luz a los comienzos del maestro. La muestra ‘El joven Ribera’
El maestro Ribera también fue un joven aprendiz de pintor
La clave está en la atribución a José de Ribera del cuadro ‘El Juicio de Salomón’, hecho que ha servido para dilucidar los primeros años de su actividad pictórica. Mostrar al público los resultados del intenso debate que en los últimos años ha generado la temprana obra de Ribera es el objetivo de la exposición que hoy se inaugura en el Museo del Prado madrileño. Una vez dentro, lo que el visitante se encontrará será ‘El joven Ribera’, una muestra de 32 obras pintadas en Roma y Nápoles entre 1610 y 1622.
Nacido en Xàtiva (Valencia), en 1591, José de Ribera emigró a una edad muy temprana a Italia, cuna del arte. Empezó su periplo por el norte del país hasta que decidió mudarse a Roma, donde empaparse del saber hacer y del estilo de los grandes artistas del momento y de la antigüedad. Allí, en la capital italiana, recaló en 1610. Empapado por el arte de Caravaggio, el joven Ribera ha sido durante siglos un misterio con muy pocas obras en su currículum inicial.
Instalado en Nápoles –ciudad en la que falleció en 1652– desde 1616, Ribera era conocido por muchos como el ‘spagnoletto’. Hasta ahora, sus primeros años eran prácticamente un misterio indescifrable. A comienzos del presente siglo y gracias a la investigación del italiano Gianni Papi su vida y obra han dado un giro hacia un conocimiento más profundo. Él fue quien encontró indicios para atribuir al joven Ribera varias decenas de obras que hasta entonces había sido anónimas. Desde entonces, historiadores y especialistas han participado en un intenso debate todavía sin cerrar cuyos resultados pueden verse en la exposición que hoy se abre en el Museo del Prado.
Javier Portús, Jefe de Conservación de Pintura Española del Prado, explica en un vídeo colgado en la web del museo que "Ribera, como buen pintor de su tiempo, estaba muy interesado en la representación de la expresión y de las emociones y las imágenes de martirio, de tortura, de penitencia, constituían para él un campo muy adecuado para ahondar en ese tipo de investigaciones”.
Caracterizado por un lenguaje naturalista y una paleta cromática tirando a los tonos terrosos en sus inicios,Ribera siempre mostró interés por una marcada anatomía en sus pinturas. Descriptivo, intenso y dramático, la Biblia fue un auténtico manantial de inspiración para su obra. Con un estilo muy marcado y personal desde sus primeras pinceladas, Ribera no cayó en la comodidad y el apalancamiento, sino que a lo largo de sus muchos años de creación siguió explorando el arte pictórico en busca de nuevas técnicas y formas de plasmar las emociones. Maestro del tenebrismo y de la herencia de Caravaggio, su figura es clave en el arte del siglo XVII.
Datos prácticos sobre la exposición
La muestra se divide en varios espacios recorriendo los primeros pasos con la paleta y el pincel de Ribera. Todo arranca con ‘José de Ribera versus Maestro del Juicio de Salomón’, obra clave que ha supuesto la atribución de decenas de pinturas al artista valenciano en los últimos años. Le sigue ‘Ribera en Roma: los cuadros de historia’. En este apartado se encuentra ubicada otra de sus pinturas de reciente atribución, ‘El martirio de San Lorenzo’, procedente de la Basílica del Pilar de Zaragoza.
La tercera etapa lleva por nombre ‘Entre Roma y Nápoles: medias figuras’. Las figuras aisladas y en pareja de medio cuerpo, la mayoría representado a santos del Nuevo Testamento, fueron un tema recurrente en aquella época. La muestra se cierra con ‘Ribera en Nápoles’. En esta ocasión, el formato apaisado y con muchos personajes deja paso al vertical con temas que plasman a la devoción y la Pasión.
La muestra ‘El joven Ribera’ permanecerá abierta al público hasta el próximo 31 de julio. Complementando el itinerario habitual, el museo ofrece la posibilidad de participar en uno didáctico de forma gratuita. Solo hay que inscribirse 15 minutos antes de que dé comienzo la actividad en el punto de encuentro del Área de Educación (vestíbulo del Edificio Jerónimos). Además, también han sido programados un ciclo de conferencias, un curso monográfico y varias actividades más como complemento a la exposición. Los horarios y días pueden consultarse en la web del museo.
Y para quienes no puedan desplazarse al Prado, en la web del mismo se ha colgado una visita interactiva que ofrece la posibilidad de contemplar las 32 obras expuestas y descubrir online todo lo referente a la figura de Ribera. Además, existe la posibilidad de visualizar un interesante vídeo explicativo en el que el especialista Javier Portús analiza la evolución del artista comparando algunas de sus primeras obras con otras que ya estaban en posesión del Prado. Un paseo muy tentador para los aficionados al arte más inquietos.
La Fundación María José Jove expondrá en Madrid su colección de arte
A Coruña, 31 mar (EFE).- "¿Que hace esto aquí?" es el título de la muestra que la Fundación María José Jove expondrá en el museo Lázaro Galdiano de Madrid para dar a conocer su colección de arte.
Además, con esta muestra, por primera vez en su historia el museo Lázaro Galdiano mostrará en sus salas obras de arte contemporáneo.
La muestra, que se inaugurará el 7 de abril y se podrá visitar hasta el 20 de junio, está organizada conjuntamente por las fundaciones María José Jove y Lázaro Galdiano.
"¿Que hace esto aquí?" es una selección de obras de artistas de primera línea de arte contemporáneo español y europeo, procedentes de la colección de arte de la Fundación María José Jove, que se presentarán en diálogo directo con las obras clásicas que en su día coleccionó José Lázaro Galdiano.
La muestra, que recorrerá la totalidad del museo en sus cuatro plantas de exhibición permanente, será además una reflexión sobre el papel que el coleccionismo privado ha tenido en la protección y conservación del patrimonio, especialmente a partir del siglo XIX.
En este sentido se presentan las obras de dos coleccionistas que viven épocas consecutivas y que coleccionan según los gustos, las modas y el mercado que corresponden a su época.
José Lázaro Galdiano se interesó por el arte de tiempos pasados y su colección abarca desde el siglo VI antes de Cristo hasta los inicios del XX.
En cambio, la colección de la Fundación María José Jove, que apuesta por lo moderno y contemporáneo, arranca en el último cuarto del siglo XIX y se extiende hasta el presente siglo XXI, por lo que una primera termina donde comienza la segunda.
Con motivo de la muestra, que está comisariada por Amparo López Redondo, conservadora-jefe del Museo Lázaro Galdiano y Marta García-Fajardo, directora de la Colección de Arte de la Fundación María José Jove, se editará un catálogo prologado por la catedrática Estrella de Diego.
De forma paralela a la exposición se celebrarán unas jornadas de tres días sobre el coleccionismo privado, en las que participarán algunos de los expertos y coleccionistas más relevantes de España.
El Museo de Arte Moderno de París abre sus salas a la explosión fovista del holandés Kees van Dongen
La dentellada del color
Marchandes d'herbes et d'amour.-
Fovista, anarquista y mundano. Esa es la triple condición que los responsables del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París aplican a la figura del pintor holandés Kees van Dongen (Rotterdam, 1877-Mónaco, 1968), uno de los artistas que con más ahínco y lujo de color retrató los locos años veinte parisienses. La exposición que protagoniza Van Dongen pretende abarcar todas sus facetas. Esta sigue el recorrido del artista y gran vividor desde las calles de su Rotterdam nativo, pasando por los cabarés de Pigalle hasta llegar a los salones burgueses de la capital francesa. La muestra participa así en la recuperación de esta figura libre y algo marginada en la historia del arte contemporáneo, difícil de encasillar, pero cuyo uso ilimitado y desacomplejado del color lo sitúa como un preclaro embajador del movimiento fauvista.
Cambió la bohemia por el lujo parisiense y escribió: "Vivir es el cuadro más bonito"
"Queríamos recordar que Van Dongen ha sido un artista mayor de principios del XX, que destaca por su libertad y por la rapidez y variedad de su evolución", explica Fabrice Hergott, director del museo parisiense. Para ello concentra alrededor de un centenar de pinturas y dibujos, incluidas sus viñetas de prensa y sus carteles de presentación de espectáculos.
Variada y extremadamente rica, la muestra destaca por su intensidad, consecuencia de su apuesta por limitarse a los mejores años del artista, en concreto 1895-1931. Recuerda sus primeros dibujos y pinturas antes de instalarse en la capital francesa en 1899. Se detiene por su paso por el Montmartre de Picasso, con quien compartió residencia y taller en el mítico Bateau Lavoir, así como modelo, Fernande Olivier. El recorrido culmina con su mudanza al Montparnasse del periodo de entreguerras, donde se consagró como anfitrión de sonadas fiestas selectas y como retratista del adinerado mundo artístico y aristocrático; una suerte de Andy Warhol de los años veinte.
En todo el recorrido, se explora sus experimentaciones con los diferentes estilos, como el neoimpresionismo de Paul Signac, antes de dejar paso a los retratos de poses y colores característicamente fauvistas. Expone también sus Luchadoras (1908), su respuesta aLas señoritas de Aviñón de Picasso, donde demuestra su falta de interés por el cubismo. El todo deja patente su amor confeso por "la vida, el arte y las mujeres", a las que retrata vestidas o desnudas, siempre con enormes ojos pintados de negro. Abarcan desde las voluptuosas mujeres de las clases más populares hasta las afinadas y elegantes burguesas, cubiertas de joyas y accesorios.
La muestra se detiene en 1931, antes de la caída en desgracia del artista. Deja así de lado sus últimos 37 años, en los que se le acabó la inspiración y se volvió reiterativo. "Hemos decidido centrarnos realmente en lo mejor de su obra", relata Hergott. También elimina el episodio que le dio el último empujón fuera de los círculos artísticos de moda. Se trata de un viaje organizado por el escultor Arno Breker a la Alemania nazi de 1941, a cuya invitación cometió el error de responder favorablemente.
Aunque centrada en su periodo parisiense, la muestra también recuerda su vena orientalista. Entre 1910 y 1913, viajó a España, Marruecos y Egipto. Será, de hecho, el retrato de una mujer adornada por un precioso mantón de flores español el que será censurado en el Salón de Otoño de 1913. Le tableau fue retirado por la policía, que consideró indecente la imagen desnuda de la modelo, a la sazón su esposa Guus.
Muchos reprocharon al joven y pobre anarquista que llegó a la capital francesa, el haber traicionado sus valores y haberse dejado llevar por el brillo del París más selecto. Le acusaron de bohemio disfrazado de pijo. Él nunca negó su gusto por la buena vida. Como escribió en 1927: "Vivir es el cuadro más bonito. El resto no es más que pintura".
Nueva York, 30 mar (EFE).- Un dibujo del artista estadounidense Roy Lichtenstein que costó 10 dólares en un sorteo podría venderse por un millón de dólares en una puja en Nueva York, que la casa de subastas Christie's organiza el próximo 11 de mayo.
Un dibujo de Lichtenstein que costó 10 dólares podría alcanzar un millón en la puja
Un dibujo de Lichtenstein que costó 10 dólares podría alcanzar un millón en la puja
EFE:
Se trata de "Drawing for Kiss V", un boceto original que Lichtenstein (1923-1997) realizó en 1964 con lápiz y ceras de colores para su obra "Kiss V", según informó Christie's en un comunicado, en el que puntualizó que ahora tiene un valor estimado de entre 800.000 y 1.200.000 dólares.
Su actual propietario lo adquirió en un sorteo en 1965 en uno de los eventos que organizaba el "Key Club", formado por artistas pop emergentes a finales de los años sesenta.
Los participantes se reunieron entonces en el hotel Chelsea de Nueva York y cada uno pagó 10 dólares por una llave de una taquilla de la estación de trenes Penn Station, situada en la Gran Manzana.
Al abrir las taquillas, encontraron obras donadas por importantes artistas como Roy Lichtenstein o Andy Warhol (1928-1987), entre ellas el dibujo que ahora sale a subasta, que había permanecido desde entonces en una colección privada.
Pintura, cine, literatura, música hacen de la ciudad andaluza una de las grandes urbes culturales de España. Estos días celebra, además, la inauguración del nuevo Museo Carmen Thyssen mientras extiende la alfombra roja del célebre Festival de Cine Español
Málaga, capital de la pintura y del cine
Carolina Oubernell
Actualizado martes 29/03/2011 16:45 horas
Málaga es mucho más que la capital de la Costa del Sol. Estos días ha demostrado ser una de las ciudades culturales más inquietas de España. Pintura, música, literatura y cine son artes que parecen sentirse cómodas en esta urbe plural, luminosa y cosmopolita. La pasada semana abrió sus puertas el Museo Carmen Thyssen, una de las mayores y más valiosas colecciones de pintura española del XIX. Málaga refuerza así su apuesta por ser una de las grandes ciudades del circuito pictórico internacional. El Carmen Thyssen se suma al Museo Picasso Málaga y al Centro de Arte Contemporáneo, cerrando un tentador triángulo artístico que se inicia en el realismo del XIX, prosigue con las vanguardias del XX y se adentra en la modernidad del XXI.
El Museo Carmen Thyssen abre sus puertas en el Palacio de Villalón, en la céntrica calle Compañía. La colección permanente la forman 230 obras entre las que destacan cuadros principales de artistas como Ignacio Zuloaga, Julio Romero de Torres, Joaquín Sorolla o Carlos de Haes. Con más de siete mil metros cuadrados, el Carmen Thyssen hace un recorrido por la pintura española del XIX de un modo singular. Las primeras salas están dedicadas a los maestros antiguos como Zurbarán que influenciaron en los pintores decimonónicos. Las salas invitan a pasear por las diferentes fases por las que la pintura española pasó a lo largo del siglo XX.
Foros y debates
Del romanticismo al costumbrismo y del preciosismo al naturalismo. Más allá de la colección permanente, dispuesta en las tres salas rehabilitadas en el viejo palacio barroco, el visitante podrá disfrutar de una notable programación temporal. El día 11 de abril está previsto que se inaugure la exposición dedicada al siglo XX, en el que destacan obras de Picasso, Francisco Bores, Antonio Saura o José Gutiérrez Solana, entre otros. Pero no sólo de pintura vive Málaga. Estos días la capital de la Costa del Sol es una ciudad de cine. Sus principales escenarios públicos están decorados con alfombras rojas para celebrar el décimo cuarto Festival de Cine Español.
Una de las finalidades del festival de cine es servir de escaparate para nuevos filmes y para jóvenes creadores.
El principal certamen de cine nacional nació en el año 1998. Su intención era favorecer la difusión y la promoción del séptimo arte nacional. Este año han vuelto los foros, los debates y los encuentros con el fin de analizar todo lo relacionado con el cine en España. Además el festival sirve de escaparate para nuevos filmes y para jóvenes creadores. Abarca el cine español inédito en formatos de largometrajes, cortometrajes y documentales. Edición tras edición ha ido creciendo en visitas, expectación y en proyección internacional. Actores y directores españoles pasean estos días las calles de la capital de la Costa del Sol y promocionan sus trabajos.
Málaga es una ciudad llena de tentaciones culturales. A la pintura y el cine se suma la música cuyos ciclos, semanas y festivales veraniegos atraen a vecinos y foráneos. Hay un Museo Interactivo de la Música, ubicado en los subterráneos del aparcamiento de la plaza de la Marina. Sus salas muestran una de las más importantes colecciones de instrumentos procedentes de los cinco continentes. Hasta trescientos de los mil instrumentos recopilados por el coleccionista Miguel Ángel Piédrola Orta, ordenados según su antigüedad y procedencia, pueden ser contemplados en las vitrinas del centro.
Experiencia musical y sensorial
El carácter participativo del centro está reflejado en los carteles que dicen Se ruega tocar. Please, play, que invitan al visitante a participar de la experiencia de la música y el sonido a través de los ordenadores instalados en las salas, de las estaciones sonoras y de la tecnología multimedia. Málaga es una ciudad ligada al arte, la cultura y la palabra. Cualquier paseo nos hará tropezar con un museo, una librería, una sala de exposiciones, un concierto callejero o un improvisado recital de poesía. Su carácter cultural le viene de antiguo.
Las letras y el arte entraron a Málaga por la mar. Cuentan las crónicas que los gobernantes hacían traer hasta la Alcazaba nazarí a los poetas más renombrados del último reino hispanoárabe de la península para alimentar el espíritu. Algo parecido debió ocurrir siglos antes en el teatro romano que se halla a los pies del cerro de Gibralfaro, frente a la calle Alcazabilla. Y de la Málaga burguesa y decimonónica dan fe el recuerdo de sus ateneos, de sus liceos y hasta de sus cafés cantantes como el de Chinitas, próximo a la plaza de la Constitución y la calle Larios, donde Federico García Lorca halló inspiración para algunos de sus más emocionados versos.
El plazo de entrega de cuadros finalizará el 11 de abril en l’Auditori de la Mediterrània de La Nucía.
I Certamen de Pintura Figurativa "Francesco de Benedetta"
El I Certamen de Pintura Figurativa "Francesco de Benedetta” de La Nucía está abierto a todos los artistas mayores de edad y cuenta con premios económicos y promocionales. Los tres primeros de este concurso de pintura participarán en un certamen internacional en Italia en mayo.
Este I Certamen de Pintura Figurativa "Francesco de Benedetta” organizado por la "Academia Internazionale d’Arte Moderna”(AIAM) de España, Fundación Creatia con el patrocinio de la concejalía de Cultura del Ayuntamiento de La Nucía y la colaboración de la Universidad Miguel Hernández.
El plazo de entrega de cuadros finalizará el 11 de abril en l’Auditori de la Mediterrània de La Nucía. Las obras presentadas al concurso se expondrán en el centro cultural nuciero del 15 al 29 de abril. En el certamen cada artista podrá presentar un máximo de dos obras. La técnica será libre pero tendrá que ser pintura figurativa. El cuadro presentado no podrá exceder los 130 cm. y no pesar más de 8 kilos. Las obras no llevarán la firma y se ajuntará un sobre cerrados con los datos del autor.
Este certamen contará con premios económicos para las tres mejores obras. Un primer premio de 300 €, un segundo premio de 200 € y un tercer premio de 100 €. Además los tres ganadores quedarán seleccionados para participar en el "XXXIV Concurso Internacional Medusa Aurea” del 22 al 29 de mayo en Roma (Italia), organizado por la AIAM ("Academia Internazionale d’Arte Moderna”).
"Esperamos que este nuevo certamen de pintura tenga una gran aceptación y que tenga una continuidad en el futuro. Queremos animar a todos los artistas de La Nucía y la comarca de la Marina Baixa en este certamen de pintura, cuyos ganadores participarán en un concurso internacional de arte en Roma. Un premio promocional más importante que el económico y que esperemos ayude a promocionar a los jóvenes creadores y artistas de la Marina Baixa” afirma Julio Camacho, concejal de Cultura del Ayuntamiento de La Nucía.
XXXVII Premio Bancaja de Pintura, Escultura y Arte Digital
El plazo de inscripción del XXXVII Premio Bancaja de Pintura, Escultura y Arte Digital 2011 se abre el29 de marzo y se cierra el 8 de abril. Cada participante, de cualquier nacionalidad, puede concurrir a una sola de las tres disciplinas, Pintura, Escultura y Arte Digital. Deberá cumplimentar el boletín de inscripción que se encuentra en la web. En el boletín se detallará en cuál disciplina desea presentarse. Sólo es válido si toda la información (boletín y archivos adjuntos) está escrita en uno de los 3 idiomas: español, valenciano e inglés. Se debe incluir una fotografía de la obra para las modalidades de Pintura y Arte Digital y como máximo tres fotografías en la modalidad Escultura, formato JPG o PNG y tamaño máximo 256 kb A 1024 kb. Un documento de Word con breve explicación de la obra y su montaje con un máximo de 5.000 caracteres. Y currículo del artista con un máximo de 10.000 caracteres. Una vez recibidas las inscripciones, se procederá a seleccionar las obras; se comunicará el resultado y los artistas seleccionados harán llegar los originales de sus obras del 19 al 29 de abril al Centro Cultural Bancaja, Plaza de Tetuán 23, Valencia, CP 46003. Con las obras seleccionadas y premiadas se realizará una exposición en el IVAM. Las obras presentadas deberán ser inéditas y originales, no premiadas en otros certámenes. Pinturas con medidas entre 65 y 200 cm en cualquiera de sus lados, sin enmarcar y con bastidor. Esculturas cuyas medidas no excedan de 200 x 120 x 120 cm ni pesen más de 200 kilos, realizadas en material definitivo. Arte Digital con medidas no inferiores a 65 cm ni mayores a 200 en cualquiera de sus lados. Se presentarán en soporte auto sostenible, no virtual, y no se aceptan soportes magnéticos (vídeos) ni digitales (CD-Rom, Web, etc.) Para cada modalidad -Pintura, Escultura y Arte Digital- se establece un premio dotado con 12.000 euros y un accésit de 6.000. http://obrasocial.bancaja.es/
El Museo de Arte Moderno de la capital rusa acoge desde mañana una selección de 59 obras de la Colección Arte Contemporáneo-Museo Patio Herreriano de Valladolid
El arte «made in Spain» toma Moscú
José Lladó, en su despacho, junto a una obra de Millares. Foto: ERNESTO AGUDO
NATIVIDAD PULIDO
Tras la llegada de los tesoros del Prado al Hermitage de San Petersburgo en una gran exposición que inauguraron los Reyes, y también enmarcada dentro del Año Dual España-Rusia, ahora toma el relevo el arte contemporáneo, que desembarca en el Museo de Arte Moderno de Moscú (MMOMA) a partir de mañana y hasta el 9 de mayo. Bajo el título «Ficciones y realidades», esta muestra repasa la creación española de la última década a través de 59 obras de 39 artistas. Todas ellas proceden de la Colección Arte Contemporáneo, cuyos fondos (1.122 obras) fueron cedidos en comodato al Museo Patio Herreriano de Valladolid. Esta colección es un curioso y pionero modelo de mecenazgo en nuestro país. Un grupo de destacadas empresas privadas españolas (Accenture, ACS, BBVA, Banco Pastor, Bodegas Vega Sicilia, Grupo Gas Natural, Técnicas Reunidas o Zara España, entre otras) asumió hace 25 años, en 1986, el compromiso de formar una colección de arte contemporáneo, contribuyendo con ello a conservar y divulgar nuestro patrimonio artístico.
Desde el año 2000 preside José Lladó la Asociación Colección Arte Contemporáneo, que ha promovido esta exposición, patrocinada y financiada por Alliance Group (uno de los principales grupos empresariales privados del sector energético ruso) y Técnicas Reunidas, empresa española de ingeniería líder en la construcción de refinerías, presidida también por Lladó. Nos recibe en su despacho, donde cuelgan obras de Millares, Canogar, un retrato de Unamuno pintado por Echevarría y una preciosa tabla hispanoflamenca del maestro de Miraflores, del siglo XV, que adquirió hace poco en una galería catalana. Y es que la cultura siempre ha estado presente en toda su trayectoria profesional: preside el Jurado del premio Príncipe de Asturias de las Artes y la Fundación Zubiri, fue presidente del Patronato del Museo Reina Sofía... Como embajador de España en Estados Unidos (1976-1982) vivió muy de cerca el viaje definitivo del «Guernica» a España en el 81. «Algo tuve que ver», dice mientras nos enseña una fotografía en la que aparece junto a Íñigo Cavero, Javier Tusell y Richard Oldenburg, entre otros, ante el célebre cuadro la noche en que se embaló por última vez en el MoMA antes de emprender su último viaje. Aprovechamos para conocer su opinión sobre si debe estar en el Reina Sofía o en el Prado: «Está en un lugar magnífico; sería una pena quitarlo de ahí, porque ayuda a potenciar la colección española del museo; en el Casón no podía estar peor».
María Corral es la coordinadora de adquisiciones de la Colección Arte Contemporáneo y comisaria de esta exposición que ha viajado a Moscú. La selección de artistas que ha hecho es bastante ecléctica —un síntoma del arte actual—, donde conviven nombres consagrados junto a jóvenes valores. Hay pintura, escultura, dibujo, fotografía, vídeo e instalaciones. Esta colección se ha movido por España y el extranjero (hubo una muestra reciente en Oporto), además de continuos préstamos de obras para exposiciones. A José Lladó le hace ilusión llevar el nuevo arte español a Rusia, cuyo mercado, dice, es muy importante. Además, su empresa tiene en este país intereseses estratégicos: es responsable de la modernización de la refinería de Khavarovsk.
Cree Lladó que el arte español contemporáneo «es pujante y muy creativo; se han abierto campos nuevos insospechados», pero se lamenta de que, como en otros tantos ámbitos, «los españoles vendemos fatal todo». A ello, dice, hay que sumar que «el despegue internacional para un artista es hoy dificilísimo. Pero no siempre el mejor vino es el que mejor se vende». Insiste una y otra vez José Lladó durante la conversación en tres palabras: creatividad innovación e internacionalidad. érminos que forman parte tanto del espíritu de la empresa que preside (Técnicas Reunidas) como de su faceta como coleccionista, de su manera de entender el arte. Nos muestra fascinado imágenes de algunas refinerías que han construido por todo el mundo: Australia, Arabia Saudí, China, Egipto, México, Argelia... Es cierto que parecen obras de arte de gran belleza plástica. «Somos creativos, nos esforzamos por innovar y llevamos a cabo una proyección internacional».
Le preguntamos por la curiosa fórmula que rige la Colección Arte Contemporáneo que preside: «Es una fórmula rarísima pero muy inteligente. Unos asesores hacen las propuestas de compras y se incorporan a un fondo. Al final de año se hacen lotes y se reparten entre las empresas que conforman la asociación. Somos cien por cien propietarios de las obras, pero tenemos la obligación de cederlas a la asociación para ser expuestas en el Museo Patio Herreriano, que es espléndido». ¿Qué beneficios tiene este modelo? «Difundir el arte español; no tenemos las obras colgadas en nuestros salones». «Este país —continúa— necesita que se fomente la cultura y la creatividad». También, que se apoye más al arte: «En España no se estimula el coleccionismo, parece una carga».
Barreda asiste este martes en Toledo a la apertura de la exposición antológica dedicada al pintor Benjamín Palencia
TOLEDO, 28 Mar. (EUROPA PRESS) -
El presidente de Castilla-La Mancha, José María Barreda, asistirá este martes a la apertura de la exposición antológica que el Gobierno de Castilla-La Mancha, con la colaboración del Ministerio de Cultura, entre otras entidades, dedica al pintor Benjamín Palencia en el Museo de Santa Cruz de Toledo.
Con esta muestra, el Gobierno autónomo pretende homenajear a uno de los grandes de la pintura contemporánea, a un castellano-manchego nacido en Barrax (Albacete), figura clave de la vanguardia española, según ha informado la Junta en nota de prensa.
'Benjamín Palencia 1894-1980', que tras su paso por Toledo viajará a Albacete, la provincia donde nació este artista, toma así el testigo al homenaje que el Gobierno regional le rindió en 2010 al concederle la Medalla de Oro de Castilla-La Mancha coincidiendo con el 30 aniversario de su fallecimiento.
Se trata, por tanto, de una retrospectiva que se podrá visitar en el crucero inferior del Museo de Santa Cruz hasta el mes de agosto. Entre los atractivos de esta exposición destaca la posibilidad única de conocer obra del pintor de Barrax que nunca se ha expuesto al público y que pertenece a colecciones privadas.
La muestra está comisariada por la conservadora del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, María José Salazar; el responsable del Archivo Benjamín Palencia y autor del catálogo, Ramón Palencia, y la especialista en arte contemporáneo, Miriam Pablos.
Otro de los atractivos y valores importantes que tiene esta exposición es el libro que ha editado el Gobierno de Castilla-La en el que se actualizan y revisan los estudios sobre la vida y la obra de Benjamín Palencia. Esta publicación ofrece datos actualizados sobre el artista, gracias a la colaboración del Archivo Benjamín Palencia, continuando así con el trabajo realizado por José Corredor Matheos en 1976, titulado 'Vida y obra de Benjamín Palencia'.
CONTENIDO DE LA EXPOSICIÓN
En total, 52 óleos y 32 obras sobre papel configuran esta exposición, en la que se recorre la obra del artista desde sus inicios en 1915 hasta finales de los años 70, con el objetivo de ofrecer una visión lo más completa posible de su creación. La muestra está acompañada de fotografías y objetos personales de Benjamín Palencia, como cartas y libros.
La exposición ofrece un recorrido desde su formación en 1915, 'Paisaje', hasta 1975 con 'La Alhambra de Granada', apenas unos años antes de su fallecimiento, como claro exponente de su maestría potente, evolutiva, de gran fuerza plástica, de claros contenidos apegados a la tierra en la que el color toma carta de presencia plena.
Las jornadas de puertas abiertas de la pinacoteca se cerraron ayer con un notable éxito de público durante todo el fin de semana
11.000 personas han visitado el Museo Thyssen de Málaga desde su apertura
MÁLAGA. Unas 11.000 personas han visitado en Málaga el Museo Carmen Thyssen durante las jornadas de puertas abiertas, que dieron comienzo el viernes, tras ser inaugurado el jueves, y que finalizó ayer, según precisaron desde la pinacoteca. Asimismo, señalaron que el fin de semana ha transcurrido con normalidad y que los visitantes que han acudido al recinto museístico se han llevado «muy buena» impresión pues, según explicaron, «no esperaban que la galería fuese tan grande y albergase tal cantidad de obras».
Los lunes la pinacoteca permanecerá cerrada, por lo que será mañana cuando abra con normalidad, siguiendo el horario de visita: de 10.00 a 20.00 horas, y sábados y domingos, de 10.00 a 21.00 horas.
La baronesa Carmen Thyssen-Bornemisza inauguró el jueves el museo que lleva su nombre y que está gestionado por la Fundación Palacio de Villalón. Al evento también acudió el actor malagueño Antonio Banderas, la cantaora granadina Estrella Morente, el torero Javier Conde y numerosas autoridades. La previsión de la pinacoteca es alcanzar entre 200.000 y 250.000 visitantes al año, que podrán ver en el rehabilitado Palacio de Villalón, un edificio palaciego del siglo XVI, estas obras que han sido cedidas de forma gratuita por la baronesa durante 15 años.
La colección permanente de esta pinacoteca está compuesta por unas 230 obras, que recorren el arte del siglo XIX español, con especial atención a la pintura andaluza. Entre los artistas incluidos, destacan los malagueños Guillermo Gómez Gil, José Moreno Carbonero o Manuel Barrón, que conviven con Zurbarán, Joaquín Sorolla, Ignacio Zuloaga o Julio Romero de Torres.
La restauración en el Reina Sofía de «La tertulia del Café de Pombo» desvela una pintura religiosa oculta bajo el lienzo
Solana y el secreto de la Cripta Sagrada
FOTOS: PEPE LOREN / MUSEO REINA SOFÍA
Es una de las obras emblemáticas y más célebres del Museo Reina Sofía, que Ramón Gómez de la Serna legó al Estado español en el 47. Cuelga en la segunda planta del museo (sala 201), dedicada a la generación del 98, la España negra y las contradicciones de la modernidad. Hace dos años (en junio de 2009) fue retirada de la colección permanente para hacerle un lavado de cara y, de camino, evaluar el estado del cuadro. Un equipo de científicos y técnicos, capitaneado por Jorge García, jefe del Departamento de Restauración del CARS, y Juan Sánchez, restaurador del museo, se pusieron manos a la obra y descubrieron dos problemas que, sin ser graves, convenía solucionar. Por un lado, la aparición de craquelados (pequeñas grietas) que cruzaban verticalmente el centro de la composición. Eso sí, no había desprendimiento de pintura. Además, los barnices habían perdido su transparencia y se habían vuelto opacos (lo que en la jerga de los expertos denominan el pasmado del barniz). Se analizó la obra con luz ultravioleta e infrarrojos, pero, como Solana empastaba mucho sus cuadros, los infrarrojos no atravesaban las capas de pintura. Ya entonces se descubrió un elemento que no correspondía con el cuadro, lo que les hizo sospechar. La sorpresa que escondía el cuadro solo se desvelaría gracias a los rayos X. Dadas las grandes dimensiones del lienzo (162 por 210 centímetros), fue una tarea compleja: hubo que montar siete placas sobre el reverso para cubrir toda la superficie. Y fue entonces cuando apareció, ante los incrédulos ojos de los restauradores y con toda nitidez, una composición muy elaborada bajo «La tertulia del Café de Pombo» (1920). Pero no acababan ahí la sorpresas. Quedaba aún otra más: la pintura subyacente es de carácter religioso. Solana había utilizado para ella el lienzo de forma vertical (el cuadro actual es horizontal). Es una escena de interior de iglesia: aparece un altar barroco cubierto con un paño blanco y sobre él objetos de culto y tres candelabros. También se aprecian dos cabezas, probablemente de bustos relicarios de mártires. En el fondo, la imagen de la Virgen. En primer plano, una figura arrodillada, con la mano derecha apoyada en el suelo —no se advierten ni la cabeza ni los pies—. Se cree que es un disciplinante. Diez años después, en 1930, Solana pintó «Antes de la procesión», en el que aparece una figura similar. Y vemos otra parecida en «El tránsito de San Ignacio», de 1931. No era muy habitual, dicen los especialistas, que Solana reutilizara lienzos ya pintados, y menos para un encargo tan importante como el que le hizo Gómez de la Serna para decorar la tertulia del Café de Pombo. Con este estudio en profundidad del cuadro se han despejado algunas dudas: se sabe ahora que la causa de los craquelados es el empaste de la pintura que Solana utilizó para el paño sobre el altar: empleó mucho blanco de plomo, lo que agrietó el lienzo. Pero quedan otras dudas sin resolver. ¿Por qué esa escena religiosa oculta en «La tertulia del Café de Pombo»? Muchos de los tertulianos que allí se reunían no eran muy creyentes que digamos. ¿Fue una broma de Solana? ¿Lo sabían sus amigos allí congregados? Nunca lo sabremos. Casualidad o no, aquella mítica tertulia se denominaba «La Sagrada Cripta del Pombo». Hoy ese nombre alcanza una nueva dimensión, que encandilaría al mismísimo Dan Brown, especialista en hallar claves ocultas en las obras maestras del arte. Luce el cuadro en el Reina Sofía con una nueva luz. Sorprende el brillo del lienzo. Nos explican los expertos que se ha utilizado un barniz algo más brillante porque, si se empleaba el mate, el cuadro volvería a perder transparencia. En la «enfermería» del museo está ahora «Mujer en azul», de Picasso. La idea es que deje de ser verde y recupere el azul perdido para final de año. El Reina Sofía se hace mayor y por las pinturas modernas también pasa el tiempo.
Hoy es el primero de los tres días de puertas abiertas con los que la pinacoteca, situada en calle Compañía, se quiere dar a conocer entre malagueños y visitantes
Colas en el primer día de apertura gratuita del Museo Carmen Thyssen de Málaga
Numerosas personas esperan su turno para entrar.:: Salvador Salas
25.03.11 - 07:45 - ANTONIO JAVIER LÓPEZ |
La calle Compañía ha amanecido esta mañana con una impresionante cola ante las puertas del Palacio de Villalón. Desde primera hora, el público se ha congregado en esta céntrica vía para disfrutar de la jornada inaugural del Museo Carmen Thyssen Málaga. Incluso, antes de la apertura de las puertas, la hilera ya enfilaba la calle Compañía en lo que se antoja como una jornada muy intensa en el recinto. Hoy es el primero de los tres días de puertas abiertas con los que el Museo Carmen Thyssen Málaga se quiere dar a conocer entre malagueños y visitantes. Quienes esperan a la entrada, aguardan para ser los primeros en contemplar los fondos de la pinacoteca cuya tienda y salón de actos ya lucen terminados a ambos lados del Palacio de Villalón. Con los operarios todavía rematando algunas dependencias del recinto, el Museo Carmen Thyssen Málaga se presentaba el miércoles en sociedad con la vocación de convertirse en un revulsivo cultural y turístico -y, por tanto económico- para la capital de la Costa del Sol. El nuevo equipamiento cultural nace de la colaboración público-privada entre el Ayuntamiento de Málaga y la baronesa Thyssen, que cede hasta el año 2025 un conjunto de 230 obras de arte que componen la colección del centro. Casi 30 millones de euros se han invertido en este nuevo equipamiento cultural, repartidos entre la rehabilitación del palacio de Villalón -diseñada por los arquitectos Rafael Roldán y Javier González- y las expropiaciones de los inmuebles anexos que, de manera conjunta, forman el Museo Carmen Thyssen Málaga. Una actuación acometida «en un tiempo récord», tal y como destacó la propia baronesa durante la presentación del espacio que lleva su nombre y muestra parte de su colección. Unos fondos que tienen su principal baza en la pintura española del siglo XIX. Sin embargo, Carmen Thyssen-Bornemisza recordó el pasado miércoles que la propuesta de la institución cultural comienza -al menos en el ámbito cronológico- a partir de los restos romanos que ocupan el sótano del recinto. La planta baja recibe al visitante con una sala dividida en dos apartados temáticos: Costumbrismo y Paisaje Romántico. Flanquean la puerta de entrada dos cuadros de Andrés Cortés y Aguilar ('Paisaje fluvial con lavandera y pescado' y 'Lavanderas y pescadores en paisaje costero') fechados en 1863. Escenas costumbristas El tipismo de la España del XIX puebla este primer espacio: bandoleros, gitanas, toreros y comerciantes desfilan por una sala en la que reclaman el protagonismo las obras de Joaquín Domínguez Bécquer, Manuel Cabral Aguado Bejarano o Alfred Dehodenq. En relación con este último, merecen una parada un poco más detenida sus lienzos de gran formato 'Un baile de gitanos en los jardines del Alcázar, delante del pabellón de Carlos V' y 'Una cofradía pasando por la calle Génova, Sevilla' (los dos datados en 1851). En cuanto a Paisaje Romántico, citar como principales referencias a Manuel Barrón y Carrillo ('Vista del Guadalquivir', 1854) y a Genaro Pérez Villaamil ('Corrida de toros en un pueblo', 1838). La directora del museo María López explicaba ayer que la colección se ha ordenado siguiendo un criterio estético y no cronológico, de manera que la visita permite apreciar la evolución estilística experimentada en la pintura española de los tres últimos siglos. Porque el catálogo pictórico del Museo Carmen Thyssen Málaga comienza a mediados del siglo XVII con 'Santa Marina' (c. 1640 - 1650) de Francisco de Zurbarán, una de las piezas más emblemáticas de la colección que ocupa la sala dedicada a los Maestros Antiguos. Un espacio que, ya en la segunda planta, reserva una de las grandes sorpresas del paseo. Se trata de 'Cristo muerto', una talla del siglo XIII procedente del Museo Nacional de Arte de Cataluña que preside la estancia, en la que 'Virgen con el niño' (1250) y 'Pareja de ángeles portando candelabros' (atribuida al taller de Della Rubia) se suman a ese contrapunto escultórico. Paisaje naturalista El aire sacro de los Maestros Antiguos da paso a las obras inscritas en los apartados Paisaje Naturalista y Preciosismo. Carlos de Haes ('Paisaje con una vacada en un río', 1859) representa el exponente más destacado en el primer segmento, mientras que en lo relacionado con la pintura preciosista conviene no olvidar los cuadros de Marià Fortuny i Marsal ('Paisaje norteafricano', c. 1862) y José Moreno Carbonero ('Ca d'Oro', c. 1897). El segundo piso deja la nómina de autores a caballo entre el XIX y el XX. Julio Romero de Torres, Joaquín Sorolla, Ignacio Zuloaga, Darío de Regoyos, José Gutiérrez Solana o Francisco Iturrino ilustran el tránsito hacia la modernidad de la pintura española. Un viaje apasionante que ahora brinda el Museo Carmen Thyssen Málaga.
EL CENTRO
Sede. Palacio de Villalón y varios inmuebles anexos. Suman 7.147 metros cuadrados. Entradas. Seis euros la general, 3,5 euros la reducida y nueve la combinada (colección y exposición temporal). Puertas abiertas. El museo tendrá acceso gratuito de viernes a domingo. Horario. De martes a viernes de 10.00 a 20.00 horas; sábados y domingos, de 10.00 a 21.00 horas. Los lunes el museo permanecerá cerrado. Dirección. C/ Compañía, 10.
La baronesa, muy "ilusionada" y convencida de su "gran éxito". El actor malagueño Antonio Banderas estará en la inauguración el día 24
El Museo Carmen Thyssen Málaga, un espacio para "reivindicar" la pintura española del XIX
El Museo Thyssen Málaga reivindicará el arte español del XIX y traerá exposiciones temporales.
LAURA G. TORRES - MADRID 21.03.2011
La baronesa Thyssen lleva días rondando por las calles del centro histórico de Málaga y a pie de obrasupervisando la colocación de las 230 obraspertenecientes a su colección Carmen Thyssen-Bornemisza en las paredes del Palacio de Villalón.
En una calle estrecha de trazado musulmán, que entre los siglos XVI y XVII pasó a llamarse calle Compañía tras asentarse la Compañía de Jesús; flanqueada por la iglesia barroca del Santo Cristo de la Salud y la neogótica del Sagrado Corazón, se asienta laedificación palaciega del siglo XVI que se ha restaurado para albergar el nuevo Museo Carmen Thyssen Málaga.
Tita Cervera no quiere que quede ningún cabo suelto de cara a la apertura de la que será la primera expansión del Thyssen fuera de Madrid -está planificado otro museo en San Felíu de Guixols (Girona)-. Y, para que la inauguración del día 24 tenga aún más relumbrón, no ha dudado en pedirle que esté allí a su amigo y 'vecino', el actor internacional malagueño Antonio Banderas, que acudirá junto a Melanie Griffith. Y es que el Museo Thyssen de Málaga está a escasos 200 metros de la iglesia de San Juan, desde la que cada Semana Santa el actor saca las imágenes de su Cofradía de Fusionadas, momento que desde hace unos años no se pierde la baronesa.
Reivindicar la pintura española del XIX
A menos de 800 metros de la Casa Natal de Pablo Picasso y del Museo Picasso Málaga, abre sus puertas un museo que pretende "reivindicar la olvidada pintura española de los siglos XIX y XX", explica a RTVE.es Carmen Thyssen.
"Tengo muchísima ilusión porque son mis cuadros, los que he coleccionado durante muchos años y todos me tocan mucho el corazón", dice la baronesa, que no duda de que el Museo Carmen Thyssen Málaga va a ser "un gran éxito".
La falta de espacio del Museo Thyssen de Madrid para exhibir todos estos cuadros es uno de los motivos que llevaron a esta apertura en Málaga, en principio en una cesión de 15 años, "y también porque el alcalde de Málaga, Francisco de la Torre, me convenció tras estar un año hablándome de la importancia de que esta colección estuviera en Andalucía", señala.
"Además, el edificio del Palacio de Villalón es una maravilla y gracias al museo se ha restaurado. Estoy muy feliz de que esta zona tan bonita de Málaga se haya podido recuperar", asevera la baronesa Thyssen.
Un paseo coherente por el arte del XIX
Los 7.147 metros cuadrados del museo -entre el Palacio de Villalón y los edificios de nueva planta anexos- acogerán obras de artistas como Mariano Fortuny, Raimundo de Madrazo, Muñoz Degrain, Aureliano de Beruete, Darío de Regoyos, Julio Romero de Torres, Joaquín Sorolla o Ignacio de Zuloaga, que harán un recorrido coherente por el arte español del siglo XIX, en el que se prestaespecial atención a la pintura andaluza.
La colección se estructurará en cuatro grandes apartados: los maestros antiguos; el paisaje, del romanticismo al naturalismo; del costumbrismo al preciosismo; y la modernización de la pintura española en el fin de siglo.
Aunque la temática central del museo sea la pintura del XIX y el XX, el museo dedica una sección a los maestros antiguos, en la que destaca la presencia del barroco tenebristaFrancisco de Zurbarán, con su Santa Marina, destinada a exponerse en la antigua capilla del Palacio de Villalón. También en este apartado se incluirán obras sobre Cristo de Jerónimo Ezquerra, muy influenciado por el colorismo y la vibrante técnica de Tiziano.
En la segunda sección, además de una muestra del interés del romanticismo nórdico por la orografía andaluza con la obra Playa de Estepona del alemán Fritz Bamberger, de los pocos artistas españoles que alcanzaron popularidad con el romanticismo, el Thyssen trae la veta brava de los paisajes de Eugenio Lucas Velázquez y al gran paisajista romántico español por excelencia, Jenaro Pérez Villamil, que favorecerá la evolución hacia el paisaje realista.
Fue el español de origen belga Carlos de Haes el que reaccionó, tardíamente con respecto a Francia, frente al sentimentalismo subjetivo del paisajismo romántico con una interpretación realista y natural del paisaje. Y fueron discípulos suyos, como Aureliano de Bereute, los que desarrollaron plenamente esa concepción.
El paisajismo naturalista de Cataluña, Valencia y Andalucía también está representado por artistas como Eliseo Meifrén, Muñoz Degrain, Modest Urgell o Emilio Sánchez Perrier.
Costumbrismo, preciosismo y modernización
El Museo Carmen Thyssen Málaga también atestigua el interés de los viajeros románticos extranjeros por las costumbres españolas, plano en el que Andalucía se convirtió en la quintaesencia de la imagen romántica de España con su arquitectura morisca, su flamenco, sus toros, sus bandoleros, sus procesiones... de lo que es claro ejemplo el francés Alfred Dehodenq. Influidos por ellos, pintores comoLeonardo Alenza, Manuel Cabral Aguado Bejarano, Joaquín Domínguez Bécquer, José García Ramos y Eugenio Lucas Velázquez fueron exponentes de lapintura costumbrista andaluza.
En la segunda mitad del siglo XIX, el gusto artístico en España sufrió una profunda transformación de la mano de Mariano Fortuny, maestro del preciosismo, que tuvo un enorme éxito en el comercio artístico burgués. Su impronta se dejó notar en otros artistas como José Benlliure, José García Ramos, Lucas Villaamil, Raimundo de Madrazo, Moreno Carbonero, Emilio Sala o Ignacio Pinazo.
A finales de siglo, la pintura española comienza a mirar frente a frente a la pintura parisina y se moderniza. La escuela valenciana, además de con obras de Muñoz Degrain o Emilio Sala, está representada con su mejor maestro, Joaquín Sorolla, con obras tan importantes como Garrochista, Patio de la Casa de Sorolla o Rompeolas.
En este apartado también se incluyen obras de Julio Romero de Torres, López Mezquita, Ignacio Zuloaga y Darío de Regoyos. Como autores de un lenguaje claramente moderno a Ramón Casas, Ricard Canals o Francisco Iturrino, en contacto directo con la bohemia parisina.
Picasso y Monet, en las exposiciones temporales
El Museo Carmen Thyssen de Málaga albergará anualmente tres exposiciones temporales, de producción propia y en asociación con el Thyssen de Madrid y en colaboración con instituciones culturales internacionales.
La primera exposición temporal se ha retrasado al 11 de abril y llevará por título "De Picasso a Tàpies. Pintura española del siglo XX en la Colección Carmen Thyssen-Bornemisza" y que hará un recorrido por el arte español del siglo pasado con 40 importantes obras de la colección de la baronesa, entre las que se incluirán obras comoLos segadores, de Pablo Picasso, y de artistas como Isidere Nonell, Joaquin Sunyer, Josep de Togores, José Gutiérrez-Solana, Joaquín Torres-García, Francisco Bores, Pancho Cossío, Benjamín Palencia, Antonio Saura y Antoni Tàpies.
Le seguirá la muestra "Monet: La casa entre las rosas", que girará en torno a este cuadro del pintor francés y se completará con obras del mismo periodo para reflexionar sobre la relación del artista con su jardín. Y por último llegará "Sorolla en Andalucía", con 80 piezas de la obra de madurez del pintor valenciano.
Más adelante la baronesa pretende que se organice incluso una exposición sobre Pop Art, una de sus pasiones.
El museo pretende convertirse en un referente más de la, desde hace unos años, dinámica vida cultural de la capital de la Costa del Sol, con la que la baronesa, que tiene casa en Marbella, se compromete aún más. "Siempre he creído en Málaga porque su luz es especial y eso es lo que busca el pintor y también el coleccionista", confiesa la baronesa a RTVE.es, quien, no en vano, atesora como una de las primeras obras de arte que compró un paisaje malagueño, La fuente de Reding, del pintor malagueño Guillermo Gómez Gil.
El Palacio de Villalón, del siglo XVI, alberga el Museo Thyssen Málaga.RTVE
'Los segadores' (1907), de Pablo Picasso, será una de las obras que formen parte de la primera exposición temporal del Thyssen de Málaga, que se titulará "De Picasso a Tàpies".Colección Carmen Thyssen-Bornemisza en depósito en el Museo Thyssen-Bornemisza 'La casa entre las rosas' (1925), de Claude Monet, será el cuadro en torno al que gira la segunda exposición temporal del Museo Carmen Thyssen Málaga.Colección Carmen Thyssen-Bornemisza en depósito en el Museo Thyssen-Bornemisza
COLECCIÓN CARMEN THYSSEN-BORNEMISZA
’Rocas de Javea y el bote blanco’ (1905), de Joaquín Sorolla.
Para llevar a cabo la exposición, los responsables de la Fundación se desplazaron a Nueva York e iniciaron una investigación de dos años
El castillo Gala-Dalí acoge los experimentos fotográficos del artista y Halsman
Púbol (Girona). (EFE).- El Castillo Gala Dalí, situado en la población gerundense de Púbol, acoge durante la temporada 2011 que acaba de inaugurar una exposición de los experimentos fotográficos que el pintor de Figueres llevó a cabo con el neoyorquinoPhilippe Halsman.
La exposición está formada por un total de 88 fotografías, que se exhibirán hasta el próximo 31 de diciembre, y a su inauguración ha acudido la hija de Halsman, Irene, quien ha destacado durante su visita los "buenos momentos" que su padre y Dalí pasaron juntos.
La exhibición, titulada "Dalí by Halsman", tiene como comisaria a la directora del Centro de Estudios Dalinianos, Montse Aguer, quien ha explicado a EFE que el motivo del espacio creado en el castillo Gala-Dalí es el de conmemorar los setenta años del primer encuentro entre el pintor y el fotógrafo.
Para llevar a cabo la exposición, los responsables de la Fundación Dalí se desplazaron a Nueva York e iniciaron una investigación que se ha prolongado dos años.
Según Montse Aguer, "Dalí definía la pintura surrealista como una fotografía instantánea, en color y hecha a mano", por lo que su colaboración con Philippe Halsman surge de la lógica de "dos personas que creían que se podía llegar a fotografiar el pensamiento, algo que se refleja en esta exposición".
Salvador Dalí y Halsman trabajaron juntos entre 1941 y 1978, un largo período que ha llevado a Aguer a seguir en la exhibición un orden cronológico dividido en cuatro bloques.
El primero de estos apartados lleva el nombre de "Retratos, 1941-65" e incluye fotografías con Dalí como protagonistas entre las que destacan las de la serie Dali's Mustache.
El segundo bloque es "Dalí Atomicus, 1948", inspirado en el óleo "Leda atómica" y donde se pretende plasmar la idea de suspensión, y el tercero es "Escultura de luz, 1950", generado a partir de una fotografía de Gjon Mili en que aparece Picasso pintando un minotauro en el espacio con una pequeña luz a modo de pincel.
El último apartado es "La calavera, 1951", en el que se parte de una doble imagen de una obra de Dalí en la que, por medio de siete desnudos femeninos, se conforma una calavera.
Montse Aguer destaca el importante trabajo de "creación y experimentación" que se aprecia en las 88 fotografías de Salvador Dalí y Philippe Halsman, expuestas en la nueva temporada del castillo Gala-Dalí, una apuesta de la Fundación Dalí como escenario de la obra del pintor ampurdanés junto al Teatro Museo de Figueres y a la Casa que el artista tenía en Cadaquès.
Estará del 23 de marzo al 20 de junio en el Grand Palais. Considerado precursor del surrealismo, transitó del blanco y negro al color
París redescubre a Odilon Redon, el pintor del subconsciente que sucumbió al color
’Ojos cerrados’ y ’La celda de oro’, dos de las obras de Odilon Redon que pueden verse en el Grand P
LAURA G. TORRES - MADRID
22.03.2011
Desde este miércoles 23 de marzo al 20 de junio, las Galerías Nacionales del Grand Palais de París se sumergen en el mundo onírico de Odilon Redon (1840-1916), el gran artista del misterio y del subconsciente, el 'Príncipe del Sueño', considerado como uno de los precursores del surrealismo.
Gran admirador de Edgar Allan Poe, amigo e ilustrador de Charles Baudelaire e íntimo de científicos como Armand Clavaud y Charles Darwin, influencias que repercutirían en su obra, la red de museos galos, en colaboración con el Museo de Orsay y el Fabre de Montepellier, le redescubre con unagran retrospectiva. Francia presta atención a este compatriota nacido en Burdeos más de medio siglo después de la exposición que le dedicó el Museo de la Orangerie en 1956, aunque Londres, Chicago y Frankfurt le han dedicado monografías más recientemente.
La exposición "Odilon Redon. Príncipe del sueño"reúne cerca de 170 pinturas, carboncillos y dibujos, algunas nunca vistas, gracias al estudio de numerosos documentos inéditos y de su "libro de cuentas", en el que el artista anotaba los títulos y fechas de sus obras.
La muestra recorre cronológicamente la curiosa evolución estilística de la sombra a la luz de Redon, que jugó un papel esencial en la génesis del simbolismo con suangustiosa época de Los Negros (carboncillos y litografías) -en contraposición al impresionismo que dominaba la época- antes de desembocar en una explosión de color que le llevaría a ser admirado por los Nabis y los Fauves.
De la sombra a la luz
La primera parte de la exposición se centra en los comienzos de Redon hasta 1890. Aprendió la técnica del aguafuerte con su máximo exponente, Rodolphe Bresdin, y también recibió las enseñanzas del academicista Jean-Léon Gérôme -al que el Thyssen de Madrid dedica estos días una exposición-, pero cobraría un carácter inaugurando la serie Los Negros con su primer libro de litografías, En el sueño (Dans le Réve, 1879). Sus trabajos le hicieron cobrar notoriedad en el simbolismo incipiente hasta el punto de recibir el homenaje de Joris-Karl Huysmans en su novela A contrapelo (1884), cuyo protagonista colecciona compulsivamente a Redon.
La obra del bordelés toma como referentes a Darwin y el misterio de los orígenes del mundo y al universo macabro de Poe y de Francisco de Goya, al que dedica un álbum de planchas en 1885.
El mundo en blanco y negro del artista empieza a ver la luz a partir de 1890, cuando empieza a trasladar al color la temática onírica, época en la que se centra la segunda parte de la exposición del Grand Palais. Es la obra Yeux clos (Ojos cerrados, 1890), que tiene una versión pintada y otra litografiada, la que marca un punto de inflexión y lleva a Odile Redon a dedicarse con absoluta originalidad a la pintura al pastel, del que sigue siendo, junto con Degas, uno de los mayores maestros.
En esta época se convierte en uno de los protagonistas del simbolismo y se le relaciona con Mallarmé y Gauguin.
Sumergido en un mundo de color
La tercera y última parte de la exposición se centra en el papel de Odilon Redon en el siglo XX, tras abandonar por completo la litografía y el carboncillo y sumergirse en un color rutilante que cada vez traslada a formatos mayores.
Redon, que sigue cultivando temas mitológicos, literarios y científicos, pero desde una perspectiva colorista, realiza durante este periodo algunas de sus grandes pinturas decorativas, como las de la Abadía de Fontfroide y el castillo de Domecy,consagradas a la flora.
Para entonces, los Nabis Bonnard y Vuillard y fovistas como Matisse, se habían rendido por completo a la obra de un artista que vivió en blanco y negro durante medio siglo.
Una nueva ténica permite descubrir pinturas sobre las que posteriormente se realizaron nuevas pintur
Una nueva ténica permite descubrir pinturas sobre las que posteriormente se realizaron nuevas pinturas. Un equipo de investigación internacional formado por miembros de la Universidad de Tecnología (TU) de Delft (Países Bajos) y la Universidad de Antwerp (Bélgica) ha aplicado por primera vez este método al cuadro titulado "Parche de hierba" de Vincent van Gogh. Debajo del cuadro está el retrato de una mujer.
La familia del escultor abre por primera vez al público su estudio-taller de Algaidas
El universo creativo de Berrocal
En primer plano, vista de la obra 'Opus 251-Ramón Muntaner', el 'Almogávar II'. :: ANTONIO FUENTES
21.03.11 -01:49-
CARMEN MARTÍN cmblanco@diariosur.es | VILLANUEVA DE ALGAIDAS.
La Fundación Escultor Berrocal para las Artes ha puesto al alcance de cualquiera el universo creativo del escultor. La institución ha abierto por primera vez al público y de forma temporal el último estudio-taller del artista con motivo de la muestra 'Berrocal: Guerreros y Toreros', que puede verse en el Centro Unicaja de Cultura de Antequera hasta el próximo 14 de mayo. Como una extensión de la exposición, el estudio-taller que el artista habilitó en su localidad natal de Villanueva de Algaidas entre 2004 y 2005 abre sus puertas también hasta el 14 de mayo con objeto de difundir el trabajo de Berrocal de forma extensa, directa e interactiva, teniendo así el visitante la oportunidad de comprender el proceso creativo del escultor y observar con detalle algunas de sus obras más significativas durante todo su periodo creativo.
El estudio-taller, que pretende abrirse al público de forma permanente a lo largo de este año, descubre la faceta técnica de la obra de Berrocal. El artista abrió las instalaciones para demostrar su firme deseo de que su obra estuviera en España, por lo que trasladó a su nuevo taller -donde siguió trabajando hasta que falleció en 2006- todos los contenidos de los talleres que tuvo a lo largo de más de 50 años de creación artística lejos de su tierra. Así el estudio-taller guarda toda la maquinaria que usaba el artista para la elaboración de sus obras, esculturas ya creadas, sus archivos y todo el proceso creativo de Berrocal, «desde la idea hasta que la obra está terminada», matiza la presidenta de la fundación y viuda de Berrocal, Cristina de Braganza, para añadir que «en su taller, el artista esconde y guarda para sí lo que no muestra al público».
De esta forma, las instalaciones muestran en la primera planta el estudio donde el autor proyectaba sus obras y un centro de documentación con infinidad de volúmenes y archivos de textos y audiovisuales que la Fundación aún está inventariando, mientras que en la planta baja está el taller, donde se sigue trabajando, y una exposición de su obra desde su primera época hasta la última.
De entre todas ellas, el patrono fundador de la institución e hijo del escultor, Beltrán Berrocal, destacó que el visitante podrá ver en esta apertura temporal del estudio-taller los diez almogávares que realizó el escultor entre 1981 y 1983 en bronce patinado para la exposición del palacio de Velázquez en Madrid en 1984, su primera gran retrospectiva después de 30 años de ausencia de España. Cuatro de estos almogávares, de los que existen dos series para exhibirlos montados y desmontados, pueden verse también en la muestra del Centro Unicaja de Cultura de Antequera.
En el estudio-taller también podrá verse el Torso de Luces, un gran torso masculino realizado por el escultor en 1994 que forma parte de la exposición 'Berrocal: Guerreros y Toreros', pero que no ha podido exhibirse en Antequera debido a las reducidas dimensiones de la sala. Otra gran obra que se muestra en las instalaciones de Villanueva de Algaidas es el Grand Torse, que expresa el estilo del artista en su primera época, cuando todavía estaba bajo la influencia del abstracto español y trabajaba con chapas de acero que soldaba y doblaba a mano. También se exhiben, entre otras muchas creaciones, los grandes bodegones que Berrocal realizó para los decorados de la ópera 'Carmen' que se realizó en Verona (Italia) y que se encargaron al escultor en 1990, mostrando así otra faceta artística del creador.
Núcleo del museo
Las obras expuestas, de mediano y gran formato y de distintas épocas, incluyen el núcleo de esculturas y gráficas que Berrocal y su familia habían reservado para el futuro museo, en el que la fundación sigue trabajando para su puesta en marcha, y dan idea de la capacidad creativa del escultor. La mayoría de sus obras se concibieron sobre tres grandes mesas de cristal que el artista también trasladó desde Italia a Villanueva de Algaidas y que se conservan en su estudio. En este ala es donde Berrocal llevaba a cabo todo su proceso de investigación, estudio, cálculo y diseño de la fase de concepción de las obras.
Además, en la sala de estudio se exhibe una colección de obras múltiples de mediano y pequeño formato. Su hijo Beltrán explica que en estas obras, que se exhiben montadas y desmotadas, «se pude ver muy claramente el eje principal de la escultura de Berrocal: la escultura desmontable». El patrono fundador añade que cada obra «viene con su libro de desmontaje» para ayudar al usuario a no perderse en esa difícil tarea. El manual muestra además los dibujos que realizó para desarrollar sus obras, en las que podía emplear tres o cuatro años, por lo que solía trabajar en varios proyectos en paralelo. Algunos dibujos son tan complicados que hoy parecen que se han realizado con ordenador cuando el artista los creó antes de que aparecieran en el mercado.
La invención del múltiple por parte de Berrocal nace por varias razones. Su hijo Beltrán explica que el deseo de su padre era que todo el mundo pudiera tener su obra, además para producir las piezas de sus esculturas necesitaba una precisión mecánica que solo la producción industrial podía realizar, pese a resultar un proceso realmente caro. De esta manera, para diluir costes de producción y conseguir que su obra fuese accesible, realizó de algunas esculturas varias copias. Su primer múltiple lo ideó en 1969 y de él realizó 200 ejemplares, y de otras obras 1.000 o 2.000. De las 530 obras que realizó el artista, medio centenar son múltiples y unas 100 no llegaron a materializarse como esculturas, sino que se quedaron en bocetos, maquetas o prototipos.
De la colección de múltiples del estudio-taller, Beltrán destaca 'Mini David', concebido en 1969; 'Alexandre' (1969-1973); 'Menina II' (1972), que fue un homenaje a Rafael Alberti y cuyo libro va acompañado de un disco en el que Enrique Morente canta letras del poeta, y 'Hoplita' (1981-82), un homenaje al matemático Húngaro Rubik, inventor del famoso cubo. «Estas obras introducen y explican el aspecto más conocido de la obra de Berrocal, la desmontabilidad», señaló el patrono fundador.
El estudio es así «el corazón y núcleo desde donde partía toda la inspiración del artista, que luego tomaba forma sólida, transformándose en obras acabadas en el taller mecánico de la planta baja».
En el taller, donde están las máquinas y utensilios que Berrocal utilizó para elaborar todas las fases de realización de sus obras -desde la idea al prototipo y de ahí a la escultura terminada- se sigue trabajando en la restauración de obras y en la realización de ejemplares de sus múltiples, además de en programas de talleres de empleo y didácticos que tiene la fundación. Actualmente cuentan con una joyera israelí como artista residente que hace joyas desmontables. Igualmente, la fundación quiere abrir un taller escuela que tendrá como objetivo conservar las técnicas que empleó Berrocal y enseñar a una nueva generación, contribuyendo así al avance de las artes.
Los archivos
Además de las áreas abiertas al público, existe un centro de documentación y de estudios sobre la obra de Berrocal que no está incluido dentro de las visitas guiadas debido a que la fundación, institución impulsada por la viuda y los hijos del escultor, está inventariando, catalogando y digitalizando un enorme volumen de documentos, que en gran parte aún permanecen guardados en cajas desde que Berrocal se mudó en 2004 a su localidad natal.
El artista, que era muy minucioso y conservaba todo tipo de material, guardó 410.000 documentos de proyectos; 82.000 fotografías, diapositivas y negativos; 600 horas de vídeos; 200 horas de audio; 4.000 volúmenes que componen su biblioteca privada; 500 volúmenes y un número no precisado de documentos de trabajo que componen el centro de documentación y 115.00 documentos personales y familiares.
Precisamente la Fundación Escultor Berrocal para las Artes trabaja desde el estudio-taller para la conservación, catalogación y difusión de su vasto legado artístico, así como para el avance de las artes. «Desde su constitución, la fundación ha apostado por desarrollar sus actividades poniendo su mayor esfuerzo en la didáctica, la innovación y en cumplir con la voluntad expresa de Berrocal de que su obra quedara en su tierra para una mayor revalorización del territorio y la formación especializada de los jóvenes», explican los responsables de la fundación.
La apertura -ahora temporal, pero que pretende ser permanente a lo largo de este año- de la escuela-taller, es el primero de los muchos proyectos en los que trabaja la fundación y que pasan por abrir un conjunto de centros dedicados a Berrocal en Villanueva de Algaidas.
LAS CIFRAS
530
son las obras que creó Berrocal, de las que un centenar se quedaron en bocetos, prototipos o maquetas que no pudo desarrollar.
410.000
documentos de proyectos se conservan del artista.
EL ESTUDIO-TALLER
Apertura. Hasta el 14 de mayo. La Fundación tiene previsto abrirlo de forma permanente a lo largo de este año.
Reservas. En el teléfono 680 563 578 o en el correo electrónico visitas@berrocal.net.
Dirección. Calle Olivo Hojiblanco, 15. Villanueva de Algaidas. Más información sobre cómo llegar en www.berrocal.net/comollegar.
Antonio Banderas confirma su asistencia al acto de apertura del museo, que será un acontecimiento. Gran expectación en el mundo de la cultura ante la puesta de largo del Carmen Thyssen Málaga
Un equipo de especialistas participa en el desembalaje, análisis y colocación de las obras en las salas del palacio de Villalón. La baronesa supervisa la disposición de los fondos de la colección del museo que lleva su nombre
Carmen Thyssen toma la batuta
Carmen Thyssen posa en una de las salas del Palacio de Villalón con dos paisajes de Carlos de Haes.:
Juan Alberto Soler dobla el espinazo con la parsimonia de un cirujano. Todos sus movimientos son lentos. Precisos. Se coloca unas gafas que parecen de soldador. Pero no. Están equipadas con potentes cristales de aumento. En una mano, una pequeña linterna. En la otra, un lapicero. El paciente yace sobre una tabla sostenida por dos caballetes de madera, en cuya base aparece una palabra como grabada a fuego: 'Thyssen'.
Soler vuela rasante a pocos centímetros de distancia. A cada rato se detiene, recobra la verticalidad y realiza alguna anotación en el informe que acompaña a cada caso. Este tampoco ha sufrido con el viaje. Es el lienzo 'Una cofradía pasando por la calle Génova, Sevilla' (1851), obra de Alfred Dehodencq, procedente del Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid.
Estamos en la planta baja del palacio de Villalón, al otro lado del acceso más cercano a la iglesia del Sagrado Corazón por el que entraron el lunes por la tarde algunas de las obras que ahora se desembarazan de sus embalajes. Verónica Castillo, jefa de Registro, supervisa todo el proceso. Fotografía cada movimiento. A su señal, los técnicos alzan el cuadro que se escondía en el interior de una caja de madera, que a su vez ha salido de un imponente armazón metálico. Y del juego de matrioskas emerge 'Lavando en el patio' (1887), de Manuel Wssel de Guimbarda. Justo detrás, Paloma Pérez de Armiñán, también restauradora, realiza el mismo proceso que Juan Alberto Soler. Ella analiza 'Ca d'oro' (c. 1897), firmado por José Moreno Carbonero.
Los primeros cuadros ya lucen colgados en las paredes de la segunda planta del museo
Los técnicos inspeccionan el estado de conservación de cada una de las piezas
La paz interior
Pasan algunos minutos del mediodía, el Sol le gana la batalla a las nubes y en el interior del palacio de Villalón se trabaja sin descanso. Y sin embargo, en todas las salas reina una paz que parece dejar a millones de kilómetros de distancia la sinfonía de martillazos, rugidos de excavadoras y órdenes de operarios que desde primeras horas de la mañana convierte la calle Compañía en un hervidero.
Aunque la paz interior respirada en las salas expositivas del Museo Carmen Thyssen-Bornemisza vive una pequeña revolución cuando llega, justo, la persona que da nombre al recinto. Aparece la baronesa y toma la batuta. Desde el pasado fin de semana, la mecenas supervisa la instalación de los fondos que componen la colección permanente del centro. Una tarea que Carmen Thyssen retomaba ayer junto a la directora del museo, María López. El brío de la baronesa le llevaba incluso a transportar algunas de las obras en busca de su ubicación idónea dentro del discurso de la institución, cuya apertura oficial está prevista para el jueves de la semana que viene.
La baronesa pasaba revista satisfecha al museo, en el que ya empiezan a verse las primeras obras colgadas. Desde el punto de vista espacial, el proceso se realiza de arriba abajo; es decir, ha comenzado en la segunda planta y concluirá en el nivel situado a ras de suelo. De este modo, Carmen Thyssen-Bornemisza comprobaba cómo lucían sobre las paredes color hueso algunas de las piezas más emblemáticas de su propia colección.
Como 'La Buenaventura' (1922) de Julio Romero de Torres, uno de los iconos del museo. No en vano, ocupa en solitario uno de los espacios más relevantes del segundo piso. Casi parece mirar a 'Julia' (c. 1915), obra de Ramón Casas i Carbó expuesta muy cerca de 'Baile flamenco' -pieza sin fechar de Ricard Canals i Llambí- o 'Ávila' (1909), creación de Aureliano Beruete y Moret que da la bienvenida a una planta en la que reclaman protagonismo otros dos títulos: el colorido 'Marina. Vista de la bahía de Palma de Mallorca' (c. 1905-10) de Antonio Muñoz Degrain y la obra de Ignacio Zuloaga Zabaleta 'Corrida de toros en Eibar' (1899).
Los responsables del museo resumieron ayer el proceso de instalación de las obras de arte. Primero se colocan sobre las paredes del museo piezas de cartón de las mismas dimensiones que los cuadros que se pretenden colgar. Cada recorte ofrece una reproducción del lienzo, así como sus datos técnicos. De esta forma se obtiene una visión de conjunto inicial.
Estudio pormenorizado
De forma paralela, se efectúa la recepción de los cuadros, proceso que incluye el desembalaje y el análisis pormenorizado de su estado de conservación, incluidos los marcos. Una vez liberadas de sus cajas, las obras ocupan el lugar de sus 'sustitutos' de cartón, eso sí, protegidas del suelo por tacos de material plástico. Así lucían ayer muchas de las piezas previstas en la primera planta del museo.
Por ejemplo, los dos paisajes de Carlos de Haes entre los que ayer posaba para la cámara una sonriente Carmen Thyssen-Bornemisza, que no perdía detalle de la disposición de los cuadros de su colección. Un conjunto que hasta 2025 tendrá su nueva residencia en el Palacio de Villalón, donde se trabaja a destajo con la mirada puesta en la inauguración del día 24.
La baronesa supervisa la instalación de los fondos que componen la colección permanente del Museo Thyssen de MálagaFuente: CARLOS MORET
La baronesa supervisa la instalación de los fondos que componen la colección permanente del Museo Thyssen de MálagaFuente: CARLOS MORET
China es ya el segundo mercado de arte más importante del mundo
LUNES, 14 DE MARZO DE 2011 13:02 HOYESARTE.COM
El mercado global del arte y las antigüedades se ha recuperado considerablemente en 2010, impulsado por sus resultados en Estados Unidos y su gran crecimiento en China que, adelantándose a Reino Unido, se ha colocado por primera vez en el segundo lugar de la clasificación mundial.
Al menos eso parece deducirse del informeThe Global Art Market in 2010: Crisis and Recovery (El mercado global del arte en 2010: Crisis y recuperación), que revela un crecimiento en el mercado del 52% con respecto a 2009 y un cambio revolucionario en su distribución geográfica. Este informe ha sido encargado por The European Fine Art Foundation, organizadora de la feria TEFAF (Maastricht, del 18 al 27 de marzo de 2011).
Crisis y recuperación
El informe, basado en la información obtenida de galeristas, casas de subastas, coleccionistas y otras fuentes, ha sido elaborado por la Dra. Clare McAndrew, economista cultural especializada en el mercado de las bellas artes y las artes decorativas y fundadora de Arts Economics.
"El período 2008-2010 ha sido una época de crisis y de recuperación para el mercado del arte y las antigüedades", señala el informe. "Durante 2009, el gasto en artículos de lujo experimentó en muchos países una grave contracción, sin embargo, 2010 trajo consigo las primeras señales de recuperación económica, con un regreso de la confianza del consumidor y con los consumidores chinos originando crecimientos en muchos sectores de lujo".
Tras una contracción que fue peor de la prevista durante el segundo semestre de 2009, el mercado global de las artes y las antigüedades bajó un 33% con respecto a sus valores de 2008, alcanzando un total de 28.300 millones de euros. Esta caída representó una contracción del 41% respecto al punto álgido del mercado de 2007, una de las bajadas más importantes registradas desde la recesión producida a principios de la década de los 90.
En 2010 se observaron señales significativas de recuperación, especialmente en China y Estados Unidos, y el mercado global en su conjunto creció un 52%, situándose en los 43.000 millones de euros. El volumen de transacciones creció de forma más moderada durante 2010 (un 13% interanual) y una gran parte del aumento en valor del mercado vino originado por un incremento en el número de ventas de obras de valor elevado.
El impacto de un nuevo impuesto
The Global Art Market in 2010: Crisis and Recovery también analiza el plan de la Unión Europea de extender en 2012 el impuesto sobre la venta de obras de artistas fallecidos en los 70 años previos a todos los países miembros. En la actualidad, Reino Unido, Irlanda, Países Bajos, Austria y Malta –que no aplicaban la tasa con anterioridad– están exentos de ella. Este impuesto ya es de aplicación en toda la UE sobre las obras de artistas vivos, pero el mercado para los artistas fallecidos recientemente es mucho más amplio. Los mercados más importantes fuera del ámbito de la UE, en especial Estados Unidos y China, no tienen pensado introducir este impuesto.
El informe estudia el coste que tendría enviar obras de arte a mercados fuera de la UE para así evitar el pago de este impuesto, y concluye que para un vendedor sería rentable enviar cualquier obra con un valor de 40.000 euros o superior a Nueva York. Es también probable que los propietarios de obras de arte de fuera de la UE, que las ofrecen a la venta en los países actualmente exentos, decidan enviarlas a otros países sin este impuesto.
El informe concluye que, a menos que se alcance un acuerdo para imponer el impuesto a nivel global, se corre el riesgo de que este gravamen empeore aún más la posición competitiva de la UE y de los mercados en ella incluidos, amenazando el empleo en el mercado del arte, en las industrias relacionadas y en el turismo cultural.
Conclusiones. Revolución china
• El acontecimiento más significativo en los últimos años ha sido el extraordinario crecimiento del mercado del arte en China, que prácticamente ha doblado su valor desde 2009.
• En 2010, China se convirtió en el segundo mercado de arte más grande del mundo, con una cuota global del 23%, superando por primera vez al Reino Unido. Las ventas por subasta en China alcanzaron casi los 6.000 millones de euros en 2010.
• En 2010, la cuota total de la Unión Europea en el mercado internacional fue del 37%, una caída del 16% respecto a su punto álgido en 2003.
• Reino Unido continúa liderando el mercado de arte europeo con un 59% del total de la UE, pero en 2010 su cuota global fue del 22%, un 5% menos que en 2006. Francia ocupa el segundo puesto en Europa, con un 16% de las ventas en la UE y un 6% del total mundial.
• El número de individuos de alto poder adquisitivo (High Net Worth Individuals) en la región de Asia Pacífico iguala al de Europa por primera vez en la historia, y su riqueza es mayor.
• El mercado global del arte contemporáneo se ha recuperado de su depresión de 2009, cuando las ventas cayeron un 66%, pero este resurgir ha sido "significativamente más alto" en Estados Unidos y en China que en Europa.
• Los galeristas generaron un 51% por ciento de las ventas en el mercado global del arte, frente a un 49% por parte de las casas de subastas. Por término medio, un 30% de los negocios de los galeristas se lleva a cabo en las ferias de arte. Las tradicionales galerías abiertas al público están en declive.
«Cada cuadro elige su sitio», afirma la baronesa, que trabajará durante todo el fin de semana en la pinacoteca 13.03.11 - 01:48 - REGINA SOTORRÍO | MÁLAGA.
Carmen Thyssen supervisa en persona la disposición de la obra en su museo
Son las 21.30 horas del sábado. Mientras la noche cobra vida en el centro de Málaga, en el interior del Museo Carmen Thyssen-Bornemisza se trabaja duro. «Y estaré aquí hasta altas horas de la madrugada». Quien habla no es otra que la propia baronesa. Carmen Thyssen se desplazó la noche del viernes a Málaga para supervisar en persona la disposición de los cuadros que colgarán de las paredes del Palacio Villalón. Ya ha empezado la cuenta atrás para la inauguración, el 24 de marzo, de la pinacoteca que llevará su nombre.
«Hay mucho que hacer por delante. Son 200 cuadros, a todos los quiero y todos me transmiten un sentimiento. ¡Es la monda!», exclamaba anoche la baronesa, que confesaba estar «trabajando a lo burro» para que todo esté a punto. Hoy -y probablemente durante la semana que entra- continuará en la tarea.
Aseguró que la distribución de las pinturas «es muy importante» para el resultado final del museo, y nadie como ella conoce los fondos que se verán en Málaga. Por eso «tenía que estar» presente. «Es una labor complicada. Cada cuadro elige su sitio; si está donde no debe, se le ve triste», explicó la baronesa.
En su museo, rodeada de su colección, Carmen Thyssen estaba ayer emocionada e «ilusionada». «Está precioso, precioso, precioso...», repitió en varias ocasiones. «No es como me lo imaginaba, es mejor aún; me alegro mucho de que estos cuadros estén aquí y de que se salve una parte maravillosa de la ciudad», dijo, para acto seguido agradecer «la tenacidad y los esfuerzos» del alcalde de Málaga, Francisco de la Torre, por que su pinacoteca fuera una realidad en la capital. «Lo que hay aquí, entre la colección y el restaurado Palacio de Villalón, es único», sentenció.
Primeras remesas
El Museo Carmen Thyssen-Bornemisza empezó ayer a recibir las primeras remesas de cuadros -«todos prestados gratuitamente, que quede claro», matizó la baronesa-, un proceso que culminará mañana lunes con el último envío. Es el momento en el que entran en escena los conservadores, que ayer comprobaban que las pinturas habían llegado a Málaga en perfecto estado, y el equipo de especialistas del museo, que con Carmen Thyssen al frente elegirán durante los próximos días la ubicación ideal para cada obra de arte. Nada se puede dejar al azar.
JR, máximo exponente del arte callejero francés, recibe el TED prize 2011 y propone implicar a todo el planeta en su próximo proyecto
El artista que quiere darle la vuelta al mundo como un guante
Tiene 28 años, es francés y se hace llamar JR. Es, probablemente, el artista callejero más famoso e imitado después del británico Banksy y acaba de recibir un espaldarazo definitivo. La fundación TED (iniciales de tecnología, entretenimiento y diseño), una influyente organización creada en Estados Unidos en 1984, acaba de señalarlo como el artista al que hay que escrutar durante 2011. JR ha recibido el prestigioso TED Prize 2011: 100.000 dólares (72.000 euros) y todo el apoyo necesario para llevar a cabo un proyecto soñado.
A finales de la semana pasada, JR lanzó su reto al recibir el galardón: "Deseo que os levantéis por lo que realmente os importa participando en un proyecto de arte global y que juntos podamos darle la vuelta al mundo como a un guante". De esta manera definía el artista su mayor propuesta artística hasta el momento y que ha bautizado como Inside out project.
Se trata de una empresa titánica, pues consiste en involucrar a participantes de todo el mundo en una misma acción. Desde una página web (http://www.insideoutproject.net/), el artista solicita a todo aquel que quiera colaborar una fotografía en blanco y negro de su propio rostro o el de otra persona sobre fondo neutro. JR enviará, a vuelta de correo, un póster de 90 por 135 centímetros de esa imagen con la única condición de que el solicitante se comprometa a exhibirla en el lugar con más impacto público que le sea posible y documente esa acción con otra fotografía que servirá como parte del catálogo del proyecto artístico global.
"Cuando se observa mi trabajo de los últimos 10 años, se puede ver que siempre he tratado de hacer protagonista a la gente en mis acciones, tanto en el proceso como en la fotografía. Por ejemplo, en un proyecto reciente titulado Unframed, incluso llegué a pegar en las paredes imágenes que no eran mías, sino que pertenecen a clásicos de la historia de la fotografía. Mi punto de partida no se sitúa en quien retrata, sino en qué hacer con las imágenes... Inside out es el resultado de ese proceso. Ahora, la gente hace las fotos y son ellos mismos los que toman la actitud activa de pegarlas por todo el mundo. Yo solo me ocupo de imprimirlas. Pero también de fijar el marco global de todo el proyecto", explica el artista.
JR ya fue protagonista de otra hazaña. Algo que él denomina como "la exposición ilegal de fotos más grande del mundo". Ocho ciudades palestinas e israelíes y el muro de seguridad que separa ambas partes se vieron inundadas por enormes fotografías de palestinos e israelíes que empapelaban más de 15.000 metros cuadrados de fachadas y paredes.
"En una sociedad de imágenes estamos constantemente bombardeados por caras de gente, muchas veces de gente famosa. Normalmente, esas imágenes no representan la opinión de la gente real. Yo quiero llevar al centro de la atención a personas anónimas. Llevar sus caras a las calles y redefinir la noción de héroes", asegura JR.
Pero Inside out no trata solamente de cubrir las paredes de las ciudades porque sí. El artista lo explica: "Cuando alguien sube su foto a la página del proyecto Inside out ha de escribir un texto explicando su historia o la de la persona que ha fotografiado. Ha de explicar cuáles son los valores por los que lucha y qué quiere compartir con el mundo. Entonces se le ofrece la posibilidad de pagar 20 dólares para que se pueda continuar con la empresa. Aunque si la persona que quiere participar no puede permitirse pagar, de todas formas recibirá su póster gratuitamente".
Dice JR que comenzó en esto de la fotografía cuando un día del año 2000 se encontró una cámara de fotos abandonada en el metro de París. A partir de ahí, recorrió Europa documentando el arte callejero y los mensajes que esos artistas querían transmitir a través de las paredes. En 2006 realizó su primera acción retratando jóvenes de los suburbios de su ciudad y desde entonces no ha parado. Ahora sus obras pueden llegar a tener una cotización de 25.000 euros. Entonces, ¿qué papel cree JR que juega el arte callejero en la actualidad?
"No creo que cumpla un papel más allá que la gran oportunidad de ofrecer arte a la gente directamente en las calles del mundo. Mucha gente no puede entrar en una galería o en un museo. El arte que vean pegado por los muros será el único que se les cruce a lo largo de toda su vida. Algunos artistas utilizan la ciudad como lienzo, otros usan las paredes para expresar mensajes. Yo creo quetrato de hacer las dos cosas al mismo tiempo", afirma JR.
Inside out es una llamada a la acción en un momento en el que se están viviendo muchas revoluciones ciudadanas: "Asistimos a un momento muy importante para acometer cambios; solo hay que fijarse en el mundo árabe y en el poder que han demostrado tener las armas de Internet. Es muy fácil decir en Facebook que eres un demócrata, pero pasar a la acción y pegar tu imagen por las calles como parte de la lucha por la democracia y dejarte ver, es un paso más allá que no todo el mundo está preparado para asumir. Por eso, cuando ves una imagen en la pared has de darte cuenta de la cantidad de energía y de coraje que la gente ha puesto en ello".
Valencia, 10 mar (EFE).- La familia Granzow ya está al completo tal y como la concibió Joaquín Sorolla en el díptico que creó en 1905 y que ha estado dividido hasta que la Generalitat decidió comprar, por 160.000 euros, la mitad que le faltaba al lienzo que desde 1949 se aloja en el Museo de Bellas Artes de Valencia.
El catedrático malagueño Eugenio Carmona comisaria una muestra que incluye el cuarderno de 'Las señoritas de Avignon' de la Casa Natal
Florencia revive la juventud artística de Picasso, Miró y Dalí
«Lo que hoy llamamos 'arte moderno' fue una experiencia plural y Picasso, Miró y Dalí definieron, sin duda, algunas de las más importantes premisas de la relación entre arte y modernidad». Son las explicaciones de los responsables de la exposición 'Picasso, Miró, Dalí: tres jóvenes airados y los orígenes de la modernidad', un montaje que, justo, se detiene en la etapa iniciática de los tres genios.
La muestra se presentaba ayer en el espectacular palacio Strozzi de Florencia, sede de un proyecto que, junto al propio Picasso, ofrece otros vínculos con la ciudad natal del artista. No en vano, el catedrático de la Universidad de Málaga Eugenio Carmona comisaria la exposición junto a Christoph Vitali. Asimismo, en la exhibición se incluyen los dibujos del cuaderno preparatorio nº7 de 'Las señoritas de Avignon', perteneciente a los fondos de la Fundación Picasso-Museo Casa Natal.
Junto a estos bocetos, 'Picasso, Miró, Dalí...' ofrece más de 60 obras hasta componer una de las exposiciones que ha generado más expectación en Italia. Un proyecto que parte del año 1926, cuando un joven Dalí se encuentra con Picasso en París, donde se vinculará también con Miró. Se trata, como explicó ayer Carmona, de «empezar por el final para ver el momento en el que coinciden en un escenario artístico y ver cómo han ido evolucionando». Para lograr este objetivo, los responsables de la exposición han decidido dividirla en «episodios», diferentes salas en las que se recogen y se relacionan las obras de los tres pintores.
Su propio camino
Carmona matizó que con «relacionar» no se quiere sugerir que Picasso, Dalí y Miró pintaran lo mismo, sino que los tres «respondieron» ante las diferentes situaciones que planteaba el arte y cómo los tres decidieron seguir su propio camino.
Así, en el primero de esos episodios, titulado 'Psicomaquia. Cuando Dalí afirma que fue a ver a Picasso', se plantea la peculiar interpretación que Dalí hizo entre 1925 y 1927 de la obra de Picasso, así como el estadio de producción de los tres artistas en 1926.
En el segundo, 'Miró, Dalí. Genius Loci', se reúnen paisajes, bodegones y cuadros con figuras de Miró y Dalí, evidenciando «la relación entre el origen vernáculo de cada uno de ellos y la aceptación de lo moderno», argumentó Carmona. El tercer episodio atestigua el paso de Picasso por Barcelona en 1917 con motivo de la representación por parte de Los Ballets Rusos de 'Parade', para la que el malagueño diseñó los figurines. El episodio 'Cuando Miró se cruzó con Picasso', aborda, por primera vez en un espacio expositivo, el encuentro de un «recién aparecido» Miró con Picasso en la escena artística catalana.
Picasso encuentra además un espacio reservado a su época de juventud en la sala que cierra la muestra. Allí se exhibe el cuaderno preparatorio de 'Las señoritas de Avignon', en el que, como sostuvo Carmona, se aprecia ya el la elección de Picasso por el cubismo.
La baronesa ha cedido gratuitamente 230 obras de artistas como Zurbarán, Sorolla, Zuloaga o Romero de Torres
El Museo Carmen Thyssen Málaga abre el día 24
La Fundación Palacio de Villalón ha anunciado que el Museo Carmen Thyssen Málaga será inaugurado el próximo día 24 de marzo. Al día siguiente comienza su normal funcionamiento abierto al público y los primeros tres días (viernes 25, sábado 26 y domingo 27) serán gratuitos para que los malagueños puedan conocer el nuevo museo. Los horarios de visita del museo son de martes a viernes de 10.00 a 20.00 horas, y los sábados y domingos de 10.00 a 21.00 horas. Los lunes el museo permanecerá cerrado.
La colección Carmen Thyssen-Bornemisza se ubica en el Palacio de Villalón, una edificación palaciega del siglo XVI ubicada en la calle Compañía de Málaga, en pleno centro histórico de la ciudad. La colección permanente de este museo estará compuesta por unas 230 obras que recorren de manera brillante y coherente el arte del siglo XIX español, con especial atención a la pintura andaluza. El conjunto del Museo Carmen Thyssen cuenta con una superficie total de7.147 metros cuadrados, de los cuales 5.185 son de uso expositivo.
Entre los artistas que protagonizan la colección destacan los malagueños Gómez Gil, Moreno Carbonero o Barrón, que convivirán con pintores de la talla de Zurbarán, Sorolla, Zuloaga o Romero de Torres.
El certamen de arte contemporáneo se reduce a dos pabellones y fija
la presencia de Latinoamérica y de las galerías emergentes europeas - La
30ª edición, dedicada a Rusia, se celebrará entre el 16 y el 20 de
febrero.
Todo tiene en el mercado del arte una explicación económica. La tiene tanto el nuevo récord de 52 millones de euros logrado hace unas semanas por un desnudo de Modigliani como el plan estratégico de la casa de subastas Christie's para implantarse en los países emergentes o la revalorización de los últimos meses en las cotizaciones bursátiles de Sotheby's, el otro grande del sector. Es la lógica del mundo del arte, de un ámbito sometido al valor estético e histórico, pero también el de un mercado vinculado a las grandes inversiones y a la evolución de las cotizaciones que discurre paralelo a la de la propia economía. A ello se suman unos coleccionistas y otros intermediarios que han visto en el buen tono de las recientes subastas de otoño el claro síntoma de la recuperación en los precios del arte.
Después de los años de gran prosperidad de hace apenas un lustro, la corrección derivada de la crisis parece haber llegado a su final. Atrás han quedado la contracción del 42,8% en el precio del mercado del arte contemporáneo entre los años 2008-2009, la reducción del 54% en el total de ventas de las subastas frente al récord del periodo 2007-2008 e, incluso, la caída del 43% en los ingresos de Christie's durante el año 2009 o las pérdidas de 6,5 millones de dólares declaradas ese mismo año por Sotheby's. Como sociedad cotizada en Bolsa, la antigua y prestigiosa casa Sotheby's ha declarado en el primer trimestre de este año el mayor beneficio de los últimos 18 meses gracias al aumento de las comisiones en las subastas, aunque también debido al recorte general de sus gastos y a la reducción de las llamadas garantías a los compradores, un mecanismo de financiación para las compras que le reportó 52,6 millones de pérdidas en el ejercicio 2008. Con cerca de 1.300 empleados repartidos entre Estados Unidos, Reino Unido, Europa Continental y Asia, Sotheby's logró en 2007 un beneficio récord de 213 millones de dólares, frente a las pérdidas de 6,5 millones de dos años después.
Este declive se vio reflejado en la cotización bursátil de su acción, que cayó por debajo de los 20 dólares cuando sobrevino la crisis a principios del año pasado. Sin embargo, el buen resultado de las recientes subastas de otoño en Londres y Nueva York -donde los remates alcanzados por obras de Modigliani, Rothko, De Kooning, Bacon o Basquiat han devuelto el optimismo- no solo hace pensar en una sustancial mejora en sus cuentas de resultados, sino que además ha impulsado una revalorización en el precio de la acción de Sotheby's, que alcanzaba los 40 dólares en los últimos días de noviembre.
Lo mismo se puede decir de su gran rival en el mercado del arte, Christie's, a pesar de que el hecho de no cotizar en Bolsa hace más difícil conocer sus resultados e incluso sus pérdidas o beneficios. Aun así, la empresa propiedad del grupo Pinault -un conglomerado que también incluye algunas conocidas marcas de moda como Gucci, Saint Laurent o Balenciaga- ha hecho público que el año pasado sus ventas totales cayeron un 35% con respecto al año anterior, si bien el buen resultado de algunas subastas y ventas han ayudado a salvar el balance final. En concreto, en 2009 Christie's logró un gran éxito con las ventas de las colecciones pertenecientes a los duques de Kent, al español Manolo March y a Yves Saint Laurent y Pierre Bergé, esta última con unos ingresos totales que alcanzaron los 342,5 millones de euros.
Jugosas comisiones
Tampoco se pueden olvidar los 47 millones de dólares obtenidos por un cuadro de Rafael, los 46 millones pagados por otro de Matisse o los 37 por una escultura de Brancusi. Más aún, en las subastas de arte contemporáneo celebradas a comienzos de noviembre, Christie's tuvo sonados éxitos con la venta por 48,8 millones de dólares de una escultura de Matisse -adjudicada al galerista Larry Gagosian- o la de una composición cubista de Juan Gris, 'Violín y guitarra', que subió hasta un precio de remate de 28,6 millones de dólares. Si se tiene en cuenta que estos precios incluyen la comisión de la casa de subastas -25% los primeros 50.000 dólares; 20% por el tramo comprendido entre 50.000 y 1 millón de dólares; y 12% por el resto-, entonces está claro que el éxito en las ventas recientes impulsará y mejorará sustancialmente el resultado de Christie's en 2010.
Evidentemente, en esta revitalización del mercado del arte no solo ha tenido que ver una coyuntura económica algo más favorable que la del último año, sino también el acceso a las subastas y a las ventas de los coleccionistas procedentes de los llamados países emergentes, donde la crisis ha sido bastante más tenue. De hecho, China, Rusia, Oriente Medio y algunos países de Latinoamérica se han convertido en el objetivo fundamental de unas casas de subastas que buscan nuevos inversores y coleccionistas dispuestos a dinamizar la incipiente recuperación. Según el Informe Artprice sobre las tendencias del mercado del arte en 2009, los más de 384 millones de dólares generados por las ventas de arte en China en el segundo semestre de ese año representaron dos veces los resultados de Francia y también fueron sustancialmente superiores a los de Inglaterra. Los precios de las subastas en Hong Kong -capital del mercado del arte asiático y cuarta ciudad por ingresos de subastas tras Nueva York, Londres y París- se están acercando a marchas forzadas a los de la ciudad de los rascacielos.
Volcados en Asia
Con estos antecedentes, no extraña que las dos casas de subastas importantes estén 'echando el resto' en Asia y en otros países emergentes. Sotheby's acaba de inaugurar la semana pasada en Hong Kong una muestra para una venta privada de ocho artistas europeos del arte moderno, en la que se incluyen obras de Picasso, Dalí, Monet, Degas y Renoir. Christies's, por su parte, no solo ha realizado recientemente en su sede neoyorquina del Rockefeller Center una exposición de arte contemporáneo chino para sus principales clientes, sino que ha proclamado su intención de reforzar su presencia en Rusia, China, India y los Emiratos Árabes con el objetivo de incrementar su actual cuota de mercado del 57,8% en Asia y del 52,8% en Oriente Medio, regiones en las que vendió obras por valor de 361 millones de dólares el año pasado. La economía del arte ya es global, lo que se traducirá de forma gradual en una recuperación de los precios con distintos ritmos según autores, corrientes, regiones y países. Con esa misma intensidad, y de forma paralela, el oligopolio del mercado del arte constituido por Christie's, Sotheby's y en mucha menor medida Philips de Pury & Co volverá pronto a los récords en las pujas, a los beneficios en sus cuentas de resultados y a la segura revalorización en la cotización de sus acciones.
The elegant older couple with the European accents and fine black coats were stuck in the back of the taxi, trying in vain to make the cabdriver understand that they wanted to go to the Peninsula, a hotel so new in Shanghai that it had not made it onto their tourist map.
They were visiting No. 50 Moganshan Road, or M50, yet another post-industrial area outside a Chinese city that has turned into an art district.
Every other autumn, at around the time of the Shanghai Biennale, visitors flock to this city for a glimpse of the booming Chinese contemporary art scene, forging out to ever more remote areas to gape at the giant, strange installations that are so in vogue.
A young Chinese woman also waiting for a taxi rolled her eyes. "It’s not the art I’m impressed with here,” she said. "It’s the people who come to see the art.”
The scene began with the state-run biennale in 1996, now practically ancient history by Shanghai standards, and grew with an explosion of private museums, galleries, studios and now an art fair. Both the MOCA Shanghai and the Zendai MOMA opened in 2005, followed by the city’s main art fair, ShContemporary, in 2007.
This year, two more private museums opened in Shanghai. In April, the Minsheng Art Museum held its first official show, a retrospective of 30 years of modern and contemporary Chinese art. A month later the Rockbund Art Museum opened its doors. It is housed in a 19th-century building along Suzhou Creek, in a stretch of quaint historic structures just off the northern end of the Bund district.
In October, the ShanghART gallery opened what it called a "warehouse-style museum” in a 3,000-square-meter, or 32,000-square-foot, space in Taopu, northwest of Shanghai. It is not technically a museum — everything is for sale — but its size and scope give it the feel of one.
ShanghART was founded by Lorenz Helbling, a Swiss national who moved to Shanghai in 1995 and opened his first gallery here at around the time of the inaugural biennale in 1996. His first space was at the Shanghai Centre, a complex run by the Portman Ritz-Carlton that, at the time, was one of the few places with any sign of expatriate life.
"In 1996, when we opened, anything more than a painting in a hotel gift shop was considered exotic,” Mr. Helbling said. "There was only one art museum, and only one art show every few months.”
"It was a totally different world. It was a totally different city. The ring road had just opened and Pudong didn’t exist,” he continued, referring to a major expressway and the financial district. "It was only in the ’90s that Shanghai really started building highways and skyscrapers.”
ShanghART closed its downtown branch and moved on to rougher, larger spaces in Moganshan and Taopu, areas that were barely part of the city a decade ago.
The Taopu opening party was one of many shows timed to coincide with the biennale, which is a nucleus for many satellite events, both official and unofficial.
One of the more interesting is West Heavens, a rare Chinese-Indian joint effort between two Asian superpowers that have had little collaboration in the field of contemporary art.
The series of exhibitions and seminars, which runs until Dec. 20, was the brainchild of Johnson Chang, a curator and professor who has been a force in contemporary Chinese art since the 1980s.
"I hope it will make the Chinese public see India with a fresh eye,” said Mr. Chang, who has run Hong Kong’s influential Hanart TZ Gallery since the early ’80s. "The intention of the project, I hope, is to reshape Chinese imagination about India.”
One of the exhibits was held in the quickly gentrifying waterfront Rockbund area. Paradoxically — given that the collaboration is between India, a former British colony, and Shanghai, a city once dominated by foreign concessions — the two venues here were distinctly European. Both were once part of the British consul’s residence, a space that Mr. Chang called the "heart of colonial ideological machinery.”
These long-neglected 19th-century buildings, which are owned by the local government, were recently leased to the Peninsula, which opened a hotel nearby this year. The hotel then lent the spaces to West Heavens, and it is expected that more cultural events will follow next year.
The 14 scrolls that make up "Over Land,” by the Indian artist Nilima Sheikh, were placed perfectly as the only work in the former consul’s spired Anglican chapel. The artist had painted and stenciled images onto long, flowing paper-and-silk strips that hung from the high ceiling. Softly lighted in the otherwise dim and empty church, it had the feel of a sacred work. To see the intricate renderings of dragons, flowers and poems, inspired by a portion of the Silk Road, viewers must stand directly below the work and look up toward the heavens.
The venue next door has a very different vibe. Visitors stomp their way up a five-story former dormitory for missionaries, a building so dark, dusty and rickety that some people clutch the splintery railing, lest they tumble down the stairs. The opening was held during a nighttime rainstorm, and the whole thing felt like a Halloween haunted house.
"Railway from Lhasa to Kathmandu” by Qiu Zhijie touches on many of West Heavens’ recurrent themes: faith, colonialism and the crossing of national boundaries. Mr. Qiu, who usually works with electronic media like photo or video, commissioned traditional artisans who make thangka, a type of Tibetan embroidered painting that is often used for religious purposes, particularly by Buddhist monks. These modern thangkas, hanging in that eerie old dorm, tell the tale of Nain Singh Rawat, an Indian spy hired by a British captain to travel to Lhasa disguised as a lama, in order to map the area. The installation was accompanied by an ankle shackle bolted to the floor.
The airy new Rockbund Art Museum is around the corner from some of the West Heavens venues. It also had an opening timed with the biennale, for "By Day by Night: or Some (Special) Things a Museum Can Do,” which is on until January. This is more of a mini-festival than an art show, and includes workshops, seminars and performances.
The art show portion was organized by Hou Hanru, who was the curator behind the 2000 Shanghai Biennale. .
"The creation of a museum like this is part of the urbanization process,” he said. "We’re not opening a museum just to show fancy, blue-chip artists.”
El arte contemporáneo no está en crisis. Miami Art Basel,
la hija americana de la feria suiza, se llenó en su primer día de
coleccionistas venidos de todo el mundo, especialmente de América
Latina. En la jornada dedicada a ellos, las 250 galerías de la sección
general, además de las jóvenes incluidas en Arte Nova (50 ) y Art
Positions (14) dedicaron toda su atención a estos compradores migrantes
que llegaban solos, con sus agentes o en grupos guiados.
Desde el próximo miércoles, Madrid cuenta con un nuevo centro de referencia: El Museo ABC Centro de Arte / Dibujo / Ilustración abre sus puertas para vincular una colección histórica con la creación más joven.
Desde el próximo miércoles, Madrid cuenta con un nuevo centro de referencia: El Museo ABC Centro de Arte / Dibujo / Ilustración abre sus puertas para vincular una colección histórica con la creación más joven. La exposición «El efecto iceberg» inaugura sus salas
La obra del conocido artista estadounidense Roy Lichtenstein (1923-1997)
"Ohhh Alright" se vendió hoy por 38 millones de dólares en una subasta
de arte contemporáneo y de posguerra organizada en Nueva York por la
firma Christie's.
Nueva York, 5 nov (EFE).- Un centenar de artistas de 21 países participa
en la II Bienal Latinoamericana de El Bronx con trabajos que se
muestran en el museo de este condado, así como en diversas localidades
de este sector neoyorquino de mayoría latina.
La exposición que consta de cuadros de cien artistas latinos es exhibida en Nueva York
Más cien obras de artistas que usan la imagen fotográfica y el vídeo en sus obras protagonizan la exposición Haunted 05.11.10 - 13:53 - IÑAKI ESTEBAN | BILBAO
La exposición, que recibe el nombre de Muestras. Jóvenes artistas de Passau, consta de más de 20 obras entre las que se encuentran pinturas, pequeñas instalaciones y objetos.
El arte experimental del argentino Antonio Berni (1905-1981) atraviesa
una exposición inaugurada en Málaga por la Casa Natal de Picasso, que ha
traído por primera vez a Andalucía la obra de este creador.
Dibujo realizado por Matisse de la Alhambra llamado "vue de la fenétre"
El 11 de diciembre de 1910 el pintor Henri Matisse estuvo en la Alhambra de Granada, ciudad a la que llegó dos días antes; también visitó el Sacromonte y asistió, como un turista más, a un tablao flamenco. Desde la pensión donde se hospedaba, el pintor escribió a su mujer Amélie: "La Alhambra es una maravilla. Sentí allí una inmensa emoción”. Ahora el Palacio de Carlos V, del recinto de la Alhambra acoge una exposición conmemorativa titulada "Matisse y la Alhambra”, organizada por el Patronato de la Alhambra y el Generalife con la Sociedad Estatal de Conmemoraciones Culturales, SECC, y la colaboración de la Fundación "la Caixa” de Barcelona, comisariada por Maria del Mar Villafranca y Francisco Jarauta, con un centenar de obras.
Dividida en cinco ámbitos –"Lección de Oriente”, "El viaje a España: Matisse y la Alhambra”, "De Marruecos a Niza”, "Odalisca: paisaje interior” y "Luz y armonía”-, 35 obras de Matisse nos muestran su mundo encantado por la magia orientalista y el impacto que la visita a España tuvo en su producción artística; óleos, dibujos, litografías y una escultura, que se muestran junto a fotografías históricas, cartas y postales procedentes del Archivo Matisse de Issy-les-Moulineaux, y la Universidad de Yale, de Estados Unidos, así como otros documentos y objetos: cerámica, bronce, celosía y cristal de diferentes préstamos.
Henri Matisse mantiene viva la herencia orientalizante del siglo XIX. En octubre de 1910 visita, junto con Marquet, una exposición de arte islámico en Munich; presenta una retrospectiva de su obra y, a renglón seguido, se traslada por ferrocarril, de Francia a España; visita fugazmente Madrid y el Museo del Prado, compra un tapiz alpujarreño que sirvió para realizar una obra posterior, y se encamina hasta Sevilla, donde se encuentra con sus amigos y colegas Francisco Iturrino y Auguste Bréal, hospedándose en el Hotel Cecil. Y en Sevilla pinta tres obras, que figuran en la exposición de Granada: dos naturalezas muertas –Bodegón Sevilla I” y "Bodegón Sevilla II”-para el coleccionista ruso Serguei Schchukin, y "Joaquina”, retrato de una bailaora de flamenco.
Dibujo realizado por Matisse de la Alhambra llamado "vue de la fenétre" que recuerda el paso del pintor por Granada y que será una de la mas de cien piezas de la exposición "Matisse y la Alhambra (1910-2020)" que se mostrarán a partir del 15 de octubre en el palacio de Carlos V de Granada.
A Matisse el viaje a España le marca. El Prado es "exquisito”; Sevilla una ciudad "maravillosa”; y Granada "emociona”. Es natural que posteriormente escribiera "¡Vivan el vino, las mujeres y el tabaco!”. Vivía el clima de un romanticismo oriental que, incluso, llegó a mover los celos de su mujer, a la que retrató dentro de ese decorado. Con la atracción hacia el Magreb y los flecos subsiguientes, un Henri Matisse (1869-1954) ya famoso en 1910, decide conocer Andalucía. Es cuando el 16 de noviembre de ese año toma el tren en París, pasa por Madrid, pinta cuadros en Sevilla, visita Granada y Córdoba; también Toledo para conocer de cerca la obra de El Greco, y Barcelona, regresando a Francia el 25 de enero de 1911. Un viaje y unas circunstancias muy bien expuestas en la muestra "Matisse y la Alhambra”, abierta en el Palacio de Carlos V, del conjunto nazarí, del 15 de octubre al 28 de febrero de 2011.
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